[Publicado em outubro de 2013 no meu blog: http://pitacoscinematograficos.blogspot.com.br/2013/10/idiocracia.html]
Após várias gerações nas quais as pessoas mais inteligentes demoravam para se reproduzir, gerando, quando muito, um só descendente, e os "menos favorecidos intelectualmente" iam povoando o mundo, a Terra se vê coberta por uma humanidade completamente idiota em 2505. Esse é o futurismo proposto em Idiocracia.
Joe Bauers, ou Not Sure (Luke Wilson) é o protagonista da estória. Colocado em hibernação em 2005, é esquecido dentro de seu sarcófago após o projeto ser cancelado pelo exército dos EUA. Ele havia sido escolhido devido à sua incrível mediocridade, pois era um "homem médio" em todos os quesitos.
Quando acorda, em 2505, encontra um planeta imundo, povoado por quase débeis mentais, que vivem de repetir bordões de comerciais da TV, gírias e palavrões, quando conseguem exprimir mais do que 3 palavras. Num ambiente como esse, é fácil ser o sujeito mais inteligente, o que acontece com Joe. Aliás, por conseguir articular minimamente suas frases, sem falar gírias nem grunhir, todos o veem como efeminado.
Bem, a partir daí a estória segue um ritmo de ação no qual Joe é preso, considerado a pessoa mais inteligente do mundo após testes estúpidos de QI, nomeado ministro, condenado à execução pública dentre outras desventuras.
O diretor do filme é Mike Judge, mais conhecido por ser o criador da dupla de idiotas Beavis e Butt-Head. Não acompanhei muito o seriado, mas a impressão que se tem é que ele quis imaginar um mundo povoado por idiotas como seus famosos personagens, que ficam rindo, grunhindo e só pensam em sexo.
O filme é cheio de boas tiradas. Um julgamento em que o juiz é um showman e no qual o advogado de defesa passa a acusar seu cliente, em meio a argumentações vazias, um presidente que é ex campeão de luta livre (lembram de algum ex governador da Califórnia?), uma arena mistura de coliseu com estádio de futebol com a torcida vibrando pra ver destruição e um cinema com as pessoas rindo de uma bunda que fica em cena ao longo de toda a projeção (que me lembram os frequentadores do Cinemark que gargalham a cada ironia sutil de filmes dramáticos) são alguns dos bons momentos.
O pior de tudo no filme é perceber que na brincadeira, há um belo fundo de verdade. Tenho a sensação de que o mundo está emburrecendo, por mais contraditório que pareça em um ambiente no qual transborda informação. Mas, tal contradição é aparente, pois a informação cada vez tem menos qualidade. Basta ver na página do UOL quais são as notícias mais lidas. Quase sempre são sobre fofocas de celebridades. Com tanta informação disponível as pessoas ficam com preguiça de pensar. Um mundo de alienados, como no livro clássico Admirável Mundo Novo, de Aldous Huxley.
Duvido que quem assistir não vai pensar que talvez este seja nosso destino.
[Publicado em outubro de 2013 no meu blog: http://pitacoscinematograficos.blogspot.com.br/2013/10/gravidade.html]
Filme sensação do momento, após ter sido ovacionado no Festival de Cannes e elogiadíssimo pela crítica, Gravidade, tem uma trama relativamente simples: uma dupla de astronautas vividos por George Clooney e Sandra Bullock têm de se salvar após uma colisão de detritos espaciais com o ônibus espacial no qual estão. Pouco depois, descobrimos que a personagem de Sandra Bullock tem dúvidas sobre se quer lutar por sua vida, pois ainda vive o luto pela morte de sua única filha de 4 anos de idade.
Dito assim, o filme pode parecer sem graça. Talvez quem goste somente de filmes-cabeça, com tramas complexas ou filosóficas, veja Gravidade somente como um filme de ação. Mas nem só dessas tramas "mais complexas" vive o cinema. Assim, o filme se encaixa na linha dos primeiros tempos de Spielberg, como Encurralado (Duel), no qual um sujeito normal sai de casa e de repente se vê perseguido por um caminhão, ou o ultrapopular Tubarão. Nessa linha de tramas simples mais recentes destaco ainda o excepcional Drive. Assim, não há qualquer demérito na simplicidade do roteiro. Especialmente por manter a crueza dos desafios reais no ambiente hostil, sem se render a câmeras lentas, músicas dramáticas ou outros recursos emotivos.
O ponto alto de Gravidade com certeza é seu espetáculo visual. Nenhum filme anterior que teve o espaço como cenário nos fez sentir tanto neste ambiente. Este definitivamente é um filme para se ver em 3D e se sentir imerso na imensidão celestial. Aposto que o Oscar de efeitos especiais já tem dono. E só pelo esforço físico Sandra Bullock já merece disputar o de melhor atriz.
Depois de ver o filme, acho que as pessoas terão de rever aquele velho sonho de ser astronauta.
Indicado ao Oscar de melhor filme estrangeiro, A Caça retrata a estória de um professor do jardim de infância, que, repentinamente, é acusado por uma de suas alunas de ter cometido abuso sexual.
Desde o princípio, sabemos que o protagonista Lucas (o excelente Mads Mikkelsen, que interpretou o vilão LeChifre em Casino Royale) é inocente, que a menina que o acusa, Klara, simplesmente ficou bravinha por ter tomado uma bronca dele por tê-lo beijado na boca. Como tinha visto um filme pornô mostrado pelo amigo de seu irmão adolescente, fingiu ter usado a imagem que vira, de um pênis ereto, como se tivesse sido Lucas que mostrara para ela.
Curioso é que ninguém contesta o testemunho de uma criança, mesmo com todos sabendo que Klara, tem uma imaginação muito fértil. E a partir daí, a suspeita se torna certeza.
Vivesse Lucas em uma metrópole e suas complicações teriam sido mais simples, pois em cidades assim a impessoalidade permite que nos escondamos na multidão. Mas Lucas vive em uma cidadezinha bem pequena, onde todos se conhecem. Uma acusação dessas leva o fim de sua vida social, sendo hostilizado até mesmo para fazer comprar no supermercado. Passamos o filme inteiro comovidos com o drama pessoal de Lucas, com um sentimento de incômodo e de injustiça.
As consequências: um inocente é seriamente punido em meio a isso ou, trazendo a discussão para nosso cotidiano, um rapaz suspeito de assalto é espancado, desnudado e amarrado a um poste.
A Caça vem em boa hora nesses tempos de polarização de posições políticas, em que as pessoas nem precisam saber direito o que aconteceu para decidir seu lado. Ou seja, se uma menina disse que seu professor lhe molestou, é verdade inquestionável!
Qualquer um que acredite minimamente em Justiça deve saber que Justiça, tal qual a figura estampada em tribunais, é uma senhora cega, que somente usará a espada após ter feito a pesagem dos fatos. Só que em nossos tempos, poucos querem se dar o tempo de pesar os fatos, quase todos já querem sair sacando a espada e ir resolvendo as coisas.
A pedofilia é um tema que está na pauta em todo o mundo, especialmente em meio aos casos vergonhosamente encobertos pelo Vaticano. Mas é claro, qualquer caso deve ser cuidadosamente analisado. Não é porque vários padres foram acusados de pedofilia que todos esses são culpados. E pior ainda, achar que todo e qualquer padre é um pedófilo. Generalizações são sempre perigosas, e quase sempre injustas.
Esses tempos de paranoia com relação a segurança são terríveis. Dá até medo de brincar com crianças, pois seus pais podem interpretar qualquer atitude, especialmente um toque, algo praticamente essencial ao brincar, como abuso. E com isso vamos criando um mundo mais frio e assustado.
E acreditar, como as personagens do filme, que criança não mente, é uma enorme bobagem. Pesquisas científicas e a experiência prática demonstram que desde bebês aprendemos a mentir em benefício próprio.
Triste constatar que vivemos em um mundo tão injusto, em que uma acusação absolutamente infundada pode prejudicar uma vida para sempre.
Woody Allen lança um filme por ano há mais de quarenta anos. Em 2013 não foi diferente, e este é seu produto, filme que disputa o Oscar de roteiro original, atriz principal e atriz coadjuvante.
Blue Jasmine, ótimo título, brincando com a ambiguidade entre a flor jasmim azul e a protagonista do filme, a triste Jasmine (Cate Blanchett), traz a história de uma mulher que era milionária e frequentadora da high society de Nova York que perde tudo e vai morar com a irmã pobre, Ginger (Sally Hawkings), em São Francisco.
Jasmine perdeu tudo, o dinheiro, os imóveis, o prestígio social, o marido que se matou após ser preso por golpes financeiros milionários, e o enteado que fugiu de tudo isso, mas não perdeu a pose. Já na abertura do filme está voando em primeira classe, usando roupas de grife e dando alta gorjeta para o taxista carregar suas bolsas Louis Vuitton. E confrontada pela irmã a aceitar um padrão de vida bem inferior ela é resistente, tentando retomar o caminho de pessoa bem sucedida que tinha traçado antes de se casar, de estudar e conseguir destaque profissional, algo que não fez por ter aceitado o papel de bem sucedida esposa dondoca.
O filme passa a ser então uma narrativa construída no contraste entre o presente difícil e o passado glorioso de Jasmine, por meio de diversas cenas de flashback. Jasmine encontra muita dificuldade em descer do salto alto, ter de aceitar que deve trabalhar em um emprego de baixas qualificação e remuneração, pois não teve estudo ou experiência para coisa melhor.
É interessante notar que Jasmine, que perdeu tudo em razão do patrimônio de seu marido ter sido construído em cima de trapaças, repete o padrão ao tentar falsear seu passado. Exemplo disso é que ela decidiu mudar seu nome, que era Jeanette, ainda na adolescência. E irá criar todo um passado suavizado sobre sua vida de rica, omitindo toda a sujeira da fortuna do marido ao conhecer um pretendente "adequado", ao contrário dos homens rudes e grosseiros que sua irmã tenta lhe apresentar e que ela considera perdedores, como o ex e como o futuro marido de Ginger.
Cate Blanchett está excelente no papel de Jasmine, personagem que, além de toda a carga pelo trauma que carrega, é descontrolada e começa a reclamar da vida até mesmo andando sozinha na cidade. Das concorrentes ao Oscar só vi a atuação de Sandra Bullock, e diria que é difícil escolher entre as duas, pois esta tem de carregar Gravidade praticamente sozinha.
Blue Jasmine é um filme que trata sobre a dificuldade das pessoas em virem seu mundo cair, e como construímos nossas certezas em cima de coisas precárias, ou, como colocado no filme, a tentativa de não querer ver as coisas como são, olhar para o outro lado, como faz Jasmine em relação a suspeita fortuna de seu marido.
Como mencionei Gravidade, interessante até fazer um paralelo com este, no qual a protagonista também viu seu mundo cair com a morte da filha, e teve de acreditar que não se deveria deixar abater por esse fato e seguir em frente. Esse é o dilema, ou deixar o passado para trás e encarar a vida, ou cair e não se levantar mais.
Vencedor da Palma de Ouro do Festival de Cannes 2013, Azul é a Cor Mais Quente causou muita polêmica por, alem de envolver um amor lésbico, ter cenas de sexo muito pesadas, bem mais fortes que o "polêmico" beijo gay da novela das nove. Obviamente, como sempre, quem é homofóbico e está feliz sendo assim, melhor passar longe, pois vai dizer que é só uma sem-vergonhice, apologia à homossexualidade, "o que vão ser de nossas crianças" e outros argumentos da dupla Feliciano/Bolsonaro. Agora, quem acha que tudo isso é besteira, que o desejo é inato e que não será um filme que vai fazer alguém preferir A ou B, pode gostar do que verá.
O filme, em suas 3 horas, vai num ritmo lento, mas não o achei arrastado ou enrolado. Não se vê, contudo, pressa em contar a estória. Muitas cenas são do cotidiano banal de Adele, com a câmera muitas vezes focada em seu rosto, mostrando a sutileza de seu estado de humor enquanto tenta se descobrir no mundo.
A trama acompanha Adele (a naturalmente bela Adele Exarchopoulos) bem de perto, como muitos closes em situações bem íntimas dela, como babando ao dormir, numa busca do diretor em torná-la uma pessoa qualquer, sem nada de especial. A primeira parte do filme mostra Adele na escola descobrindo a vida sexual, com um ficante que não combina nada com ela, mas a trata bem. Após sua primeira relação sexual ela diz que "foi demais", enquanto sua expressão facial mostra um tédio total. Tanto que não demora para encerrar este caso.
Aí surge em sua vida Emma (Léa Seydoux, a assassina de Missão Impossível 4 e a moça do antiquário em Meia Noite em Paris), a garota do cabelo azul, com a qual ela se encanta no primeiro olhar. Ao contrário da tímida e simples colegial Adele, Emma é uma pintora e estudante de artes, intelectualizada, engajada politicamente e já experiente sexualmente. Mas percebe que para conquistar Adele terá de ir aos poucos, pois existe a barreira da homossexualidade, e Adele vive em um ambiente bem conservador, tanto quanto a sua família quanto a seus amigos, bem diferente de Emma, habituada ao mundo de intelectuais e artistas.
A segunda parte do filme já mostra a fase adulta de Adele, após passar a viver junto com Emma e a dificuldade do relacionamento, como qualquer outro, acrescido da dificuldade em ter convívio social normal tentando esconder sua homossexualidade.
O filme não pretende ser uma bandeira para o movimento gay. Adele não está interessada em defender nenhuma causa, como mostra seu desinteresse em uma parada gay e seu esforço para se divertir neste ambiente. Adel somente quer amar.
Não que o filme não trate do preconceito. Uma das melhores cenas é com as "amigas" de escola de Adele, que, ao verem ela caminhando junto a Emma na saída da aula, fazem um interrogatório no dia seguinte, e uma das integrantes da patota questiona se ela não tinha outra intenção quando foi dormir em sua casa. Como se a orientação sexual de alguém impedisse de ter amigos do gênero pelo qual tem desejo.
Muitas coisas não são ditas no filme, o que faz com que seja necessário que se leia as expressões faciais das atrizes, e que se compare situações distintas em diferentes momentos, como a comparação da intensidade de Adele em sua relação sexual com seu ficante da escola e com Emma, ou como se dá a aproximação entre esses e a protagonista.
Azul é a Cor Mais Quente é uma demonstração daquilo que já diziam os Titãs, "todo mundo quer amor".
[Publicado antes do Oscar 2014 em http://pitacoscinematograficos.blogspot.com.br/2014/02/o-lobo-de-wall-street.html]
Imagine o que um bando de vagabundos iria fazer se ganhasse muito dinheiro. É isso que você imaginou que é retratado em O Lobo de Wall Street, uma sucessão imensa de exageros, com diversões adolescentes, drogas, sexo e palavrões.
Baseado na história real de Jordan Belfort (Leonardo DiCaprio), um corretor da bolsa que percebe que pode ganhar muito dinheiro vendendo ações de companhias minúsculas para gente da classe trabalhadora que acredita na ilusão de que irá ganhar milhões. E com isso ele consegue taxas de corretagem de 50%, enquanto que corretores de ações convencionais ganham muito pouco, cerca de 1%. Para isso ele monta um time com experiência em vendas, só que todos envolvidos com drogas, crimes e picaretagem. Em suma, pequenos mafiosos que vão encontrar um novo nicho no mercado acionário.
Fazia tempos que eu não ria tanto em um filme. Os exageros são hilários, e bem politicamente incorretos, como o arremesso de anões em alvos e o machismo que se faz presente em todo o filme. E coisas absurdas, como os corretores pensando na contratação de anões, e discutindo seriamente que não se pode olhar nos olhos dos baixinhos. Mas nenhuma cena se compara a passagem em que Popeye está passando na TV. Não vou contar pra não estragar a diversão de quem ainda quer ver.
DiCaprio tem em suas mãos um personagem megalomaníaco, que vive tudo com a máxima intensidade. E não decepciona, tem que fazer de tudo um pouco, alguns ataques histéricos, crises de overdose, momentos de convencer trouxas, arroubos de violência e até alguns momentos de seriedade. Não só por esse filme, mas pelo conjunto da obra, acho que ele já merece um Oscar, pois desde Titanic ele sempre está bem em seus papéis.
E no fim, fica aquela sensação de que um estelionatário engana aos outros porque sempre tem algum bobo de boca aberta pronto pra acreditar em qualquer coisa.
Baseado na história real de um sequestro do cargueiro Maersk Alabama na costa da Somália em 2009, Capitão Phillips reconstrói os momentos de tensão vividos pela tripulação americana e por seu protagonista, interpretado pelo sempre competente Tom Hanks.
A Somália, terra dos piratas retratados, mal é um país, pois somente 10% de seu território é controlado pelo governo. O restante é controlado por chefes locais. Além disso tudo, o país fica em uma rota estratégica para grande parte da navegação internacional, o chifre da África, sendo portanto, quase que uma consequência lógica que a região seja cenário de ataques de piratas, que em nada lembram um Jack Sparrow.
O filme, como dito, é uma reconstituição da tensão da abordagem pelo grupo de piratas ao cargueiro, aproximando-se bastante de um filme de ação, nesse sentido, com criminosos sempre ameaçando a vida da tripulação.
Mas seu maior mérito, reside, em não colocar os piratas como africanos pobres, sujos e malvados inimigos da América. Sim, eles não deixam de ser africanos pobres e sujos, mas não necessariamente são animais sem coração. Todo o duro contexto em que eles vivem praticamente os impulsiona em direção ao cometimento de crimes. O melhor diálogo do filme se dá entre o Capitão e o chefe dos piratas (ótima atuação do novato somaliano Barkhad Abdi), no qual Phillips argumenta que ele poderia fazer algo além de ser um pescador ou um sequestrador, ao que ele responde "Talvez na América, irlandês, talvez na América", demonstrando a falta de opções causada pela miséria.
No final o filme esbarra numa glorificação do bom serviço das forças especias dos militares americanos, que, obviamente, tiveram seus méritos no sucesso do resgate, mas fica aquela mensagem de "Não mexa com a gente".
[Publicado antes do Oscar 2014 em http://pitacoscinematograficos.blogspot.com.br/2014/02/trapaca.html]
Um dos campeões de indicação ao Oscar 2014, Trapaça tem a direção de David O. Russell, que em seus últimos dois trabalhos, O Vencedor e O Lado Bom da Vida, foi indicado por ambos aos prêmios de melhor diretor e de melhor filme.
Para ampliar essa vitrine de indicações, ele trouxe a esta nova produção 4 atores que estiveram envolvidos nessas duas produções anteriores: os já "oscarizados" Christian Bale (o Batman, no look "esconde a careca") e Jennifer Lawrence (de Jogos Vorazes) além de Bradley Cooper (da série Se Beber não Case) e Amy Adams (a Lois Lane de O Homem de Aço). Com esse elenco estelar conseguiram a façanha de ter 4 atores indicados a todas as categorias, algo que já havia sido feito por Russel no ano passado, com O Lado Bom, o que não ocorria há mais de 30 anos (para ver a lista dos filmes que já conseguiram isso, clique aqui).
Mas deixando de lado essa análise curricular, vamos ao filme. Trapaça envolve um pequeno e bem sucedido golpista, Irving Rosenfeld, vivido por Bale. Apesar de seu excelente know-how, Rosenfeld é precavido e não se aventura a grandes golpes e vive enganando gente simples endividada em um cenário de crise econômica do final dos anos 70 nos EUA, prometendo empréstimos que nunca saem. Para melhorar sua "credibilidade", a ele se junta sua amante, Sidney, ou "Lady Edith" (Amy Adams), que se finge de aristocrata britânica para tornar a farsa da linha de crédito com ingleses mais factível.
Suas vidas seguiam seu curso normal de pilantragens quando são pegos pelo agente do FBI Richie di Masio (Bradley Cooper) que os convence a conseguir a liberdade se os ajudar a pegar peixes grandes, como políticos corruptos.
Mas o destemor de di Masio só é menor que sua ingenuidade. Do alto de sua cabeleira encaracolada moldado com mini bobs, ele acredita ser fácil pegar mafiosos e grandes corruptos com uma armadilha simples e rápida, ignorando que não dá pra cometer erros com gente assim.
Essa será a trama principal da estória, e para isso irão manipular um bem intencionado e ambicioso prefeito de Nova Jersey (Jeremy Renner), a conseguir convencer outros políticos corruptos a permitir investimentos ilícitos para reativar os casinos de Atlantic City.
Trapaça consegue ser, ao mesmo tempo, triste e divertido. Divertido pelas situações inusitadas em que os personagens se colocam. E triste por demonstrar a carência humana e a necessidade de tentar ser o que não se é. Todos criam ilusões para tentar amenizar a dureza de suas vidas, o que se vê em seus onipresentes trajes chamativos.
Como já passei pelos currículos dos atores, vale analisar seus trabalhos. Bale está excelente como o pequeno golpista bonachão que engana as pessoas passando uma credibilidade de "amigão que vai estar lá quando você precisar". Adams conseguiu a maior coleção de decotes já vista no cinema não "adulto" e está excelente no papel de amante ressentida por não ser a titular. Lawrence é a esposa desocupada e manipuladora de Rosenfeld que sempre diz o que não deve. E Cooper, como já mencionado, é o enérgico e não muito esperto agente do FBI.
Trapaça segue a linha dos filmes de golpes, como Um Golpe de Mestre e Nove Rainhas, em que os espectadores sempre têm de ficar atentos para não serem enganados também. Mas só pela trama, porque a qualidade do filme é uma das poucas coisas genuínas.
Vencedor do Oscar de melhor filme, 12 Anos de Escravidão é baseado na história real contada nos diários de Solomon Nothup, um homem livre do Norte dos EUA que é capturado e vendido como escravo para as plantações do sul daquele país.
Ao contrário do Holocausto judeu, a Escravidão moderna foi poucas vezes abordada no cinema. Provavelmente isto se deve ao fato de suas consequências serem marcantes até hoje em qualquer país que tenha um passado escravocrata e, mais ainda, nos Estados Unidos, onde até pouco mais de 50 anos haviam leis de segregação que criminalizavam até mesmo casamentos interraciais. Seria difícil, neste contexto, alguém querer tocar nesta ferida aberta, especialmente se considerarmos que a indústria cinematográfica sempre foi controlada por brancos, muitos deles judeus, o que explica em parte o mencionado interesse pelo Holocausto.
Como já colocado, a história mostra como Solomon (Chiwetel Ejiofor), um violinista do Estado de Nova York, casado e pai de dois filhos, é sequestrado por dois homens que oferecem emprego temporário em um circo e o dopam em um jantar. Quando acorda, ele já se encontra acorrentado em um porão, aguardando para ser enviado para o Sul dos EUA.
Solomon é uma boa personagem na medida em que permite a nós, que nascemos todos livres, nos identificar com sua dor, pois diferente é a situação de escravidão para quem já nasceu escravo e tende a ser conformado com sua condição. Solomon não, ele sabe o valor de não ter de prestar contas a ninguém, e o quanto lhe incomoda ter de ser submisso e não poder tomar praticamente qualquer decisão.
Ao longo do filme, o diretor Steve McQueen (que pode ser o primeiro negro a vencer o Oscar como diretor) nos apresenta vários aspectos da escravidão, como a submissão, a indiferença, a justificação religiosa, a desumanização, dentre outros.
Uma boa cena que mostra como a crueldade pode ser inocente é o da "boa" sinhá, que ao receber uma escrava recém chegada chorando muito por ter se separado dos dois filhos, diz que basta a ela se concentrar em seus afazeres que logo se esquecerá deles. Em um sistema que a todos desumaniza, escravos e patrões, é de se crer que a sinhá não notasse a maldade de sua frase, e realmente achasse que estava sendo gentil com sua serva.
Diversas serão as cenas de violência física ao longo do filme. Pela repercussão, achei que fossem até mais explícitas, mas o diretor, em algumas delas, nos poupa de muitos detalhes, focando diversas vezes na expressão facial dos castigados, e outras vezes deixando a violência em um segundo plano desfocado, demonstrando a banalidade do castigo, que não causava espanto a ninguém.
Também não é deixado de lado a indiferença dos negros livres frente aos escravos, exemplificado no papel de uma ex-escrava que se casa com seu mestre e passa a se comportar como qualquer outra sinhá, exibindo indiferença frente aos cativos, pois considera este um preço baixo a se pagar para viver bem.
Chiwetel Ejiofor mostrou uma grande atuação, digna do prêmio. Ao longo do filme notamos a transformação em sua postura física, pois quando livre, andava com altivez e tranquilidade. Logo que é capturado se mostra indignado e furioso. No começo de suas funções com escravo busca mostrar suas aptidões e sua instrução, rivalizando com os rudes agregados de seu mestre (postura pela qual irá se arrepender amargamente). E já no final já apresenta uma postura resignada, andando com os ombros contraídos e falando de forma submissa com os brancos.
Além do protagonista ainda temos excelentes atuações dos outros indicados aos Oscars de coadjuvantes, o ótimo Michael Fassbender (o Magneto de X-Men: Primeira Classe), como o segundo senhor de Solomon, e a vencedora do prêmio, Lupita Nyong´o, no papel da escrava eficiente e alvo da luxúria de seu patrão. Ainda formam o elenco outros atores de renome, como Paul Dano, Paul Giamatti, Benedict Cumberbatch e Brad Pitt, sendo o heroi da história, como de costume (e, sendo ele um dos produtores do filme, não deve ter sido difícil escolher este papel).
12 Anos é um filme extremamente pesado e que leva o público às lágrimas. E como histórias de superação frente as adversidades sempre são apreciadas pela Academia de Cinema, levou o prêmio máximo de 2014.
Philomena é um destes filmes que receberam uma indicação ao Oscar em razão de terem ampliado a lista para mais de 5 filmes nos últimos anos. Há pouco tempo com certeza teria ficado de fora, razão pela qual quase ninguém acredita que possa faturar a estatueta.
O filme não chega a ser ruim. Mas também não chega a ser bom. É razoável. Seu mérito está no próprio enredo, baseado em fatos reais, e na atuação de Judi Dench (a M dos filmes do 007) como a personagem título, uma velhinha que fala pelos cotovelos de vários assuntos desinteressantes que assiste na TV ou lê em romances de 2ª categoria.
Além dessas futilidades, Philomena manteve em segredo por 50 anos o fato de que, quando jovem, teve um filho que lhe foi tomado pelas freiras do convento em que foi morar por ter sido desonrada, ou seja, por ser mãe solteira na Irlanda dos anos 1950. Um jornalista político em baixa (Steeve Coogan) aceita ajudá-la a buscar seu filho em troca da exclusividade na publicação da reportagem deste drama familiar, o que revela-se bem mais do que isso no decorrer do longa.
A trajetória é bem quadrada, faltando clímax. No fim, fica a revolta pelo grau de crueldade que uma instituição religiosa pode ter com uma pessoa que apresente comportamento "inadequado".
[Texto publicado antes do Oscar 2014, em http://pitacoscinematograficos.blogspot.com.br/2014/02/clube-de-compras-dallas.html}
Candidato aos Oscars de melhor filme, melhor ator (Matthew McConaughey) e melhor ator coadjuvante (Jared Leto), Clube de Compras Dallas retorna à década de 80 e aos primórdios da descoberta da Aids. Ron Woodroof (McConaughey), eletricista por profissão e picareta por diversão, descobre ser HIV positivo e que, segundo o médico que o atende, tem somente 30 dias de vida. Como à época, a Aids ainda estava confinada a grupos de risco, como usuários de drogas injetáveis e homossexuais, o rude e homofóbico Ron reage furiosamente à notícia, como se seu diagnóstico fosse uma afirmação de que ele é gay.
Ao longo do filme, veremos que o prognóstico de 30 dias de vida estava completamente equivocado. Aliás, médicos "videntes" são um fenômeno um tanto quanto recorrente na sociedade. De qualquer forma, Ron, após se informar melhor sobre a doença e aceitar que contraiu o vírus após suas inúmeras relações sexuais desprotegidas com prostitutas e outras mulheres promíscuas, passa a buscar tratamento. À época o AZT ainda era uma droga em fase experimental, de modo que não era possível comprá-la, e seu único caminho legal seria aceitar se submeter aos testes, podendo receber a droga placebo. Como não aceita isso, Ron passa da dar seus pulos.
Trambiqueiro de longa data, o protagonista percebe que pode ganhar dinheiro vendendo o tratamento a diversos infectados, tornando-se sócio da travesti Rayon (Leto), que tem contatos na comunidade infectada. Daí o nome do filme, pois eles obtem enorme sucesso vendendo a associação ao clube de compras que oferece os medicamentos necessários para o tratamento por meio do pagamento de mensalidade. Aliás, os remédios que fornecem são outros que não o AZT, o que provoca a ira da indústria farmacêutica, ansiosa por emplacar a droga mais cara da história como a única viável ao tratamento, apesar de, ao menos em sua fase inicial, ser altamente tóxica.
Os dois atores principais, os galãs Leto e McConaughey (o nomezinho difícil de se soletrar) passaram por incrível transformação física. De homens sarados tornaram-se raquíticos para os papéis. Como essas transformações chamam a atenção da Academia, como nos mostram muitos exemplos, o maior de todos sendo o de Charlize Theron que inacreditavelmente ficou feia para Monster: Desejo Assassino (clique aqui para ver), vieram as indicações aos prêmios. Felizmente as indicações não se devem somente à mudança física, pois ambos estão bem no filme, especialmente o protagonista, que só vinha fazendo papéis bobos em comédias românticas.
Clube trata de um tema ao mesmo tempo pesado e interessante. Como mostra a luta de uma pessoa contra o sistema, tem sido comparado a Erin Brockovich. Mas a direção e roteiro são um tanto quanto quadrados, faltando algo que qualifique Clube como um grande filme.
A mensagem que o filme deixa é que mesmo um caipira machista como Ron pode perceber que o preconceito contra o diferente somente existe pela ignorância, fazendo com que possamos acreditar que o entendimento e o carinho entre as pessoas é algo viável.
Nebraska trata da estória que pode até soar bobinha, a de um velho que recebe uma carta de uma editora de revistas dizendo que ganhou 1 milhão de dólares. Desde o princípio, é nítido que isso é só uma brincadeira de peça publicitária. No entanto, Woody (Bruce Dern), acredita que tal dinheiro está à sua espera no escritório da empresa no Estado de Nebraska, fazendo com que ele tenha como missão sair de sua casa em Montana e ir resgatar seu prêmio a centenas de quilômetros, nem que precise ir a pé.
Como dito, a estória parece bobinha porque é muito claro, no caso, que o prêmio não existe. Mas, pergunto, quantos de nós não gastamos muito tempo indo atrás de seu pote de ouro no final do arco-íris? Sonhamos que se conseguirmos determinado emprego, se ganharmos certa quantia de dinheiro ou se nos relacionarmos com as pessoas que desejamos nossas vidas mudarão para sempre, e todos os nosso problemas irão se acabar.
Woody é mais um dos que acreditam nisso. Desde o começo ele revela que quer ganhar um milhão para comprar uma caminhonete, que sempre sonhou ter, e um compressor de ar, que diz ter sido roubado por seu ex-sócio. Ou seja, já em seus últimos dias, o protagonista quer compensar suas frustrações do passado, algo que ocorre com a maioria de nós. Lembrei-me de Cidadão Kane, no qual o protagonista após ter conquistado quase tudo na vida, morre com saudades de seu brinquedo de infância.
Nesta jornada, um de seus filhos, David (Will Forte) decide acompanhá-lo para tentar fazer com que ele desista de sua obstinação com o prêmio. No caminho, que passa pelos estados menos importantes e mais rurais dos EUA, que incluem Montana, Wyoming, Dakota do Sul e Nebraka, Woody irá passar pela sua cidade natal, onde terá algumas contas a ajustar com seu passado.
O diretor Alexander Paine tem um excelente currículo que inclui As Confissões de Schimidt (em que conseguiu uma das melhores atuações da carreira de Jack Nicholson) e, Sideways: Entre umas e Outras, filme que eu adoro, sendo indicado ao Oscar de diretor por este e também pelo mais recente Os Descendentes, indicação que vem novamente com Nebraska.
Bruce Dern e June Squibb (como Kate, a esposa de Woody) também estão indicados aos prêmios por suas atuações. Ambos conduzem bem seus papéis, ele como o velho quase gagá, alcoólatra, rude e que pouco fala (ou pouco quer falar) e ela como a velha desbocada e moralista que fala mal de todo mundo, incluindo seu marido e seus filhos. Dois personagens comuns na classe média baixa dos EUA.
A fotografia deste filme em preto e branco é belíssima, com o diretor explorando bem os contrastes, criando muitos cenas com claridade e escuridão. Aliás, não me recordo de ver um filme recente que utilizasse a técnica do preto e branco para contar uma estória atual, pois filmes como O Artista, A Lista de Schindler e O Homem que Não Estava Lá contam estórias do passado. Não acho que a escolha pelo monocromático se deva somente para o diretor se gabar de fazer bons filmes de qualquer forma, pois a falta de cores combina com a falta de emoção na vida simplória de Woody na das pessoas ao seu redor. Também serve para nos lembrar que, com o tempo, tudo vai ficando mais opaco.
Nebraska é um belo filme, bem lento e sem grandes emoções, que nos faz refletir sobre nossas buscas inglórias e nossa necessidade de procurar sentido em tudo.
Nova versão do clássico cult de 1987, RoboCop dirigido pelo brasileiro José Padilha (Tropa de Elite) muda o foco do original, trazendo o drama para o lado humano de Alex Murphy (Joel Kinnaman), o policial que estava praticamente morto e é "ressuscitado" em forma de máquina. Se no original Murphy acordava como uma máquina, e aos poucos, contra a vontade de seus criadores, ia relembrando seu passado, neste ocorre o contrário. Murphy acorda do coma e fica chocado ao se ver transformado em uma máquina, com pouquíssima coisa sobrando de seu corpo humano. Também há um enfoque maior em sua relação familiar, pois no original ele se mantinha à distância de sua esposa e de seu filho, enquanto neste ele tenta restabelecer a relação como uma homem-máquina.
A grande questão do filme, em seu enfoque político, é se é ético que robôs, e não mais pessoas, passem a tomar decisões que envolvam julgamento de valores. A ação começa mostrando robôs americanos fazendo o patrulhamento em Teerã, enquanto que um âncora de televisão de extrema direita, Pat Novak (Samuel L. Jackson), defende o uso de robôs, pois estes evitam que soldados percam suas vidas em países estrangeiros. Mas ele se esforça para disfarçar que o outro lado da moeda é que os cidadãos dos países invadidos são humilhados em abordagens e mortos se tentarem reagir. Ou seja, desde o começo Padilha já toma partido, mostrando que não há muita justiça em tal sistema.
O grande embate do filme, dá-se então, entre os defensores do uso de soldados-robô como policiais no território dos EUA, como Novak e a empresa que os fabrica, a OCP, e os contrários a tal medida, representados por um senador que defende a manutenção de uma lei que impede tal uso. RoboCop será, assim, uma tentativa da OCP de encontrar uma brecha legal, colocando um humano dentro de um robô, construído pelo Dr. Frankenstein moderno, Dennett Norton (Gary Oldman).
É Interessante a preservação de alguns dos ícones do filme original, como a forte música tema, a armadura de RoboCop e o robô ED-209.
Padilha deu seu toque ao filme, mas não deixa de ser um filme pipoca com um roteiro arrumadinho, ao contrário de superproduções burras repletas de ação e com roteiros que só servem pra ligar uma cena à outra, como Transformers e Velozes e Furiosos.
No Brasil, é comum um sentimento aflorado contra a Argentina. Mas mesmo quem tem essa birra com os "hermanos", se gosta de cinema, não pode negar que os filmes argentinos são geralmente muito bons, e dão de goleada na produção cinematográfica do Brasil. Diferentemente do panorama nacional, em que, em boa parte das vezes, os filmes ou tratam de miséria ou são essas comédias bizarras que mais lembram uma Zorra Total de duas horas de duração, os filmes argentinos normalmente tratam de histórias cotidianas de classe média, muito bem contadas.
Medianeras, que originalmente era um curta-metragem e depois ganhou a versão de longa, se enquadra nessa categoria. A abertura do filme já é um primor, mostrando o mar de prédios da capital portenha enquanto o narrador em off analisa que BA´s é uma cidade que dá as costas ao seu rio e que a urbanização é totalmente caótica, com prédios altos do lado de baixos, novos do lado de velhos e outros contrastes que deterioram o ambiente urbano. Parte daí a análise se tal caos no planejamento não se espelha em nossas vidas.
Martin (Javier Drolas), o protagonista, é um programador de sites que praticamente não sai de casa, fazendo tudo online. Mariana que mora na mesma rua de Martin, a poucos prédios de distância, é uma arquiteta que trabalha produzindo vitrines. Ambos cruzam-se várias vezes durante o filme, mas nunca se veem, perdidos na multidão.
Além de inúmeras semelhanças de gostos e de posturas, os dois também tem um passado de rompimento de relação amorosa doloroso e de relações posteriores efêmeras e sem graça. Ao longo do filme as rotinas dos dois são acompanhadas em paralelo.
O fato de estarem perdidos na multidão traz o paralelo dos famosa série de livros Onde Está Wally (por isso o poster do filme acima). Mariana diz que o único cenário em que nunca encontrou Wally é na cidade, uma metáfora por sua busca pela cara metade na metrópole impessoal.
Outro ponto muito bem abordado pelo filme é o fato de estarmos altamente conectados nos dias atuais, e isso não aplacar a solidão. Martin diz uma excelente frase que sintetiza tudo isso: "A internet me aproximou do mundo, mas me afastou da vida".
Nota: 9
P.S: Links para o filme no youtube: http://www.youtube.com/watch?v=yKwxlP_DW_8 http://www.youtube.com/watch?v=8ja-vEbiY1c
E também o filme na versão anterior, curta metragem: http://www.youtube.com/watch?v=kDj9yoBJ0k8
Mais um concorrente ao Oscar 2014, Ela se passa em um futuro próximo, no qual a no qual o sistema operacional dos smartphones, mais do que simplesmente obedecer comandos por voz, passa a interagir com seus usuários, conversando como se fosse uma pessoa normal, o que inclui contar piadas, ter voz ofegante, querer saber fofocas, dentre outros atributos humanos.
O protagonista Theodore (Joaquin Phoenix) é um solitário escritor de cartas pessoais que está em processo de divórcio e adquire o novo sistema operacional OS¹ (clara referência ao iOS dos iPhones). Em seu contato inicial com o sistema (na voz de Scarlett Johanson, que merecia estar concorrendo ao Oscar pela vida que injeta na personagem virtual), este pergunta seu nome e ela diz que é Samantha, pois o escolheu entre todos os milhares de nomes possíveis em milésimos de segundo, demonstrando desde logo a assimetria que existirá entre eles quanto ao tempo de aprendizado.
O filme passa a abordar então a maneira como Theodore se relaciona com Samantha, numa metáfora sobre como é que nos relacionarmos uns com os outros.
Quando eu conto a sinopse do filme, ou seja, um cara que se apaixona pelo sistema operacional, as pessoas riem em tom de deboche e estranhamento. Mas, curiosamente, o filme transforma essa estranha relação em algo bastante concreto em poucos minutos. Afinal, o que são os nosso relacionamentos reais? Amamos o que, afinal? O corpo da pessoa ou sua personalidade? Se é uma questão de personalidade, Samantha não fica devendo nada a ninguém, dada sua capacidade de interagir, evoluir e se adaptar.
Com base nesse relacionamento, o filme vai colocar situações sobre como nos portaríamos frente a esta possibilidade de sermos amigos de nossos computadores. Na estória, em pouco tempo, torna-se muito comum e socialmente aceitável que as pessoas namorem seus sistemas operacionais. Mas persiste o problema de que a relação se dá com um ente incorpóreo, que não compartilha de nossa limitação física de somente poder estar em um local em dado momento, assim como não tem nossa única certeza, de que iremos morrer.
O tema não é fácil de ser trabalhado, poderia facilmente cair num estranhamento de apresentar o protagonista como um doido varrido ou, por outro lado, ir pro sentimentalismo de mostrar uma linda estória de amor entre Theodore e Samantha. Mas o diretor e roteirista Spike Jonze (da comédia cult e maluca Quero Ser John Malkovich) conduz sua obra de maneira magistral, mostrando, enfim, a miséria humana em sua busca por afeto.
Aproveito para traçar um paralelo entre este filme e outro sensacional sobre como se dão nossos relacionamentos em meio a revolução digital, que é Medianeras: Buenos Aires na Era do Amor Virtual. Aos que gostarem de Ela, recomendo este, mais adaptado ao nosso presente e a realidade de metrópoles caóticas.
Ela se insere no renascimento do gênero da ficção científica. Digo renascimento porque a revolução digital foi mais surpreendente do que a ficção, fazendo com que poucos se aventurassem, entre 1990 e 2010, a imaginar o futuro.
Agora, que temos mais claro para onde tal revolução caminha, surgem filmes como Ela e o novo Robocop, nos quais o temor anterior de que os computadores tornariam-se inteligentes e iriam nos matar, como em 2001 - Uma Odisséia no Espaço ou O Exterminador do Futuro, cede lugar a um casamento já consolidado entre seres humanos e máquinas e aos limites éticos nessa relação quase simbiótica.
Finalizando, deixo novamente o link de uma coluna de Contardo Calligaris abordando o assunto do relacionamento com uma máquina: Amor de Máquina.
Um filme que reúne 4 atores oscarizados e carismáticos não tem como não ser bom, certo? Longe disso. Última Viagem a Vegas é uma prova disso.
A estória envolve um grupo de amigos de infância, os quatro astros, que, já na velhice e com cada um tendo uma vida diferente, resolvem se encontrar para a despedida de solteiro de um deles em Las Vegas
Todas as personagens não são mais do que estereótipos. O viúvo ranzinza (De Niro), o velho dependente que é tratado como criança pelo filho (Freeman), o velho que quer ser garotão (Douglas) e o velho que está entediado em seu casamento de 40 anos (Kline).
Se pelo menos as piadas fossem boas, o filme poderia ser melhor. Mas são todas piadas manjadas, sobre os velhos que voltam a Las Vegas 40 anos depois e estranham tudo, frente a festas modernas.
E tudo se encaminha para liçõezinhas de moral infantis no final, do tipo valorize o que você tem, aceite que você envelhece e não é porque você está velho que sua vida é sem graça.
Lembrei-me dos comentários dos finais dos desenhos do He-Man. Faltou o Gorpo aparecer no final dizendo algo do tipo: "na estória de hoje, vimos que às vezes nós nos acomodamos com nossas vidas e não percebemos como ela é bonita. Então lembrem-se, amiguinhos, se você tem pessoas em quem confia, esse é o maior tesouro que você pode ter. Até a próxima."
Whiplash inicia a maratona de análises aos indicados ao Oscar do Pitacos Cinematográficos. O longa concorre a 5 categorias: melhor filme, melhor ator coadjuvante (J.K. Simmons) e roteiro adaptado, além de 2 categorias técnicas, edição e mixagem sonora.
No filme, Andrew (Miles Teller), um jovem baterista estudante de música sonha em ser o maior músico de jazz de todos os tempos, e encontra um rígido professor, Fletcher (J.K. Simmons) que pressiona seus alunos a ultrapassarem seus limites em busca da perfeição.
Rígido professor, aliás, é um eufemismo. Fletcher por vezes parece ser a essência do mal, abusando de seus alunos com ofensas, grosserias e humilhações. No entanto, o roteirista/diretor se esforça em não estereotipar sua personagem, mostrando, em alguns momentos, Fletcher sendo simpático e afetuoso, numa clara mensagem de que ele não é o capeta encarnado, mas apenas um ser humano comum, com seus defeitos e qualidades.
Andrew, por seu lado, é um jovem bastante introvertido e antissocial. Não se preocupa em ter amigos ou namorada, seu único objetivo é ser o maior baterista de todos os tempos, e está disposto a tudo para conseguir isso. Até mesmo aguentar toda a dor física necessária nas longas horas de treino com as baquetas e a dor psicológica da constante pressão exercida por Fletcher. Tal obsessão fica muito próxima ao fanatismo.
O clima de tensão percorre todo o filme. O espectador se sente incomodado com a situação por que passa Andrew. Certamente todos ser perguntarão o porquê dele não jogar tudo pro alto. Mas é justamente a sua obstinação que conduz o filme. Seu sonho de ser lembrado o faz enfrentar todos os desafios. Não que isso seja considerado louvável ou execrável. Em uma excelente cena do filme Andrew está em um jantar de família e quem é tido em mais alta estima são seus primos, um que é jogador de futebol americano em um time de 3ª divisão universitária e outro que conseguiu um emprego na ONU, sendo que ele, mesmo se destacando na melhor escola de música do mundo, é desprezado.
Enfim, o tal sonho de grandeza de Andrew, mesmo que bem sucedido, não o fará ser um herói aclamado por multidões, mas somente admirado pelos poucos entendidos em jazz.
Os atores principais entregam atuações muito intensas e conseguem fugir do estereótipo. Fletcher não é somente maldade e Andrew não é somente obstinação. Além disso, é surpreendente saber que Miles Teller realmente tocou a bateria em altíssimo nível em todas as cenas, apesar de ter um dublê. Em algumas das cenas o sangue que ele espirra na bateria é real. Tom Cruise se pendurando nos prédios parece brincadeira perto disso. E em breve eles será o protagonista na nova versão do Quarteto Fantástico. Podemos estar vendo o nascimento de um futuro astro. E o veterano J.K. Simmons merece com louvor sua indicação ao prêmio de melhor ator coadjuvante.
A direção também é bem conduzida, tirando o máximo da simplicidade dos cenários, em um filme cujo orçamento ficou em modestos 3 milhões de dólares (para comparação, Êxodo custou 140 milhões). E a edição contribui para manter o ritmo na métrica adequada durante todo o tempo, estabelecendo uma ótima ligação com a trilha sonora.
Assim, o filme que tira o espectador de seu lugar de conforto, traz uma boa história em que cada um pode buscar suas lições, é bem dirigido e apresenta grandes atuações. Mais digno de Oscar do que várias produções medianas que levaram o prêmio nos últimos anos, como O Discurso do Rei.
Ainda sobre o Oscar 2014, A Grande Beleza foi o vencedor do prêmio de melhor filme estrangeiro (ou, como diz o nome atual, filme em língua estrangeira).
A estória centra-se em seu protagonista, Jep Gambardella (Toni Servillo), um jornalista de 65 anos que vive intensamente os agitos da vida noturna e cultural de Roma, e que ganhou fama graças a um livro que escreveu há 40 anos.
A narrativa não é das mais tradicionais, o que pode afastar espectadores que gostam do esquema tradicional de filmes hollywoodianos ou de novelas globais. Vários momentos do cotidiano de Jep são mostrados sem necessariamente haver uma ligação cronológica entre estes.
Apesar dessa falta de narrativa cronológica padrão, o filme não é um apanhado de cenas sem sentido. Algumas cenas permitem uma interpretação direta, especialmente quando o protagonista dá uma lição de moral na sua amiga que se julga a pessoa mais correta da turma, mostrando toda a podridão que ela oculta.
Já outras intenções do diretor exigem ao espectador que "ligue os pontos". Por exemplo, em momento algum isso é dito, mas Jep mora em um apartamento com uma sacada enorme em frente ao Coliseu, e diz que passou a vida inteira buscando a grande beleza e não a encontrou. Ora, todos os dias ele acorda com vista para esse grande monumento, e isso para ele não é belo o suficiente, o que pode ser interpretado como o fato de que qualquer pessoa enjoa de qualquer coisa, ou de que nada é tão belo assim.
Muitas coisas são questionadas ao longo do filme, como arte, religião, política, família e amizades. Olhando em uma perspectiva geral, o diretor busca tirar seus espectadores da zona de conforto, pois todos sempre buscam portos seguros para tentar colocar sentido às suas vidas.
Felizmente, o filme não mostra qual seja esse sentido (embora sugira que é meio bobo que velhos fiquem dançando em festas com música bombando madrugada adentro). Fica a mensagem de que "O sentido da vida" talvez nem exista, e cabe a nós escolher qual a melhor maneira de viver, levando conosco toda a responsabilidade pelas escolhas que fazemos.
Vencedor do Oscar de 2010 de melhor filme estrangeiro, O Segredo de Seus Olhos mistura história policial com romance. Benjamín Esposito (o excepcional Ricardo Darín) é um funcionário da Justiça aposentado, que decide escrever sobre um caso de homicídio que investigou 25 atrás e que causou imensa repercussão em sua vida pessoal.
Alerta de spoilers! Quase toda a estória será contada abaixo. Este pitaco é uma resenha escrita voltada àqueles que leram minha recomendação no Facebook e viram o filme.
A vítima era uma jovem e bela mulher, recém casada, que fora estuprada e assassinada. Durante as investigações Benjamín passa a ser chefiado por Irene (Soledad Villamil), uma assistente de juiz recém-formada de currículo invejável, rica e de família tradicional. Apesar da distância social que os separa e do fato de Irene estar de casamento marcado, surge entre eles uma forte paixão, que é comunicada muitas vezes somente pelos seus olhares, uma das razões do título do filme.
Esposito acredita descobrir o assassino por meio de fotos da vítima nas quais há sempre um sujeito dirigindo seu olhar para ela, outra razão do título do filme. Com a identidade do suspeito, Isidoro Gómez (Javier Godino, sósia do Messi) passa a persegui-lo, mas não o encontra. Sem soluções, o caso é encerrado.
Passa-se um ano e Esposito encontra o viúvo da vítima na estação de trem. Este revela que todos os dias vai até o local para tentar encontrar o assassino da mulher que tanto amava. Sensibilizado com a história, Benjamin consegue a reabertura do caso, e descobre, em cartas do suspeito, que esse utiliza uma linguagem cifrada para se referir ao seu time do coração, o Racing.
Vem aí o grande momento do filme e um dos melhores da História do Cinema: o espetacular plano-sequência que se inicia com uma tomada aérea do estádio do Racing e somente termina com a prisão do suspeito em pleno gramado como o jogo rolando! A câmara parece ser uma mosca que tudo segue, em quase 10 minutos de tirar o fôlego. Na verdade não foi utilizada uma só câmera nisso, pois seria impossível fazer tudo isso sem a hipotética "câmera-mosca" (talvez os drones tornem isso possível em um futuro próximo). Houveram umas "emendas" imperceptíveis, excelentes ilusões de ótica, que podem ser vistas neste making-of: https://www.youtube.com/watch?v=OBeYm2aPKCw.
Pois bem, o suspeito está preso, mas não há nenhuma prova contra ele. Irene, dissimuladamente, consegue sua confissão. Mas não contavam com sua imunidade, pois Gómez é na verdade um agente da ditadura argentina, e o governo pouco se importava com sua conduta pessoal, desde que ele pegasse os inimigos do regime.
Assim, de perseguidor Benjamín passa a ser perseguido, e é obrigado a fugir para longe de Buenos Aires para salvar sua vida, e, consequentemente, abandonar Irene, uma história que só havia ficado nas preliminares.
Por fim, descobrimos qual foi o destino de Gómez. Esposito encontra o viúvo que lhe dissera na estação que era contra a pena de morte, pois queria que o assassino-estuprador passasse a vida vivendo uma sequência de dias vazios, pois este seria o maior castigo. Mas dessa vez diz a Esposito que matou Gómez. Esposito, após deixar o sítio do viúvo, reflete e percebe que não fazia sentido que um homem que achava a pena de morte um castigo fraco contentasse-se em matar o algoz, não o fazendo sofrer. Sorrateiramente invade o local onde encontra Gómez preso e Morales como seu carcereiro, que em castigo, não fala com ele há 25 anos. Fica a dica para os defensores da pena de morte: há castigos muito piores!
E no final, fica no ar que Irene e Benjamín, finalmente ficarão juntos, após toda uma vida de amor platônico. Atenção à metáfora da porta, que no passado ficara aberta, e se fecha ao final.
O Segredo de Seus Olhos é um filme magnífico. Simples, sem ser banal. Sofisticado, sem ser chato. Cada diálogo é muito bem escrito, várias frases são cheias de conteúdo e lições de vida. Mas o filme não depende somente desses excelentes diálogos, pois seus atores principais, liderados por Darín, conseguem dizer muito sem nada falarem. E, regendo o show, a criativa direção de Campanella.
Na atual onda de produções bíblicas, Ridley Scott, diretor aclamado por filmes como Alien, Blade Runner e Gladiador, apresenta Êxodo: Deuses e Reis, contando a mítica (sim, é só um mito de criação, nenhuma evidência científica atesta que os hebreus tenham vivido no Egito) história da fuga dos hebreus do cativeiro do Egito, liderados pelo patriarca Moisés, vivido por Christian Bale (o último Batman).
Nesta nova versão da história nas telas, procurou-se, conforme a atual moda de filmes bíblicos, dar um caráter mais "realista" a estória. Assim, Moisés é mostrado como um respeitado general e príncipe egípcio, guerreiro sanguinário que resolve as coisas na ponta da espada quando necessário. Qualquer semelhança com o Gladiador não parece ser mera coincidência, ao contrário, parece que a ideia foi a de usar o mesmo passado de Maximus, revelando total falta de criatividade na caracterização da personagem central.
Quando se descobre que ele é na verdade um hebreu adotado pela princesa do Egito, Moisés é exilado por seu primo de criação, o Faraó Ramsés (Joel Edgerton). Antes disso, no entanto, a caracterização física de Moisés já é um tanto estranha, pois seus traços físicos e vestimentas destoam na corte egípcia, já ficando um tanto quanto claro que ele não pertencia àquele meio, sendo que os diálogos tentam mostrá-lo como completamente integrado ao meio, gerando uma certa incoerência.
Em seu exílio, onde inicia uma nova vida em uma aldeia, formando família, Moisés começa a ter visões sobrenaturais, nas quais um menino que seria deus lhe diz que ele deve voltar ao Egito para libertar seu povo.
Moisés retorna e ameaça o Faraó a libertar seu povo. Não atendido, surgem as famosas pragas do Egito. Aí o tal "realismo" se torna ainda pior, com uma tentativa frustrada de inscrever as pragas em um contexto de dano ambiental causado pela ação humana. Talvez seria melhor deixar a estória da maneira que era contada, em que tudo era simples intervenção divina.
E da mesma maneira é a famosa abertura do Mar Vermelho. Uma simples questão de mudança de maré, na qual no final a água sobe rápida e misteriosamente, Moisés e o Faraó saem praticamente ilesos, apesar de todos os outros que lá estavam serem mortos pelo tsunami. O Moisés de Charlton Heston, abrindo o Mar Vermelho com um cajado era melhor e talvez até mais realista!
Enfim, uma superprodução com um enredo bem fraco e mesmo os efeitos especiais (que deveriam ser primorosos) são um pouco mal feitos, sendo perceptível sua artificialidade. Ridley Scott envelheceu e perdeu a mão. Felizmente a Academia não deu nenhuma indicação a esse desastre.
Birdman, ao lado de O Grande Hotel Budapeste, é o campeão de indicações ao Oscar 2015, disputando 9 categorias. E concorre em quase todas as categorias nobres: filme, diretor, roteiro original, ator (Michael Keaton), ator coadjuvante (Edward Norton) e atriz coadjuvante (Emma Stone). Merece ganhar tudo.
Antes mesmo de ver o filme, impressionou-me a genialidade metalinguística de fazer um filme sobre um ator em decadência que anos antes foi marcado por ter feito um super-herói de destaque no cinema. Qualquer um com mais de 30 anos certamente quando olha para Michael Keaton imediatamente se lembra de Batman em sua primeira versão cinematográfica. Mas aqui ele é... Birdman! Ou seja, Michael Keaton interpreta um personagem inspirado em... Michael Keaton! Uma sacada genial!
Se você não gosta de filmes que tem um quê de maluquice, como O Clube da Luta, já lhe adianto que não vai gostar do filme e xingar este pitaqueiro pelos elogios à produção. Confirmando isso, na primeira cena Keaton está flutuando. Não faltaram avisos!
O enredo como já adiantado é sobre o tal ator, Riggan Thomson, que 20 anos antes era o famoso Birdman. No presente ele investiu tudo o que tinha para produzir, roteirizar, dirigir e atuar em uma peça da Broadway, buscando ver seu talento reconhecido e sua carreira reconstruída. Ou seja, mais metalinguagem, pois Keaton estrelando o filme é o mesmo que Riggan querendo se reerguer na Broadway.
Devido a problemas com o ator coadjuvante, odiado por Riggan, entra em seu lugar Mike Shiner (Edward Norton), renomado ator de teatro que trata com desdém as celebridades do cinema. O conflito entre esses dois opostos conduzirá boa parte do restante do filme. Além disso, Riggan tem de lidar ao mesmo tempo com a estreia da peça, com sua namorada que é atriz da peça e que pode estar grávida, Laura (Andrea Riseborough), com a outra atriz cheia de expectativas em sua primeira peça na Broadway, Lesley (Naomi Watts), com sua filha recém saída da clínica de reabilitação, Sam (Emma Stone), enquanto é assessorado por seu melhor amigo Jake (Zach Galifianakis). E pairando sobre tudo está Birdman, a voz que Riggan ouve constantemente e quer que ele retome os dias de grandeza. Enfim, Riggan está envolvido em problemas.
O filme aborda muitos temas atuais e atemporais. Nossa sociedade que dá mais atenção a factoides publicados em tabloides do que ao talento dos artistas está constantemente em debate. O imediatismo da internet e das curtidas das redes sociais também. E, por trás de tudo isso, a eterna necessidade de reconhecimento do ser humano diante do seu medo da falta de significado da vida. Todos esses elementos estão muito bem inseridos no filme.
O roteiro é excelente, recheado de humor (com tiradas de celebridades reais) e com diálogos muito bem construídos. Obviamente, nem mesmo o melhor diálogo já escrito funcionaria sem ter atores competentes para dar-lhe vida. Mas isso não é problema para Birdman. Todos os atores, até mesmo o medíocre gordinho da série Se Beber Não Case, estão ótimos. Keaton e Norton conduzem com muito talento o filme, merecendo os prêmios a que concorrem, assim como Emma Stone.
Ainda que não vençam, Keaton já está recebendo o tão sonhado reconhecimento como ator e Norton retomando o rumo de sua carreira, que surgiu como promissora após As Duas Faces de Um Crime, foi crescendo com A Outra História Americana e Clube da Luta e que vinha oscilando desde A Última Noite, tendo realizado papéis medíocres no período, como em O Ilusionista.
A condução técnica surpreende. O filme todo é construído como um plano-sequência, ou seja, como se não houvesse cortes de câmeras. A dificuldade técnica para conseguir fazer isso é imensa. Já relatei antes meu espanto com o grande plano-sequência de O Segredo de Seus Olhos. Não há palavras para descrever um filme inteiro feito com essa técnica. E mesmo diante dessa dificuldade técnica, a fotografia é ótima, alternando espaços, luzes e cores constantemente.
Birdman, assim, está na minha lista dos melhores filmes do século XXI. Dos últimos 15 vencedores do Oscar, o único filme que considero no mesmo nível é Beleza Americana. A nota, claro, não poderia ser outra.
O Grande Hotel Budapeste, empatado com Birdman, lidera em número de indicações aos prêmios da Academia disputando 9 estatuetas. Nas principais concorre a melhor filme, diretor e roteiro original, com boas chances de levar o prêmio em todas estas.
Seu diretor é Wes Anderson, um dos poucos artistas do cinema atual com assinatura inconfundível. Seu estilo é tão marcante, com diversas marcas registradas, que qualquer um que já tenha visto seus filmes não gasta mais do que alguns segundos vendo uma cena de qualquer destes para perceber quem é o pai da criança, com cores fortes, luz fraca, cenários que parecem feitos para uma peça infantil, figurino exagerado, closes em pequenos objetos, e uma obsessão com a simetria. Para ilustrar o que estou falando, cliquem neste link. No YouTube há algumas paródias envolvendo seu estilo, como a abertura de Forrest Gump (clique aqui), e até mesmo como seria um pornô dirigido por Anderson (clique aqui).
Além da estética peculiar, Anderson também tem uma forma muito própria de contar suas histórias, nas quais ele sempre é, além de diretor, roteirista. Suas personagens sempre são estereotipadas, sempre há um narrador da estória, que conta de forma simples, beirando o infantil, e há muita ironia em quase todas as cenas, na qual até a movimentação da câmera contribui no humor.
Apresentado este peculiar diretor, passamos ao enredo. O Grande Hotel Budapeste é um decadente estabelecimento que era considerado auge do luxo nos anos 1930, na fictícia república de Zubrowka ("na fronteira mais oriental da Europa"). Em 1968, um escritor que vive no local (Jude Law) um dia conhece seu dono, Mr. Moustafa (F. Murray Abraham), que passa a contar como herdou o local.
A trama então retorna aos gloriosos anos 1930, na qual Mr. Moustafa ainda é o garoto do lobby, chamado somente por seu primeiro nome, Zero (Tony Revolori), seguindo militarmente as ordens do concierge do hotel, M. Gustav (Ralph Fiennes), protagonista do filme. Este é um sujeito ultrametódico, disciplinado e com ares refinados, que tem uma estranha queda passional por septuagenárias. Em razão desta preferência amorosa, Gustav herda de uma de suas amantes idosas (Tilda Swinton, irreconhecível com a maquiagem) um quadro de "valor inestimável", "O Menino e a Maçã", e passa a ser alvo da fúria da família da morta, sendo esse o ponto central do desenvolvimento do enredo.
Como já dito, os personagens são extremamente estereotipados. Sempre faço críticas aos estereótipos, mas não aqui, pois Anderson gosta de contar fábulas, e não histórias reais. Sua estética já faz o possível para que o tempo todo o espectador perceba que o que vê na tela não é real. Daí os estereótipos ficam perfeitos nessas narrativas quase fantásticas.
Assim, os filmes de Anderson não são filmes para atores mostrarem diversas facetas. Mas são provavelmente uma grande diversão para seus intérpretes, haja vista a constelação no elenco deste filme (confira no poster acima para ver), que tem a possibilidade de brincar com os estereótipos e os exageros. Atores de renome aceitam fazer papéis pequenos, em que não aparecem muito mais que um minuto na tela, como Bill Murray e Owen Wilson. Além disso, os que trabalharam com Anderson costumam ser fiéis a ele e são recorrentes em suas produções, caso dos dois citados.
Os filmes de Anderson são quase que uma matinê. Preferi seu filme anterior, Moonrise Kingdom, no qual os protagonistas pré-adolescentes combinam melhor com a estética do diretor. Mas O Grande Hotel Budapeste também é um ótimo filme, digna de todos os prêmios a que concorre.
Um dos favoritos na corrida ao Oscar de melhor filme, Boyhood, recebeu ainda outras 5 indicações: diretor, ator coadjuvante (Ethan Hawke), atriz coadjuvante (Patricia Arquette), roteiro original e edição. Tal como Birdman, se ganhar todos os prêmios, o fará com méritos.
O filme realizou uma proeza única na história do cinema por ser rodado durante 12 anos, retratando o amadurecimento de Mason Jr., sempre representado por Ellar Coltrane. Ele é o protagonista, mas outros três atores também estiveram envoltos no processo de filmagens, os dois mencionados que disputam o prêmio e Lorelei Linklater, filha do diretor.
Sou grande fã do diretor, Richard Linklater. Adoro a trilogia do Antes (Antes do Amanhecer, Antes do Pôr-do-Sol e Antes da Meia Noite) com seus grandes e longos diálogos sobre a vida. Aqui ele usa parte dos recursos já usados nos outros, e, exceto pelo primeiro filme da trilogia, os demais ele rodou durante as filmagens de Boyhood.
O filme inicia-se no longínquo 2002, época em que os celulares ainda serviam somente para fazer ligações. Mason Jr. e sua irmã Samantha reencontram seu pai, um cara um tanto perdido na vida mas muito afetuoso, que havia passado mais de um ano distante deles. Enquanto isso, sua mãe, Olivia, está tentando se qualificar para dar maior conforto a seus filhos, enquanto busca arrumar um companheiro para suprir a função de pai na família.
A partir daí se desenvolve a estória. Uma estória ordinária, que poderia ser vivida por qualquer um. Mason vai pra escola, muda de cidade, sua mãe e seu pai arrumam novos companheiros, e a vida vai seguindo, em meio a muitos conselhos que lhe dão. E muitos questionamentos vão surgindo em cada nova fase. Como ocorre em nossas vidas ordinárias, por mais que nos achemos especiais.
Por mais simples que possa parecer a estória, no final estamos nos sentindo parte da família. Sofremos junto com as personagens. Nos divertimos com suas alegrias. Rimos de certas "lições de vida" que tentam dar em Mason, especialmente seu confuso pai. Sentimos vergonha do comportamento dos adolescentes que buscam se afirmar, especialmente por sabermos que um dia já passamos por aquilo.
O roteiro surpreende por ter se adaptado ao longo do tempo. Não havia como ter criado certos diálogos quando o filme foi idealizado, pois certas coisas que hoje redefiniram os relacionamentos humanos, como os smartphones e redes sociais, não existiam em 2002. Seria impossível ter escrito esta estória completa antes de iniciar as filmagens, assim como também seria escrever o roteiro em 2014 com tudo já filmado. Provavelmente havia um rumo a ser seguido, mas muita coisa foi sendo inserida e levando a estória por outras direções. O que engrandece ainda mais o filme. E se destaca a intenção de se priorizar eventos corriqueiros na narrativa, ao invés de dramatizar pontos de clímax, como o primeiro beijo, primeiro porre e etc.
Os dois "pais", Arquette e Hawke, fazem um belo trabalho. Nunca achei Hawke um ator espetacular, mas admiro sua capacidade de conseguir se mostrar como o cara comum, gente como a gente, fazendo nos sentirmos em sua pele. Arquette faz trabalho similar, sendo a mãe que, em meio a seus erros e acertos, vai conduzindo a vida da família. O protagonista Ellar Coltrane consegue com seu jeito de "cara na dele" nos trazer para seu universo, e relembrarmos o que passamos em nossa infância e adolescência.
O fato das filmagens durarem 12 anos não é algo somente para os críticos ficarem elogiando a qualidade técnica e ressaltando o mérito de superar tal dificuldade. Os 12 anos passam por nossos olhos em 2 horas e 40 minutos. Vemos as 4 personagens centrais envelhecendo sob nossas vistas e o que o tempo causa em nossas feições (Patricia Arquette, favorita ao Oscar, parece ter sentido mais que os outros). O peso do tempo está lá, exposto, mostrando que nossa caminhada por esse planeta é curta.
Já no final do filme, há uma emocionante reflexão de Olivia, quando seu filho está deixando a casa para ir a faculdade. Ela diz que aquele evento fez ela ver que sua vida iria acabar em breve, pois temos certos marcos, como a formatura, o casamento, ter filhos, conseguir o trabalho que queremos, ver os filhos nos deixando. E o próximo marco seria seu funeral. Um tanto quanto antecipada, mas ainda assim, uma dolorida e real conclusão.
Um filme que nos mostra, como nenhum outro, que a arte imita a vida.
Sniper Americano está na lista dos filmes com mais indicações aos prêmios da Academia, concorrendo a 6 estatuetas. Nas mais nobres concorre a filme, diretor, roteiro adaptado e ator (Bradley Cooper, em sua 3ª indicação consecutiva). Dificilmente leva algum desses prêmios, e também não merece.
A trama é baseada na história real de Chris Kyle, o sniper (atirador de elite) que mais matou inimigos na história das forças armadas dos EUA, com um total de 160 abatidos. Não à toa, era conhecido como "Lenda", mesmo antes de chegar ao número 30.
A cronologia é linear, mostrando momentos de sua infância, incluindo sua decisão de se tornar militar aos 30 anos após ver os ataques terroristas às embaixadas americanas em 1998. Há um pouco de história sobre treinamento militar da tropa de Elite da Marinha, os SEALs. Um tanto quanto clichê, tendo em vista que diversos filmes já mostraram a dureza do treinamento militar, como Nascido para Matar, Tropa de Elite e Até o Limite da Honra (péssimo título nacional para G.I. Jane), famoso filme em que a Demi Moore interpreta a primeira mulher a tentar entrar para a mesma tropa de elite.
Posteriormente, há os questionamentos morais de Kyle, como ter de matar mulheres e crianças insurgentes no Iraque. E depois surge um conflito de gato e rato entre Kyle e o melhor atirador de elite dos insurgentes iraquianos, um antigo campeão olímpico de tiro conhecido como Mustafá. Aliás, esse personagem é mostrado de forma muito estereotipada. Enquanto Kyle é retratado em todos os seus conflitos e questionamentos, Mustafá parece um robô frio e calculista programado para matar. Mostrar rapidamente uma cena em que ele deixa sua esposa e seu filho para ir para o combate não ameniza muito a situação. E na parte final mostra a readaptação de Kyle à vida civil, tema recorrente em filmes como Nascido em 4 de Julho e até mesmo Rambo (somente o primeiro).
Enfim, parece que não se soube qual ponto destacar da história e ficou essa trama com muitos pontos abordados e com pouca profundidade. Curiosamente, um filme sobre um atirador de elite, que necessita de muito foco em seu trabalho, não tem um foco claro, parecendo uma metralhadora que atira para todo lado.
Clint Eastwood é um grande diretor, mas esse é um de seus filmes menores, que não chega aos pés de obras primas como Gran Torino e Os Imperdoáveis.
Bradley Cooper está bem no papel, mas não realiza nenhum trabalho excepcional. Ele foi muito melhor em O Lado Bom da Vida. Outros atores mereciam mais a indicação, como Miles Teller, protagonista de Whiplash. Cooper deve ter um ótimo lobista para conseguir essa sequência incrível de indicações ao prêmio, como se ele fosse um Al Pacino ou Daniel Day Lewis, o que, definitivamente, ele não é.
De qualquer forma, não é um filme ruim. Repete muitos lugares comum, mas é bem conduzido. Nisso se parece com O Jogo da Imitação. Mas ao contrário deste, Sniper Americano tem um ritmo um pouco mais dinâmico, portanto, merece nota melhor.
Idiocracia
3.1 588Dããããã
[Publicado em outubro de 2013 no meu blog: http://pitacoscinematograficos.blogspot.com.br/2013/10/idiocracia.html]
Após várias gerações nas quais as pessoas mais inteligentes demoravam para se reproduzir, gerando, quando muito, um só descendente, e os "menos favorecidos intelectualmente" iam povoando o mundo, a Terra se vê coberta por uma humanidade completamente idiota em 2505. Esse é o futurismo proposto em Idiocracia.
Joe Bauers, ou Not Sure (Luke Wilson) é o protagonista da estória. Colocado em hibernação em 2005, é esquecido dentro de seu sarcófago após o projeto ser cancelado pelo exército dos EUA. Ele havia sido escolhido devido à sua incrível mediocridade, pois era um "homem médio" em todos os quesitos.
Quando acorda, em 2505, encontra um planeta imundo, povoado por quase débeis mentais, que vivem de repetir bordões de comerciais da TV, gírias e palavrões, quando conseguem exprimir mais do que 3 palavras. Num ambiente como esse, é fácil ser o sujeito mais inteligente, o que acontece com Joe. Aliás, por conseguir articular minimamente suas frases, sem falar gírias nem grunhir, todos o veem como efeminado.
Bem, a partir daí a estória segue um ritmo de ação no qual Joe é preso, considerado a pessoa mais inteligente do mundo após testes estúpidos de QI, nomeado ministro, condenado à execução pública dentre outras desventuras.
O diretor do filme é Mike Judge, mais conhecido por ser o criador da dupla de idiotas Beavis e Butt-Head. Não acompanhei muito o seriado, mas a impressão que se tem é que ele quis imaginar um mundo povoado por idiotas como seus famosos personagens, que ficam rindo, grunhindo e só pensam em sexo.
O filme é cheio de boas tiradas. Um julgamento em que o juiz é um showman e no qual o advogado de defesa passa a acusar seu cliente, em meio a argumentações vazias, um presidente que é ex campeão de luta livre (lembram de algum ex governador da Califórnia?), uma arena mistura de coliseu com estádio de futebol com a torcida vibrando pra ver destruição e um cinema com as pessoas rindo de uma bunda que fica em cena ao longo de toda a projeção (que me lembram os frequentadores do Cinemark que gargalham a cada ironia sutil de filmes dramáticos) são alguns dos bons momentos.
O pior de tudo no filme é perceber que na brincadeira, há um belo fundo de verdade. Tenho a sensação de que o mundo está emburrecendo, por mais contraditório que pareça em um ambiente no qual transborda informação. Mas, tal contradição é aparente, pois a informação cada vez tem menos qualidade. Basta ver na página do UOL quais são as notícias mais lidas. Quase sempre são sobre fofocas de celebridades. Com tanta informação disponível as pessoas ficam com preguiça de pensar. Um mundo de alienados, como no livro clássico Admirável Mundo Novo, de Aldous Huxley.
Duvido que quem assistir não vai pensar que talvez este seja nosso destino.
Gravidade
3.9 5,1K Assista AgoraPerdidos no Espaço
[Publicado em outubro de 2013 no meu blog: http://pitacoscinematograficos.blogspot.com.br/2013/10/gravidade.html]
Filme sensação do momento, após ter sido ovacionado no Festival de Cannes e elogiadíssimo pela crítica, Gravidade, tem uma trama relativamente simples: uma dupla de astronautas vividos por George Clooney e Sandra Bullock têm de se salvar após uma colisão de detritos espaciais com o ônibus espacial no qual estão. Pouco depois, descobrimos que a personagem de Sandra Bullock tem dúvidas sobre se quer lutar por sua vida, pois ainda vive o luto pela morte de sua única filha de 4 anos de idade.
Dito assim, o filme pode parecer sem graça. Talvez quem goste somente de filmes-cabeça, com tramas complexas ou filosóficas, veja Gravidade somente como um filme de ação. Mas nem só dessas tramas "mais complexas" vive o cinema. Assim, o filme se encaixa na linha dos primeiros tempos de Spielberg, como Encurralado (Duel), no qual um sujeito normal sai de casa e de repente se vê perseguido por um caminhão, ou o ultrapopular Tubarão. Nessa linha de tramas simples mais recentes destaco ainda o excepcional Drive. Assim, não há qualquer demérito na simplicidade do roteiro. Especialmente por manter a crueza dos desafios reais no ambiente hostil, sem se render a câmeras lentas, músicas dramáticas ou outros recursos emotivos.
O ponto alto de Gravidade com certeza é seu espetáculo visual. Nenhum filme anterior que teve o espaço como cenário nos fez sentir tanto neste ambiente. Este definitivamente é um filme para se ver em 3D e se sentir imerso na imensidão celestial. Aposto que o Oscar de efeitos especiais já tem dono. E só pelo esforço físico Sandra Bullock já merece disputar o de melhor atriz.
Depois de ver o filme, acho que as pessoas terão de rever aquele velho sonho de ser astronauta.
Nota: 8
A Caça
4.2 2,0K Assista AgoraCriança não mente
http://pitacoscinematograficos.blogspot.com.br/2014/02/a-caca.html1
Indicado ao Oscar de melhor filme estrangeiro, A Caça retrata a estória de um professor do jardim de infância, que, repentinamente, é acusado por uma de suas alunas de ter cometido abuso sexual.
Desde o princípio, sabemos que o protagonista Lucas (o excelente Mads Mikkelsen, que interpretou o vilão LeChifre em Casino Royale) é inocente, que a menina que o acusa, Klara, simplesmente ficou bravinha por ter tomado uma bronca dele por tê-lo beijado na boca. Como tinha visto um filme pornô mostrado pelo amigo de seu irmão adolescente, fingiu ter usado a imagem que vira, de um pênis ereto, como se tivesse sido Lucas que mostrara para ela.
Curioso é que ninguém contesta o testemunho de uma criança, mesmo com todos sabendo que Klara, tem uma imaginação muito fértil. E a partir daí, a suspeita se torna certeza.
Vivesse Lucas em uma metrópole e suas complicações teriam sido mais simples, pois em cidades assim a impessoalidade permite que nos escondamos na multidão. Mas Lucas vive em uma cidadezinha bem pequena, onde todos se conhecem. Uma acusação dessas leva o fim de sua vida social, sendo hostilizado até mesmo para fazer comprar no supermercado. Passamos o filme inteiro comovidos com o drama pessoal de Lucas, com um sentimento de incômodo e de injustiça.
As consequências: um inocente é seriamente punido em meio a isso ou, trazendo a discussão para nosso cotidiano, um rapaz suspeito de assalto é espancado, desnudado e amarrado a um poste.
A Caça vem em boa hora nesses tempos de polarização de posições políticas, em que as pessoas nem precisam saber direito o que aconteceu para decidir seu lado. Ou seja, se uma menina disse que seu professor lhe molestou, é verdade inquestionável!
Qualquer um que acredite minimamente em Justiça deve saber que Justiça, tal qual a figura estampada em tribunais, é uma senhora cega, que somente usará a espada após ter feito a pesagem dos fatos. Só que em nossos tempos, poucos querem se dar o tempo de pesar os fatos, quase todos já querem sair sacando a espada e ir resolvendo as coisas.
A pedofilia é um tema que está na pauta em todo o mundo, especialmente em meio aos casos vergonhosamente encobertos pelo Vaticano. Mas é claro, qualquer caso deve ser cuidadosamente analisado. Não é porque vários padres foram acusados de pedofilia que todos esses são culpados. E pior ainda, achar que todo e qualquer padre é um pedófilo. Generalizações são sempre perigosas, e quase sempre injustas.
Esses tempos de paranoia com relação a segurança são terríveis. Dá até medo de brincar com crianças, pois seus pais podem interpretar qualquer atitude, especialmente um toque, algo praticamente essencial ao brincar, como abuso. E com isso vamos criando um mundo mais frio e assustado.
E acreditar, como as personagens do filme, que criança não mente, é uma enorme bobagem. Pesquisas científicas e a experiência prática demonstram que desde bebês aprendemos a mentir em benefício próprio.
Triste constatar que vivemos em um mundo tão injusto, em que uma acusação absolutamente infundada pode prejudicar uma vida para sempre.
Blue Jasmine
3.7 1,7K Assista AgoraMeu mundo caiu
http://pitacoscinematograficos.blogspot.com.br/2014/01/blue-jasmine.html
Woody Allen lança um filme por ano há mais de quarenta anos. Em 2013 não foi diferente, e este é seu produto, filme que disputa o Oscar de roteiro original, atriz principal e atriz coadjuvante.
Blue Jasmine, ótimo título, brincando com a ambiguidade entre a flor jasmim azul e a protagonista do filme, a triste Jasmine (Cate Blanchett), traz a história de uma mulher que era milionária e frequentadora da high society de Nova York que perde tudo e vai morar com a irmã pobre, Ginger (Sally Hawkings), em São Francisco.
Jasmine perdeu tudo, o dinheiro, os imóveis, o prestígio social, o marido que se matou após ser preso por golpes financeiros milionários, e o enteado que fugiu de tudo isso, mas não perdeu a pose. Já na abertura do filme está voando em primeira classe, usando roupas de grife e dando alta gorjeta para o taxista carregar suas bolsas Louis Vuitton. E confrontada pela irmã a aceitar um padrão de vida bem inferior ela é resistente, tentando retomar o caminho de pessoa bem sucedida que tinha traçado antes de se casar, de estudar e conseguir destaque profissional, algo que não fez por ter aceitado o papel de bem sucedida esposa dondoca.
O filme passa a ser então uma narrativa construída no contraste entre o presente difícil e o passado glorioso de Jasmine, por meio de diversas cenas de flashback. Jasmine encontra muita dificuldade em descer do salto alto, ter de aceitar que deve trabalhar em um emprego de baixas qualificação e remuneração, pois não teve estudo ou experiência para coisa melhor.
É interessante notar que Jasmine, que perdeu tudo em razão do patrimônio de seu marido ter sido construído em cima de trapaças, repete o padrão ao tentar falsear seu passado. Exemplo disso é que ela decidiu mudar seu nome, que era Jeanette, ainda na adolescência. E irá criar todo um passado suavizado sobre sua vida de rica, omitindo toda a sujeira da fortuna do marido ao conhecer um pretendente "adequado", ao contrário dos homens rudes e grosseiros que sua irmã tenta lhe apresentar e que ela considera perdedores, como o ex e como o futuro marido de Ginger.
Cate Blanchett está excelente no papel de Jasmine, personagem que, além de toda a carga pelo trauma que carrega, é descontrolada e começa a reclamar da vida até mesmo andando sozinha na cidade. Das concorrentes ao Oscar só vi a atuação de Sandra Bullock, e diria que é difícil escolher entre as duas, pois esta tem de carregar Gravidade praticamente sozinha.
Blue Jasmine é um filme que trata sobre a dificuldade das pessoas em virem seu mundo cair, e como construímos nossas certezas em cima de coisas precárias, ou, como colocado no filme, a tentativa de não querer ver as coisas como são, olhar para o outro lado, como faz Jasmine em relação a suspeita fortuna de seu marido.
Como mencionei Gravidade, interessante até fazer um paralelo com este, no qual a protagonista também viu seu mundo cair com a morte da filha, e teve de acreditar que não se deveria deixar abater por esse fato e seguir em frente. Esse é o dilema, ou deixar o passado para trás e encarar a vida, ou cair e não se levantar mais.
Nota: 8
Azul é a Cor Mais Quente
3.7 4,3K Assista AgoraE eu gosto de meninos e meninas
http://pitacoscinematograficos.blogspot.com.br/2014/02/azul-e-cor-mais-quente.html
Vencedor da Palma de Ouro do Festival de Cannes 2013, Azul é a Cor Mais Quente causou muita polêmica por, alem de envolver um amor lésbico, ter cenas de sexo muito pesadas, bem mais fortes que o "polêmico" beijo gay da novela das nove. Obviamente, como sempre, quem é homofóbico e está feliz sendo assim, melhor passar longe, pois vai dizer que é só uma sem-vergonhice, apologia à homossexualidade, "o que vão ser de nossas crianças" e outros argumentos da dupla Feliciano/Bolsonaro. Agora, quem acha que tudo isso é besteira, que o desejo é inato e que não será um filme que vai fazer alguém preferir A ou B, pode gostar do que verá.
O filme, em suas 3 horas, vai num ritmo lento, mas não o achei arrastado ou enrolado. Não se vê, contudo, pressa em contar a estória. Muitas cenas são do cotidiano banal de Adele, com a câmera muitas vezes focada em seu rosto, mostrando a sutileza de seu estado de humor enquanto tenta se descobrir no mundo.
A trama acompanha Adele (a naturalmente bela Adele Exarchopoulos) bem de perto, como muitos closes em situações bem íntimas dela, como babando ao dormir, numa busca do diretor em torná-la uma pessoa qualquer, sem nada de especial. A primeira parte do filme mostra Adele na escola descobrindo a vida sexual, com um ficante que não combina nada com ela, mas a trata bem. Após sua primeira relação sexual ela diz que "foi demais", enquanto sua expressão facial mostra um tédio total. Tanto que não demora para encerrar este caso.
Aí surge em sua vida Emma (Léa Seydoux, a assassina de Missão Impossível 4 e a moça do antiquário em Meia Noite em Paris), a garota do cabelo azul, com a qual ela se encanta no primeiro olhar. Ao contrário da tímida e simples colegial Adele, Emma é uma pintora e estudante de artes, intelectualizada, engajada politicamente e já experiente sexualmente. Mas percebe que para conquistar Adele terá de ir aos poucos, pois existe a barreira da homossexualidade, e Adele vive em um ambiente bem conservador, tanto quanto a sua família quanto a seus amigos, bem diferente de Emma, habituada ao mundo de intelectuais e artistas.
A segunda parte do filme já mostra a fase adulta de Adele, após passar a viver junto com Emma e a dificuldade do relacionamento, como qualquer outro, acrescido da dificuldade em ter convívio social normal tentando esconder sua homossexualidade.
O filme não pretende ser uma bandeira para o movimento gay. Adele não está interessada em defender nenhuma causa, como mostra seu desinteresse em uma parada gay e seu esforço para se divertir neste ambiente. Adel somente quer amar.
Não que o filme não trate do preconceito. Uma das melhores cenas é com as "amigas" de escola de Adele, que, ao verem ela caminhando junto a Emma na saída da aula, fazem um interrogatório no dia seguinte, e uma das integrantes da patota questiona se ela não tinha outra intenção quando foi dormir em sua casa. Como se a orientação sexual de alguém impedisse de ter amigos do gênero pelo qual tem desejo.
Muitas coisas não são ditas no filme, o que faz com que seja necessário que se leia as expressões faciais das atrizes, e que se compare situações distintas em diferentes momentos, como a comparação da intensidade de Adele em sua relação sexual com seu ficante da escola e com Emma, ou como se dá a aproximação entre esses e a protagonista.
Azul é a Cor Mais Quente é uma demonstração daquilo que já diziam os Titãs, "todo mundo quer amor".
O Lobo de Wall Street
4.1 3,4K Assista AgoraMalandro é malandro, mané é mané
[Publicado antes do Oscar 2014 em http://pitacoscinematograficos.blogspot.com.br/2014/02/o-lobo-de-wall-street.html]
Imagine o que um bando de vagabundos iria fazer se ganhasse muito dinheiro. É isso que você imaginou que é retratado em O Lobo de Wall Street, uma sucessão imensa de exageros, com diversões adolescentes, drogas, sexo e palavrões.
Baseado na história real de Jordan Belfort (Leonardo DiCaprio), um corretor da bolsa que percebe que pode ganhar muito dinheiro vendendo ações de companhias minúsculas para gente da classe trabalhadora que acredita na ilusão de que irá ganhar milhões. E com isso ele consegue taxas de corretagem de 50%, enquanto que corretores de ações convencionais ganham muito pouco, cerca de 1%. Para isso ele monta um time com experiência em vendas, só que todos envolvidos com drogas, crimes e picaretagem. Em suma, pequenos mafiosos que vão encontrar um novo nicho no mercado acionário.
Fazia tempos que eu não ria tanto em um filme. Os exageros são hilários, e bem politicamente incorretos, como o arremesso de anões em alvos e o machismo que se faz presente em todo o filme. E coisas absurdas, como os corretores pensando na contratação de anões, e discutindo seriamente que não se pode olhar nos olhos dos baixinhos. Mas nenhuma cena se compara a passagem em que Popeye está passando na TV. Não vou contar pra não estragar a diversão de quem ainda quer ver.
DiCaprio tem em suas mãos um personagem megalomaníaco, que vive tudo com a máxima intensidade. E não decepciona, tem que fazer de tudo um pouco, alguns ataques histéricos, crises de overdose, momentos de convencer trouxas, arroubos de violência e até alguns momentos de seriedade. Não só por esse filme, mas pelo conjunto da obra, acho que ele já merece um Oscar, pois desde Titanic ele sempre está bem em seus papéis.
E no fim, fica aquela sensação de que um estelionatário engana aos outros porque sempre tem algum bobo de boca aberta pronto pra acreditar em qualquer coisa.
Capitão Phillips
4.0 1,6K Assista AgoraPiratas sem glamour
http://pitacoscinematograficos.blogspot.com.br/2014/02/capitao-phillips.html
Baseado na história real de um sequestro do cargueiro Maersk Alabama na costa da Somália em 2009, Capitão Phillips reconstrói os momentos de tensão vividos pela tripulação americana e por seu protagonista, interpretado pelo sempre competente Tom Hanks.
A Somália, terra dos piratas retratados, mal é um país, pois somente 10% de seu território é controlado pelo governo. O restante é controlado por chefes locais. Além disso tudo, o país fica em uma rota estratégica para grande parte da navegação internacional, o chifre da África, sendo portanto, quase que uma consequência lógica que a região seja cenário de ataques de piratas, que em nada lembram um Jack Sparrow.
O filme, como dito, é uma reconstituição da tensão da abordagem pelo grupo de piratas ao cargueiro, aproximando-se bastante de um filme de ação, nesse sentido, com criminosos sempre ameaçando a vida da tripulação.
Mas seu maior mérito, reside, em não colocar os piratas como africanos pobres, sujos e malvados inimigos da América. Sim, eles não deixam de ser africanos pobres e sujos, mas não necessariamente são animais sem coração. Todo o duro contexto em que eles vivem praticamente os impulsiona em direção ao cometimento de crimes. O melhor diálogo do filme se dá entre o Capitão e o chefe dos piratas (ótima atuação do novato somaliano Barkhad Abdi), no qual Phillips argumenta que ele poderia fazer algo além de ser um pescador ou um sequestrador, ao que ele responde "Talvez na América, irlandês, talvez na América", demonstrando a falta de opções causada pela miséria.
No final o filme esbarra numa glorificação do bom serviço das forças especias dos militares americanos, que, obviamente, tiveram seus méritos no sucesso do resgate, mas fica aquela mensagem de "Não mexa com a gente".
Trapaça
3.4 2,2K Assista AgoraTe Peguei
[Publicado antes do Oscar 2014 em http://pitacoscinematograficos.blogspot.com.br/2014/02/trapaca.html]
Um dos campeões de indicação ao Oscar 2014, Trapaça tem a direção de David O. Russell, que em seus últimos dois trabalhos, O Vencedor e O Lado Bom da Vida, foi indicado por ambos aos prêmios de melhor diretor e de melhor filme.
Para ampliar essa vitrine de indicações, ele trouxe a esta nova produção 4 atores que estiveram envolvidos nessas duas produções anteriores: os já "oscarizados" Christian Bale (o Batman, no look "esconde a careca") e Jennifer Lawrence (de Jogos Vorazes) além de Bradley Cooper (da série Se Beber não Case) e Amy Adams (a Lois Lane de O Homem de Aço). Com esse elenco estelar conseguiram a façanha de ter 4 atores indicados a todas as categorias, algo que já havia sido feito por Russel no ano passado, com O Lado Bom, o que não ocorria há mais de 30 anos (para ver a lista dos filmes que já conseguiram isso, clique aqui).
Mas deixando de lado essa análise curricular, vamos ao filme. Trapaça envolve um pequeno e bem sucedido golpista, Irving Rosenfeld, vivido por Bale. Apesar de seu excelente know-how, Rosenfeld é precavido e não se aventura a grandes golpes e vive enganando gente simples endividada em um cenário de crise econômica do final dos anos 70 nos EUA, prometendo empréstimos que nunca saem. Para melhorar sua "credibilidade", a ele se junta sua amante, Sidney, ou "Lady Edith" (Amy Adams), que se finge de aristocrata britânica para tornar a farsa da linha de crédito com ingleses mais factível.
Suas vidas seguiam seu curso normal de pilantragens quando são pegos pelo agente do FBI Richie di Masio (Bradley Cooper) que os convence a conseguir a liberdade se os ajudar a pegar peixes grandes, como políticos corruptos.
Mas o destemor de di Masio só é menor que sua ingenuidade. Do alto de sua cabeleira encaracolada moldado com mini bobs, ele acredita ser fácil pegar mafiosos e grandes corruptos com uma armadilha simples e rápida, ignorando que não dá pra cometer erros com gente assim.
Essa será a trama principal da estória, e para isso irão manipular um bem intencionado e ambicioso prefeito de Nova Jersey (Jeremy Renner), a conseguir convencer outros políticos corruptos a permitir investimentos ilícitos para reativar os casinos de Atlantic City.
Trapaça consegue ser, ao mesmo tempo, triste e divertido. Divertido pelas situações inusitadas em que os personagens se colocam. E triste por demonstrar a carência humana e a necessidade de tentar ser o que não se é. Todos criam ilusões para tentar amenizar a dureza de suas vidas, o que se vê em seus onipresentes trajes chamativos.
Como já passei pelos currículos dos atores, vale analisar seus trabalhos. Bale está excelente como o pequeno golpista bonachão que engana as pessoas passando uma credibilidade de "amigão que vai estar lá quando você precisar". Adams conseguiu a maior coleção de decotes já vista no cinema não "adulto" e está excelente no papel de amante ressentida por não ser a titular. Lawrence é a esposa desocupada e manipuladora de Rosenfeld que sempre diz o que não deve. E Cooper, como já mencionado, é o enérgico e não muito esperto agente do FBI.
Trapaça segue a linha dos filmes de golpes, como Um Golpe de Mestre e Nove Rainhas, em que os espectadores sempre têm de ficar atentos para não serem enganados também. Mas só pela trama, porque a qualidade do filme é uma das poucas coisas genuínas.
Nota: 8
12 Anos de Escravidão
4.3 3,0KLelê Lelê
http://pitacoscinematograficos.blogspot.com.br/2014/02/lele-lele-12-years-slave-dir-steve.html
Vencedor do Oscar de melhor filme, 12 Anos de Escravidão é baseado na história real contada nos diários de Solomon Nothup, um homem livre do Norte dos EUA que é capturado e vendido como escravo para as plantações do sul daquele país.
Ao contrário do Holocausto judeu, a Escravidão moderna foi poucas vezes abordada no cinema. Provavelmente isto se deve ao fato de suas consequências serem marcantes até hoje em qualquer país que tenha um passado escravocrata e, mais ainda, nos Estados Unidos, onde até pouco mais de 50 anos haviam leis de segregação que criminalizavam até mesmo casamentos interraciais. Seria difícil, neste contexto, alguém querer tocar nesta ferida aberta, especialmente se considerarmos que a indústria cinematográfica sempre foi controlada por brancos, muitos deles judeus, o que explica em parte o mencionado interesse pelo Holocausto.
Como já colocado, a história mostra como Solomon (Chiwetel Ejiofor), um violinista do Estado de Nova York, casado e pai de dois filhos, é sequestrado por dois homens que oferecem emprego temporário em um circo e o dopam em um jantar. Quando acorda, ele já se encontra acorrentado em um porão, aguardando para ser enviado para o Sul dos EUA.
Solomon é uma boa personagem na medida em que permite a nós, que nascemos todos livres, nos identificar com sua dor, pois diferente é a situação de escravidão para quem já nasceu escravo e tende a ser conformado com sua condição. Solomon não, ele sabe o valor de não ter de prestar contas a ninguém, e o quanto lhe incomoda ter de ser submisso e não poder tomar praticamente qualquer decisão.
Ao longo do filme, o diretor Steve McQueen (que pode ser o primeiro negro a vencer o Oscar como diretor) nos apresenta vários aspectos da escravidão, como a submissão, a indiferença, a justificação religiosa, a desumanização, dentre outros.
Uma boa cena que mostra como a crueldade pode ser inocente é o da "boa" sinhá, que ao receber uma escrava recém chegada chorando muito por ter se separado dos dois filhos, diz que basta a ela se concentrar em seus afazeres que logo se esquecerá deles. Em um sistema que a todos desumaniza, escravos e patrões, é de se crer que a sinhá não notasse a maldade de sua frase, e realmente achasse que estava sendo gentil com sua serva.
Diversas serão as cenas de violência física ao longo do filme. Pela repercussão, achei que fossem até mais explícitas, mas o diretor, em algumas delas, nos poupa de muitos detalhes, focando diversas vezes na expressão facial dos castigados, e outras vezes deixando a violência em um segundo plano desfocado, demonstrando a banalidade do castigo, que não causava espanto a ninguém.
Também não é deixado de lado a indiferença dos negros livres frente aos escravos, exemplificado no papel de uma ex-escrava que se casa com seu mestre e passa a se comportar como qualquer outra sinhá, exibindo indiferença frente aos cativos, pois considera este um preço baixo a se pagar para viver bem.
Chiwetel Ejiofor mostrou uma grande atuação, digna do prêmio. Ao longo do filme notamos a transformação em sua postura física, pois quando livre, andava com altivez e tranquilidade. Logo que é capturado se mostra indignado e furioso. No começo de suas funções com escravo busca mostrar suas aptidões e sua instrução, rivalizando com os rudes agregados de seu mestre (postura pela qual irá se arrepender amargamente). E já no final já apresenta uma postura resignada, andando com os ombros contraídos e falando de forma submissa com os brancos.
Além do protagonista ainda temos excelentes atuações dos outros indicados aos Oscars de coadjuvantes, o ótimo Michael Fassbender (o Magneto de X-Men: Primeira Classe), como o segundo senhor de Solomon, e a vencedora do prêmio, Lupita Nyong´o, no papel da escrava eficiente e alvo da luxúria de seu patrão. Ainda formam o elenco outros atores de renome, como Paul Dano, Paul Giamatti, Benedict Cumberbatch e Brad Pitt, sendo o heroi da história, como de costume (e, sendo ele um dos produtores do filme, não deve ter sido difícil escolher este papel).
12 Anos é um filme extremamente pesado e que leva o público às lágrimas. E como histórias de superação frente as adversidades sempre são apreciadas pela Academia de Cinema, levou o prêmio máximo de 2014.
Philomena
4.0 920 Assista AgoraUma velhinha do barulho
http://pitacoscinematograficos.blogspot.com.br/2014/02/philomena.html
Philomena é um destes filmes que receberam uma indicação ao Oscar em razão de terem ampliado a lista para mais de 5 filmes nos últimos anos. Há pouco tempo com certeza teria ficado de fora, razão pela qual quase ninguém acredita que possa faturar a estatueta.
O filme não chega a ser ruim. Mas também não chega a ser bom. É razoável. Seu mérito está no próprio enredo, baseado em fatos reais, e na atuação de Judi Dench (a M dos filmes do 007) como a personagem título, uma velhinha que fala pelos cotovelos de vários assuntos desinteressantes que assiste na TV ou lê em romances de 2ª categoria.
Além dessas futilidades, Philomena manteve em segredo por 50 anos o fato de que, quando jovem, teve um filho que lhe foi tomado pelas freiras do convento em que foi morar por ter sido desonrada, ou seja, por ser mãe solteira na Irlanda dos anos 1950. Um jornalista político em baixa (Steeve Coogan) aceita ajudá-la a buscar seu filho em troca da exclusividade na publicação da reportagem deste drama familiar, o que revela-se bem mais do que isso no decorrer do longa.
A trajetória é bem quadrada, faltando clímax. No fim, fica a revolta pelo grau de crueldade que uma instituição religiosa pode ter com uma pessoa que apresente comportamento "inadequado".
Clube de Compras Dallas
4.3 2,8K Assista AgoraPagando bem, que mal tem
[Texto publicado antes do Oscar 2014, em http://pitacoscinematograficos.blogspot.com.br/2014/02/clube-de-compras-dallas.html}
Candidato aos Oscars de melhor filme, melhor ator (Matthew McConaughey) e melhor ator coadjuvante (Jared Leto), Clube de Compras Dallas retorna à década de 80 e aos primórdios da descoberta da Aids. Ron Woodroof (McConaughey), eletricista por profissão e picareta por diversão, descobre ser HIV positivo e que, segundo o médico que o atende, tem somente 30 dias de vida. Como à época, a Aids ainda estava confinada a grupos de risco, como usuários de drogas injetáveis e homossexuais, o rude e homofóbico Ron reage furiosamente à notícia, como se seu diagnóstico fosse uma afirmação de que ele é gay.
Ao longo do filme, veremos que o prognóstico de 30 dias de vida estava completamente equivocado. Aliás, médicos "videntes" são um fenômeno um tanto quanto recorrente na sociedade. De qualquer forma, Ron, após se informar melhor sobre a doença e aceitar que contraiu o vírus após suas inúmeras relações sexuais desprotegidas com prostitutas e outras mulheres promíscuas, passa a buscar tratamento. À época o AZT ainda era uma droga em fase experimental, de modo que não era possível comprá-la, e seu único caminho legal seria aceitar se submeter aos testes, podendo receber a droga placebo. Como não aceita isso, Ron passa da dar seus pulos.
Trambiqueiro de longa data, o protagonista percebe que pode ganhar dinheiro vendendo o tratamento a diversos infectados, tornando-se sócio da travesti Rayon (Leto), que tem contatos na comunidade infectada. Daí o nome do filme, pois eles obtem enorme sucesso vendendo a associação ao clube de compras que oferece os medicamentos necessários para o tratamento por meio do pagamento de mensalidade. Aliás, os remédios que fornecem são outros que não o AZT, o que provoca a ira da indústria farmacêutica, ansiosa por emplacar a droga mais cara da história como a única viável ao tratamento, apesar de, ao menos em sua fase inicial, ser altamente tóxica.
Os dois atores principais, os galãs Leto e McConaughey (o nomezinho difícil de se soletrar) passaram por incrível transformação física. De homens sarados tornaram-se raquíticos para os papéis. Como essas transformações chamam a atenção da Academia, como nos mostram muitos exemplos, o maior de todos sendo o de Charlize Theron que inacreditavelmente ficou feia para Monster: Desejo Assassino (clique aqui para ver), vieram as indicações aos prêmios. Felizmente as indicações não se devem somente à mudança física, pois ambos estão bem no filme, especialmente o protagonista, que só vinha fazendo papéis bobos em comédias românticas.
Clube trata de um tema ao mesmo tempo pesado e interessante. Como mostra a luta de uma pessoa contra o sistema, tem sido comparado a Erin Brockovich. Mas a direção e roteiro são um tanto quanto quadrados, faltando algo que qualifique Clube como um grande filme.
A mensagem que o filme deixa é que mesmo um caipira machista como Ron pode perceber que o preconceito contra o diferente somente existe pela ignorância, fazendo com que possamos acreditar que o entendimento e o carinho entre as pessoas é algo viável.
Nebraska
4.1 1,0K Assista AgoraO pote de ouro no final do arco-íris
http://pitacoscinematograficos.blogspot.com.br/2014/02/nebraska.html
Nebraska trata da estória que pode até soar bobinha, a de um velho que recebe uma carta de uma editora de revistas dizendo que ganhou 1 milhão de dólares. Desde o princípio, é nítido que isso é só uma brincadeira de peça publicitária. No entanto, Woody (Bruce Dern), acredita que tal dinheiro está à sua espera no escritório da empresa no Estado de Nebraska, fazendo com que ele tenha como missão sair de sua casa em Montana e ir resgatar seu prêmio a centenas de quilômetros, nem que precise ir a pé.
Como dito, a estória parece bobinha porque é muito claro, no caso, que o prêmio não existe. Mas, pergunto, quantos de nós não gastamos muito tempo indo atrás de seu pote de ouro no final do arco-íris? Sonhamos que se conseguirmos determinado emprego, se ganharmos certa quantia de dinheiro ou se nos relacionarmos com as pessoas que desejamos nossas vidas mudarão para sempre, e todos os nosso problemas irão se acabar.
Woody é mais um dos que acreditam nisso. Desde o começo ele revela que quer ganhar um milhão para comprar uma caminhonete, que sempre sonhou ter, e um compressor de ar, que diz ter sido roubado por seu ex-sócio. Ou seja, já em seus últimos dias, o protagonista quer compensar suas frustrações do passado, algo que ocorre com a maioria de nós. Lembrei-me de Cidadão Kane, no qual o protagonista após ter conquistado quase tudo na vida, morre com saudades de seu brinquedo de infância.
Nesta jornada, um de seus filhos, David (Will Forte) decide acompanhá-lo para tentar fazer com que ele desista de sua obstinação com o prêmio. No caminho, que passa pelos estados menos importantes e mais rurais dos EUA, que incluem Montana, Wyoming, Dakota do Sul e Nebraka, Woody irá passar pela sua cidade natal, onde terá algumas contas a ajustar com seu passado.
O diretor Alexander Paine tem um excelente currículo que inclui As Confissões de Schimidt (em que conseguiu uma das melhores atuações da carreira de Jack Nicholson) e, Sideways: Entre umas e Outras, filme que eu adoro, sendo indicado ao Oscar de diretor por este e também pelo mais recente Os Descendentes, indicação que vem novamente com Nebraska.
Bruce Dern e June Squibb (como Kate, a esposa de Woody) também estão indicados aos prêmios por suas atuações. Ambos conduzem bem seus papéis, ele como o velho quase gagá, alcoólatra, rude e que pouco fala (ou pouco quer falar) e ela como a velha desbocada e moralista que fala mal de todo mundo, incluindo seu marido e seus filhos. Dois personagens comuns na classe média baixa dos EUA.
A fotografia deste filme em preto e branco é belíssima, com o diretor explorando bem os contrastes, criando muitos cenas com claridade e escuridão. Aliás, não me recordo de ver um filme recente que utilizasse a técnica do preto e branco para contar uma estória atual, pois filmes como O Artista, A Lista de Schindler e O Homem que Não Estava Lá contam estórias do passado. Não acho que a escolha pelo monocromático se deva somente para o diretor se gabar de fazer bons filmes de qualquer forma, pois a falta de cores combina com a falta de emoção na vida simplória de Woody na das pessoas ao seu redor. Também serve para nos lembrar que, com o tempo, tudo vai ficando mais opaco.
Nebraska é um belo filme, bem lento e sem grandes emoções, que nos faz refletir sobre nossas buscas inglórias e nossa necessidade de procurar sentido em tudo.
RoboCop
3.3 2,0K Assista AgoraRobô de Elite
http://pitacoscinematograficos.blogspot.com.br/2014/03/robocop.html
Nova versão do clássico cult de 1987, RoboCop dirigido pelo brasileiro José Padilha (Tropa de Elite) muda o foco do original, trazendo o drama para o lado humano de Alex Murphy (Joel Kinnaman), o policial que estava praticamente morto e é "ressuscitado" em forma de máquina. Se no original Murphy acordava como uma máquina, e aos poucos, contra a vontade de seus criadores, ia relembrando seu passado, neste ocorre o contrário. Murphy acorda do coma e fica chocado ao se ver transformado em uma máquina, com pouquíssima coisa sobrando de seu corpo humano.
Também há um enfoque maior em sua relação familiar, pois no original ele se mantinha à distância de sua esposa e de seu filho, enquanto neste ele tenta restabelecer a relação como uma homem-máquina.
A grande questão do filme, em seu enfoque político, é se é ético que robôs, e não mais pessoas, passem a tomar decisões que envolvam julgamento de valores. A ação começa mostrando robôs americanos fazendo o patrulhamento em Teerã, enquanto que um âncora de televisão de extrema direita, Pat Novak (Samuel L. Jackson), defende o uso de robôs, pois estes evitam que soldados percam suas vidas em países estrangeiros. Mas ele se esforça para disfarçar que o outro lado da moeda é que os cidadãos dos países invadidos são humilhados em abordagens e mortos se tentarem reagir. Ou seja, desde o começo Padilha já toma partido, mostrando que não há muita justiça em tal sistema.
O grande embate do filme, dá-se então, entre os defensores do uso de soldados-robô como policiais no território dos EUA, como Novak e a empresa que os fabrica, a OCP, e os contrários a tal medida, representados por um senador que defende a manutenção de uma lei que impede tal uso. RoboCop será, assim, uma tentativa da OCP de encontrar uma brecha legal, colocando um humano dentro de um robô, construído pelo Dr. Frankenstein moderno, Dennett Norton (Gary Oldman).
É Interessante a preservação de alguns dos ícones do filme original, como a forte música tema, a armadura de RoboCop e o robô ED-209.
Padilha deu seu toque ao filme, mas não deixa de ser um filme pipoca com um roteiro arrumadinho, ao contrário de superproduções burras repletas de ação e com roteiros que só servem pra ligar uma cena à outra, como Transformers e Velozes e Furiosos.
Medianeras: Buenos Aires na Era do Amor Virtual
4.3 2,3K Assista AgoraSolidão na multidão
http://pitacoscinematograficos.blogspot.com.br/2014/03/medianeras-buenos-aires-na-era-do-amor.html
No Brasil, é comum um sentimento aflorado contra a Argentina. Mas mesmo quem tem essa birra com os "hermanos", se gosta de cinema, não pode negar que os filmes argentinos são geralmente muito bons, e dão de goleada na produção cinematográfica do Brasil. Diferentemente do panorama nacional, em que, em boa parte das vezes, os filmes ou tratam de miséria ou são essas comédias bizarras que mais lembram uma Zorra Total de duas horas de duração, os filmes argentinos normalmente tratam de histórias cotidianas de classe média, muito bem contadas.
Medianeras, que originalmente era um curta-metragem e depois ganhou a versão de longa, se enquadra nessa categoria. A abertura do filme já é um primor, mostrando o mar de prédios da capital portenha enquanto o narrador em off analisa que BA´s é uma cidade que dá as costas ao seu rio e que a urbanização é totalmente caótica, com prédios altos do lado de baixos, novos do lado de velhos e outros contrastes que deterioram o ambiente urbano. Parte daí a análise se tal caos no planejamento não se espelha em nossas vidas.
Martin (Javier Drolas), o protagonista, é um programador de sites que praticamente não sai de casa, fazendo tudo online. Mariana que mora na mesma rua de Martin, a poucos prédios de distância, é uma arquiteta que trabalha produzindo vitrines. Ambos cruzam-se várias vezes durante o filme, mas nunca se veem, perdidos na multidão.
Além de inúmeras semelhanças de gostos e de posturas, os dois também tem um passado de rompimento de relação amorosa doloroso e de relações posteriores efêmeras e sem graça. Ao longo do filme as rotinas dos dois são acompanhadas em paralelo.
O fato de estarem perdidos na multidão traz o paralelo dos famosa série de livros Onde Está Wally (por isso o poster do filme acima). Mariana diz que o único cenário em que nunca encontrou Wally é na cidade, uma metáfora por sua busca pela cara metade na metrópole impessoal.
Outro ponto muito bem abordado pelo filme é o fato de estarmos altamente conectados nos dias atuais, e isso não aplacar a solidão. Martin diz uma excelente frase que sintetiza tudo isso: "A internet me aproximou do mundo, mas me afastou da vida".
Nota: 9
P.S: Links para o filme no youtube:
http://www.youtube.com/watch?v=yKwxlP_DW_8
http://www.youtube.com/watch?v=8ja-vEbiY1c
E também o filme na versão anterior, curta metragem:
http://www.youtube.com/watch?v=kDj9yoBJ0k8
Ela
4.2 5,8K Assista AgoraAmor real?
http://pitacoscinematograficos.blogspot.com.br/2014/02/ela.html
Mais um concorrente ao Oscar 2014, Ela se passa em um futuro próximo, no qual a no qual o sistema operacional dos smartphones, mais do que simplesmente obedecer comandos por voz, passa a interagir com seus usuários, conversando como se fosse uma pessoa normal, o que inclui contar piadas, ter voz ofegante, querer saber fofocas, dentre outros atributos humanos.
O protagonista Theodore (Joaquin Phoenix) é um solitário escritor de cartas pessoais que está em processo de divórcio e adquire o novo sistema operacional OS¹ (clara referência ao iOS dos iPhones). Em seu contato inicial com o sistema (na voz de Scarlett Johanson, que merecia estar concorrendo ao Oscar pela vida que injeta na personagem virtual), este pergunta seu nome e ela diz que é Samantha, pois o escolheu entre todos os milhares de nomes possíveis em milésimos de segundo, demonstrando desde logo a assimetria que existirá entre eles quanto ao tempo de aprendizado.
O filme passa a abordar então a maneira como Theodore se relaciona com Samantha, numa metáfora sobre como é que nos relacionarmos uns com os outros.
Quando eu conto a sinopse do filme, ou seja, um cara que se apaixona pelo sistema operacional, as pessoas riem em tom de deboche e estranhamento. Mas, curiosamente, o filme transforma essa estranha relação em algo bastante concreto em poucos minutos. Afinal, o que são os nosso relacionamentos reais? Amamos o que, afinal? O corpo da pessoa ou sua personalidade? Se é uma questão de personalidade, Samantha não fica devendo nada a ninguém, dada sua capacidade de interagir, evoluir e se adaptar.
Com base nesse relacionamento, o filme vai colocar situações sobre como nos portaríamos frente a esta possibilidade de sermos amigos de nossos computadores. Na estória, em pouco tempo, torna-se muito comum e socialmente aceitável que as pessoas namorem seus sistemas operacionais. Mas persiste o problema de que a relação se dá com um ente incorpóreo, que não compartilha de nossa limitação física de somente poder estar em um local em dado momento, assim como não tem nossa única certeza, de que iremos morrer.
O tema não é fácil de ser trabalhado, poderia facilmente cair num estranhamento de apresentar o protagonista como um doido varrido ou, por outro lado, ir pro sentimentalismo de mostrar uma linda estória de amor entre Theodore e Samantha. Mas o diretor e roteirista Spike Jonze (da comédia cult e maluca Quero Ser John Malkovich) conduz sua obra de maneira magistral, mostrando, enfim, a miséria humana em sua busca por afeto.
Aproveito para traçar um paralelo entre este filme e outro sensacional sobre como se dão nossos relacionamentos em meio a revolução digital, que é Medianeras: Buenos Aires na Era do Amor Virtual. Aos que gostarem de Ela, recomendo este, mais adaptado ao nosso presente e a realidade de metrópoles caóticas.
Ela se insere no renascimento do gênero da ficção científica. Digo renascimento porque a revolução digital foi mais surpreendente do que a ficção, fazendo com que poucos se aventurassem, entre 1990 e 2010, a imaginar o futuro.
Agora, que temos mais claro para onde tal revolução caminha, surgem filmes como Ela e o novo Robocop, nos quais o temor anterior de que os computadores tornariam-se inteligentes e iriam nos matar, como em 2001 - Uma Odisséia no Espaço ou O Exterminador do Futuro, cede lugar a um casamento já consolidado entre seres humanos e máquinas e aos limites éticos nessa relação quase simbiótica.
Finalizando, deixo novamente o link de uma coluna de Contardo Calligaris abordando o assunto do relacionamento com uma máquina: Amor de Máquina.
Última Viagem a Vegas
3.5 502 Assista AgoraTiozões na pista
http://pitacoscinematograficos.blogspot.com.br/2014/03/ultima-viagem-las-vegas.html
Um filme que reúne 4 atores oscarizados e carismáticos não tem como não ser bom, certo? Longe disso. Última Viagem a Vegas é uma prova disso.
A estória envolve um grupo de amigos de infância, os quatro astros, que, já na velhice e com cada um tendo uma vida diferente, resolvem se encontrar para a despedida de solteiro de um deles em Las Vegas
Todas as personagens não são mais do que estereótipos. O viúvo ranzinza (De Niro), o velho dependente que é tratado como criança pelo filho (Freeman), o velho que quer ser garotão (Douglas) e o velho que está entediado em seu casamento de 40 anos (Kline).
Se pelo menos as piadas fossem boas, o filme poderia ser melhor. Mas são todas piadas manjadas, sobre os velhos que voltam a Las Vegas 40 anos depois e estranham tudo, frente a festas modernas.
E tudo se encaminha para liçõezinhas de moral infantis no final, do tipo valorize o que você tem, aceite que você envelhece e não é porque você está velho que sua vida é sem graça.
Lembrei-me dos comentários dos finais dos desenhos do He-Man. Faltou o Gorpo aparecer no final dizendo algo do tipo: "na estória de hoje, vimos que às vezes nós nos acomodamos com nossas vidas e não percebemos como ela é bonita. Então lembrem-se, amiguinhos, se você tem pessoas em quem confia, esse é o maior tesouro que você pode ter. Até a próxima."
Whiplash: Em Busca da Perfeição
4.4 4,1K Assista AgoraAo mestre com carinho
http://pitacoscinematograficos.blogspot.com.br/2015/01/whiplash-em-busca-da-perfeicao.html
Whiplash inicia a maratona de análises aos indicados ao Oscar do Pitacos Cinematográficos. O longa concorre a 5 categorias: melhor filme, melhor ator coadjuvante (J.K. Simmons) e roteiro adaptado, além de 2 categorias técnicas, edição e mixagem sonora.
No filme, Andrew (Miles Teller), um jovem baterista estudante de música sonha em ser o maior músico de jazz de todos os tempos, e encontra um rígido professor, Fletcher (J.K. Simmons) que pressiona seus alunos a ultrapassarem seus limites em busca da perfeição.
Rígido professor, aliás, é um eufemismo. Fletcher por vezes parece ser a essência do mal, abusando de seus alunos com ofensas, grosserias e humilhações. No entanto, o roteirista/diretor se esforça em não estereotipar sua personagem, mostrando, em alguns momentos, Fletcher sendo simpático e afetuoso, numa clara mensagem de que ele não é o capeta encarnado, mas apenas um ser humano comum, com seus defeitos e qualidades.
Andrew, por seu lado, é um jovem bastante introvertido e antissocial. Não se preocupa em ter amigos ou namorada, seu único objetivo é ser o maior baterista de todos os tempos, e está disposto a tudo para conseguir isso. Até mesmo aguentar toda a dor física necessária nas longas horas de treino com as baquetas e a dor psicológica da constante pressão exercida por Fletcher. Tal obsessão fica muito próxima ao fanatismo.
O clima de tensão percorre todo o filme. O espectador se sente incomodado com a situação por que passa Andrew. Certamente todos ser perguntarão o porquê dele não jogar tudo pro alto. Mas é justamente a sua obstinação que conduz o filme. Seu sonho de ser lembrado o faz enfrentar todos os desafios. Não que isso seja considerado louvável ou execrável. Em uma excelente cena do filme Andrew está em um jantar de família e quem é tido em mais alta estima são seus primos, um que é jogador de futebol americano em um time de 3ª divisão universitária e outro que conseguiu um emprego na ONU, sendo que ele, mesmo se destacando na melhor escola de música do mundo, é desprezado.
Enfim, o tal sonho de grandeza de Andrew, mesmo que bem sucedido, não o fará ser um herói aclamado por multidões, mas somente admirado pelos poucos entendidos em jazz.
Os atores principais entregam atuações muito intensas e conseguem fugir do estereótipo. Fletcher não é somente maldade e Andrew não é somente obstinação. Além disso, é surpreendente saber que Miles Teller realmente tocou a bateria em altíssimo nível em todas as cenas, apesar de ter um dublê. Em algumas das cenas o sangue que ele espirra na bateria é real. Tom Cruise se pendurando nos prédios parece brincadeira perto disso. E em breve eles será o protagonista na nova versão do Quarteto Fantástico. Podemos estar vendo o nascimento de um futuro astro. E o veterano J.K. Simmons merece com louvor sua indicação ao prêmio de melhor ator coadjuvante.
A direção também é bem conduzida, tirando o máximo da simplicidade dos cenários, em um filme cujo orçamento ficou em modestos 3 milhões de dólares (para comparação, Êxodo custou 140 milhões). E a edição contribui para manter o ritmo na métrica adequada durante todo o tempo, estabelecendo uma ótima ligação com a trilha sonora.
Assim, o filme que tira o espectador de seu lugar de conforto, traz uma boa história em que cada um pode buscar suas lições, é bem dirigido e apresenta grandes atuações. Mais digno de Oscar do que várias produções medianas que levaram o prêmio nos últimos anos, como O Discurso do Rei.
Nota: 9
A Grande Beleza
3.9 463 Assista AgoraFim de Festa
http://pitacoscinematograficos.blogspot.com.br/2014/03/a-grande-beleza.html
Ainda sobre o Oscar 2014, A Grande Beleza foi o vencedor do prêmio de melhor filme estrangeiro (ou, como diz o nome atual, filme em língua estrangeira).
A estória centra-se em seu protagonista, Jep Gambardella (Toni Servillo), um jornalista de 65 anos que vive intensamente os agitos da vida noturna e cultural de Roma, e que ganhou fama graças a um livro que escreveu há 40 anos.
A narrativa não é das mais tradicionais, o que pode afastar espectadores que gostam do esquema tradicional de filmes hollywoodianos ou de novelas globais. Vários momentos do cotidiano de Jep são mostrados sem necessariamente haver uma ligação cronológica entre estes.
Apesar dessa falta de narrativa cronológica padrão, o filme não é um apanhado de cenas sem sentido. Algumas cenas permitem uma interpretação direta, especialmente quando o protagonista dá uma lição de moral na sua amiga que se julga a pessoa mais correta da turma, mostrando toda a podridão que ela oculta.
Já outras intenções do diretor exigem ao espectador que "ligue os pontos". Por exemplo, em momento algum isso é dito, mas Jep mora em um apartamento com uma sacada enorme em frente ao Coliseu, e diz que passou a vida inteira buscando a grande beleza e não a encontrou. Ora, todos os dias ele acorda com vista para esse grande monumento, e isso para ele não é belo o suficiente, o que pode ser interpretado como o fato de que qualquer pessoa enjoa de qualquer coisa, ou de que nada é tão belo assim.
Muitas coisas são questionadas ao longo do filme, como arte, religião, política, família e amizades. Olhando em uma perspectiva geral, o diretor busca tirar seus espectadores da zona de conforto, pois todos sempre buscam portos seguros para tentar colocar sentido às suas vidas.
Felizmente, o filme não mostra qual seja esse sentido (embora sugira que é meio bobo que velhos fiquem dançando em festas com música bombando madrugada adentro). Fica a mensagem de que "O sentido da vida" talvez nem exista, e cabe a nós escolher qual a melhor maneira de viver, levando conosco toda a responsabilidade pelas escolhas que fazemos.
O Segredo dos Seus Olhos
4.3 2,1K Assista AgoraDizendo muito, sem nada falar
http://pitacoscinematograficos.blogspot.com.br/2014/04/o-segredo-de-seus-olhos.html
Vencedor do Oscar de 2010 de melhor filme estrangeiro, O Segredo de Seus Olhos mistura história policial com romance. Benjamín Esposito (o excepcional Ricardo Darín) é um funcionário da Justiça aposentado, que decide escrever sobre um caso de homicídio que investigou 25 atrás e que causou imensa repercussão em sua vida pessoal.
Alerta de spoilers! Quase toda a estória será contada abaixo. Este pitaco é uma resenha escrita voltada àqueles que leram minha recomendação no Facebook e viram o filme.
A vítima era uma jovem e bela mulher, recém casada, que fora estuprada e assassinada. Durante as investigações Benjamín passa a ser chefiado por Irene (Soledad Villamil), uma assistente de juiz recém-formada de currículo invejável, rica e de família tradicional. Apesar da distância social que os separa e do fato de Irene estar de casamento marcado, surge entre eles uma forte paixão, que é comunicada muitas vezes somente pelos seus olhares, uma das razões do título do filme.
Esposito acredita descobrir o assassino por meio de fotos da vítima nas quais há sempre um sujeito dirigindo seu olhar para ela, outra razão do título do filme. Com a identidade do suspeito, Isidoro Gómez (Javier Godino, sósia do Messi) passa a persegui-lo, mas não o encontra. Sem soluções, o caso é encerrado.
Passa-se um ano e Esposito encontra o viúvo da vítima na estação de trem. Este revela que todos os dias vai até o local para tentar encontrar o assassino da mulher que tanto amava. Sensibilizado com a história, Benjamin consegue a reabertura do caso, e descobre, em cartas do suspeito, que esse utiliza uma linguagem cifrada para se referir ao seu time do coração, o Racing.
Vem aí o grande momento do filme e um dos melhores da História do Cinema: o espetacular plano-sequência que se inicia com uma tomada aérea do estádio do Racing e somente termina com a prisão do suspeito em pleno gramado como o jogo rolando! A câmara parece ser uma mosca que tudo segue, em quase 10 minutos de tirar o fôlego. Na verdade não foi utilizada uma só câmera nisso, pois seria impossível fazer tudo isso sem a hipotética "câmera-mosca" (talvez os drones tornem isso possível em um futuro próximo). Houveram umas "emendas" imperceptíveis, excelentes ilusões de ótica, que podem ser vistas neste making-of: https://www.youtube.com/watch?v=OBeYm2aPKCw.
Pois bem, o suspeito está preso, mas não há nenhuma prova contra ele. Irene, dissimuladamente, consegue sua confissão. Mas não contavam com sua imunidade, pois Gómez é na verdade um agente da ditadura argentina, e o governo pouco se importava com sua conduta pessoal, desde que ele pegasse os inimigos do regime.
Assim, de perseguidor Benjamín passa a ser perseguido, e é obrigado a fugir para longe de Buenos Aires para salvar sua vida, e, consequentemente, abandonar Irene, uma história que só havia ficado nas preliminares.
Por fim, descobrimos qual foi o destino de Gómez. Esposito encontra o viúvo que lhe dissera na estação que era contra a pena de morte, pois queria que o assassino-estuprador passasse a vida vivendo uma sequência de dias vazios, pois este seria o maior castigo. Mas dessa vez diz a Esposito que matou Gómez. Esposito, após deixar o sítio do viúvo, reflete e percebe que não fazia sentido que um homem que achava a pena de morte um castigo fraco contentasse-se em matar o algoz, não o fazendo sofrer. Sorrateiramente invade o local onde encontra Gómez preso e Morales como seu carcereiro, que em castigo, não fala com ele há 25 anos. Fica a dica para os defensores da pena de morte: há castigos muito piores!
E no final, fica no ar que Irene e Benjamín, finalmente ficarão juntos, após toda uma vida de amor platônico. Atenção à metáfora da porta, que no passado ficara aberta, e se fecha ao final.
O Segredo de Seus Olhos é um filme magnífico. Simples, sem ser banal. Sofisticado, sem ser chato. Cada diálogo é muito bem escrito, várias frases são cheias de conteúdo e lições de vida. Mas o filme não depende somente desses excelentes diálogos, pois seus atores principais, liderados por Darín, conseguem dizer muito sem nada falarem. E, regendo o show, a criativa direção de Campanella.
Enfim, uma obra-prima!
Nota: 10
Êxodo: Deuses e Reis
3.1 1,2K Assista AgoraAfundando no Mar Vermelho
http://pitacoscinematograficos.blogspot.com.br/2015/01/exodo-deuses-e-reis.html
Na atual onda de produções bíblicas, Ridley Scott, diretor aclamado por filmes como Alien, Blade Runner e Gladiador, apresenta Êxodo: Deuses e Reis, contando a mítica (sim, é só um mito de criação, nenhuma evidência científica atesta que os hebreus tenham vivido no Egito) história da fuga dos hebreus do cativeiro do Egito, liderados pelo patriarca Moisés, vivido por Christian Bale (o último Batman).
Nesta nova versão da história nas telas, procurou-se, conforme a atual moda de filmes bíblicos, dar um caráter mais "realista" a estória. Assim, Moisés é mostrado como um respeitado general e príncipe egípcio, guerreiro sanguinário que resolve as coisas na ponta da espada quando necessário. Qualquer semelhança com o Gladiador não parece ser mera coincidência, ao contrário, parece que a ideia foi a de usar o mesmo passado de Maximus, revelando total falta de criatividade na caracterização da personagem central.
Quando se descobre que ele é na verdade um hebreu adotado pela princesa do Egito, Moisés é exilado por seu primo de criação, o Faraó Ramsés (Joel Edgerton). Antes disso, no entanto, a caracterização física de Moisés já é um tanto estranha, pois seus traços físicos e vestimentas destoam na corte egípcia, já ficando um tanto quanto claro que ele não pertencia àquele meio, sendo que os diálogos tentam mostrá-lo como completamente integrado ao meio, gerando uma certa incoerência.
Em seu exílio, onde inicia uma nova vida em uma aldeia, formando família, Moisés começa a ter visões sobrenaturais, nas quais um menino que seria deus lhe diz que ele deve voltar ao Egito para libertar seu povo.
Moisés retorna e ameaça o Faraó a libertar seu povo. Não atendido, surgem as famosas pragas do Egito. Aí o tal "realismo" se torna ainda pior, com uma tentativa frustrada de inscrever as pragas em um contexto de dano ambiental causado pela ação humana. Talvez seria melhor deixar a estória da maneira que era contada, em que tudo era simples intervenção divina.
E da mesma maneira é a famosa abertura do Mar Vermelho. Uma simples questão de mudança de maré, na qual no final a água sobe rápida e misteriosamente, Moisés e o Faraó saem praticamente ilesos, apesar de todos os outros que lá estavam serem mortos pelo tsunami. O Moisés de Charlton Heston, abrindo o Mar Vermelho com um cajado era melhor e talvez até mais realista!
Enfim, uma superprodução com um enredo bem fraco e mesmo os efeitos especiais (que deveriam ser primorosos) são um pouco mal feitos, sendo perceptível sua artificialidade. Ridley Scott envelheceu e perdeu a mão. Felizmente a Academia não deu nenhuma indicação a esse desastre.
Nota: 3
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Birdman ou (A Inesperada Virtude da Ignorância)
3.8 3,4K Assista Agorahttp://pitacoscinematograficos.blogspot.com.br/2015/02/birdman-ou-inesperada-virtude-da.html
Santa Coincidência, Batman!
Birdman, ao lado de O Grande Hotel Budapeste, é o campeão de indicações ao Oscar 2015, disputando 9 categorias. E concorre em quase todas as categorias nobres: filme, diretor, roteiro original, ator (Michael Keaton), ator coadjuvante (Edward Norton) e atriz coadjuvante (Emma Stone). Merece ganhar tudo.
Antes mesmo de ver o filme, impressionou-me a genialidade metalinguística de fazer um filme sobre um ator em decadência que anos antes foi marcado por ter feito um super-herói de destaque no cinema. Qualquer um com mais de 30 anos certamente quando olha para Michael Keaton imediatamente se lembra de Batman em sua primeira versão cinematográfica. Mas aqui ele é... Birdman! Ou seja, Michael Keaton interpreta um personagem inspirado em... Michael Keaton! Uma sacada genial!
Se você não gosta de filmes que tem um quê de maluquice, como O Clube da Luta, já lhe adianto que não vai gostar do filme e xingar este pitaqueiro pelos elogios à produção. Confirmando isso, na primeira cena Keaton está flutuando. Não faltaram avisos!
O enredo como já adiantado é sobre o tal ator, Riggan Thomson, que 20 anos antes era o famoso Birdman. No presente ele investiu tudo o que tinha para produzir, roteirizar, dirigir e atuar em uma peça da Broadway, buscando ver seu talento reconhecido e sua carreira reconstruída. Ou seja, mais metalinguagem, pois Keaton estrelando o filme é o mesmo que Riggan querendo se reerguer na Broadway.
Devido a problemas com o ator coadjuvante, odiado por Riggan, entra em seu lugar Mike Shiner (Edward Norton), renomado ator de teatro que trata com desdém as celebridades do cinema. O conflito entre esses dois opostos conduzirá boa parte do restante do filme. Além disso, Riggan tem de lidar ao mesmo tempo com a estreia da peça, com sua namorada que é atriz da peça e que pode estar grávida, Laura (Andrea Riseborough), com a outra atriz cheia de expectativas em sua primeira peça na Broadway, Lesley (Naomi Watts), com sua filha recém saída da clínica de reabilitação, Sam (Emma Stone), enquanto é assessorado por seu melhor amigo Jake (Zach Galifianakis). E pairando sobre tudo está Birdman, a voz que Riggan ouve constantemente e quer que ele retome os dias de grandeza. Enfim, Riggan está envolvido em problemas.
O filme aborda muitos temas atuais e atemporais. Nossa sociedade que dá mais atenção a factoides publicados em tabloides do que ao talento dos artistas está constantemente em debate. O imediatismo da internet e das curtidas das redes sociais também. E, por trás de tudo isso, a eterna necessidade de reconhecimento do ser humano diante do seu medo da falta de significado da vida. Todos esses elementos estão muito bem inseridos no filme.
O roteiro é excelente, recheado de humor (com tiradas de celebridades reais) e com diálogos muito bem construídos. Obviamente, nem mesmo o melhor diálogo já escrito funcionaria sem ter atores competentes para dar-lhe vida. Mas isso não é problema para Birdman. Todos os atores, até mesmo o medíocre gordinho da série Se Beber Não Case, estão ótimos. Keaton e Norton conduzem com muito talento o filme, merecendo os prêmios a que concorrem, assim como Emma Stone.
Ainda que não vençam, Keaton já está recebendo o tão sonhado reconhecimento como ator e Norton retomando o rumo de sua carreira, que surgiu como promissora após As Duas Faces de Um Crime, foi crescendo com A Outra História Americana e Clube da Luta e que vinha oscilando desde A Última Noite, tendo realizado papéis medíocres no período, como em O Ilusionista.
A condução técnica surpreende. O filme todo é construído como um plano-sequência, ou seja, como se não houvesse cortes de câmeras. A dificuldade técnica para conseguir fazer isso é imensa. Já relatei antes meu espanto com o grande plano-sequência de O Segredo de Seus Olhos. Não há palavras para descrever um filme inteiro feito com essa técnica. E mesmo diante dessa dificuldade técnica, a fotografia é ótima, alternando espaços, luzes e cores constantemente.
Birdman, assim, está na minha lista dos melhores filmes do século XXI. Dos últimos 15 vencedores do Oscar, o único filme que considero no mesmo nível é Beleza Americana. A nota, claro, não poderia ser outra.
Nota: 10
O Grande Hotel Budapeste
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O Fabuloso Wes Anderson
O Grande Hotel Budapeste, empatado com Birdman, lidera em número de indicações aos prêmios da Academia disputando 9 estatuetas. Nas principais concorre a melhor filme, diretor e roteiro original, com boas chances de levar o prêmio em todas estas.
Seu diretor é Wes Anderson, um dos poucos artistas do cinema atual com assinatura inconfundível. Seu estilo é tão marcante, com diversas marcas registradas, que qualquer um que já tenha visto seus filmes não gasta mais do que alguns segundos vendo uma cena de qualquer destes para perceber quem é o pai da criança, com cores fortes, luz fraca, cenários que parecem feitos para uma peça infantil, figurino exagerado, closes em pequenos objetos, e uma obsessão com a simetria. Para ilustrar o que estou falando, cliquem neste link. No YouTube há algumas paródias envolvendo seu estilo, como a abertura de Forrest Gump (clique aqui), e até mesmo como seria um pornô dirigido por Anderson (clique aqui).
Além da estética peculiar, Anderson também tem uma forma muito própria de contar suas histórias, nas quais ele sempre é, além de diretor, roteirista. Suas personagens sempre são estereotipadas, sempre há um narrador da estória, que conta de forma simples, beirando o infantil, e há muita ironia em quase todas as cenas, na qual até a movimentação da câmera contribui no humor.
Apresentado este peculiar diretor, passamos ao enredo. O Grande Hotel Budapeste é um decadente estabelecimento que era considerado auge do luxo nos anos 1930, na fictícia república de Zubrowka ("na fronteira mais oriental da Europa"). Em 1968, um escritor que vive no local (Jude Law) um dia conhece seu dono, Mr. Moustafa (F. Murray Abraham), que passa a contar como herdou o local.
A trama então retorna aos gloriosos anos 1930, na qual Mr. Moustafa ainda é o garoto do lobby, chamado somente por seu primeiro nome, Zero (Tony Revolori), seguindo militarmente as ordens do concierge do hotel, M. Gustav (Ralph Fiennes), protagonista do filme. Este é um sujeito ultrametódico, disciplinado e com ares refinados, que tem uma estranha queda passional por septuagenárias. Em razão desta preferência amorosa, Gustav herda de uma de suas amantes idosas (Tilda Swinton, irreconhecível com a maquiagem) um quadro de "valor inestimável", "O Menino e a Maçã", e passa a ser alvo da fúria da família da morta, sendo esse o ponto central do desenvolvimento do enredo.
Como já dito, os personagens são extremamente estereotipados. Sempre faço críticas aos estereótipos, mas não aqui, pois Anderson gosta de contar fábulas, e não histórias reais. Sua estética já faz o possível para que o tempo todo o espectador perceba que o que vê na tela não é real. Daí os estereótipos ficam perfeitos nessas narrativas quase fantásticas.
Assim, os filmes de Anderson não são filmes para atores mostrarem diversas facetas. Mas são provavelmente uma grande diversão para seus intérpretes, haja vista a constelação no elenco deste filme (confira no poster acima para ver), que tem a possibilidade de brincar com os estereótipos e os exageros. Atores de renome aceitam fazer papéis pequenos, em que não aparecem muito mais que um minuto na tela, como Bill Murray e Owen Wilson. Além disso, os que trabalharam com Anderson costumam ser fiéis a ele e são recorrentes em suas produções, caso dos dois citados.
Os filmes de Anderson são quase que uma matinê. Preferi seu filme anterior, Moonrise Kingdom, no qual os protagonistas pré-adolescentes combinam melhor com a estética do diretor. Mas O Grande Hotel Budapeste também é um ótimo filme, digna de todos os prêmios a que concorre.
Nota: 8
Boyhood: Da Infância à Juventude
4.0 3,7K Assista Agorahttp://pitacoscinematograficos.blogspot.com.br/2015/02/boyhood-da-infancia-juventude.html
A Arte Imita a Vida
Um dos favoritos na corrida ao Oscar de melhor filme, Boyhood, recebeu ainda outras 5 indicações: diretor, ator coadjuvante (Ethan Hawke), atriz coadjuvante (Patricia Arquette), roteiro original e edição. Tal como Birdman, se ganhar todos os prêmios, o fará com méritos.
O filme realizou uma proeza única na história do cinema por ser rodado durante 12 anos, retratando o amadurecimento de Mason Jr., sempre representado por Ellar Coltrane. Ele é o protagonista, mas outros três atores também estiveram envoltos no processo de filmagens, os dois mencionados que disputam o prêmio e Lorelei Linklater, filha do diretor.
Sou grande fã do diretor, Richard Linklater. Adoro a trilogia do Antes (Antes do Amanhecer, Antes do Pôr-do-Sol e Antes da Meia Noite) com seus grandes e longos diálogos sobre a vida. Aqui ele usa parte dos recursos já usados nos outros, e, exceto pelo primeiro filme da trilogia, os demais ele rodou durante as filmagens de Boyhood.
O filme inicia-se no longínquo 2002, época em que os celulares ainda serviam somente para fazer ligações. Mason Jr. e sua irmã Samantha reencontram seu pai, um cara um tanto perdido na vida mas muito afetuoso, que havia passado mais de um ano distante deles. Enquanto isso, sua mãe, Olivia, está tentando se qualificar para dar maior conforto a seus filhos, enquanto busca arrumar um companheiro para suprir a função de pai na família.
A partir daí se desenvolve a estória. Uma estória ordinária, que poderia ser vivida por qualquer um. Mason vai pra escola, muda de cidade, sua mãe e seu pai arrumam novos companheiros, e a vida vai seguindo, em meio a muitos conselhos que lhe dão. E muitos questionamentos vão surgindo em cada nova fase. Como ocorre em nossas vidas ordinárias, por mais que nos achemos especiais.
Por mais simples que possa parecer a estória, no final estamos nos sentindo parte da família. Sofremos junto com as personagens. Nos divertimos com suas alegrias. Rimos de certas "lições de vida" que tentam dar em Mason, especialmente seu confuso pai. Sentimos vergonha do comportamento dos adolescentes que buscam se afirmar, especialmente por sabermos que um dia já passamos por aquilo.
O roteiro surpreende por ter se adaptado ao longo do tempo. Não havia como ter criado certos diálogos quando o filme foi idealizado, pois certas coisas que hoje redefiniram os relacionamentos humanos, como os smartphones e redes sociais, não existiam em 2002. Seria impossível ter escrito esta estória completa antes de iniciar as filmagens, assim como também seria escrever o roteiro em 2014 com tudo já filmado. Provavelmente havia um rumo a ser seguido, mas muita coisa foi sendo inserida e levando a estória por outras direções. O que engrandece ainda mais o filme. E se destaca a intenção de se priorizar eventos corriqueiros na narrativa, ao invés de dramatizar pontos de clímax, como o primeiro beijo, primeiro porre e etc.
Os dois "pais", Arquette e Hawke, fazem um belo trabalho. Nunca achei Hawke um ator espetacular, mas admiro sua capacidade de conseguir se mostrar como o cara comum, gente como a gente, fazendo nos sentirmos em sua pele. Arquette faz trabalho similar, sendo a mãe que, em meio a seus erros e acertos, vai conduzindo a vida da família. O protagonista Ellar Coltrane consegue com seu jeito de "cara na dele" nos trazer para seu universo, e relembrarmos o que passamos em nossa infância e adolescência.
O fato das filmagens durarem 12 anos não é algo somente para os críticos ficarem elogiando a qualidade técnica e ressaltando o mérito de superar tal dificuldade. Os 12 anos passam por nossos olhos em 2 horas e 40 minutos. Vemos as 4 personagens centrais envelhecendo sob nossas vistas e o que o tempo causa em nossas feições (Patricia Arquette, favorita ao Oscar, parece ter sentido mais que os outros). O peso do tempo está lá, exposto, mostrando que nossa caminhada por esse planeta é curta.
Já no final do filme, há uma emocionante reflexão de Olivia, quando seu filho está deixando a casa para ir a faculdade. Ela diz que aquele evento fez ela ver que sua vida iria acabar em breve, pois temos certos marcos, como a formatura, o casamento, ter filhos, conseguir o trabalho que queremos, ver os filhos nos deixando. E o próximo marco seria seu funeral. Um tanto quanto antecipada, mas ainda assim, uma dolorida e real conclusão.
Um filme que nos mostra, como nenhum outro, que a arte imita a vida.
Nota: 10
Sniper Americano
3.6 1,9K Assista Agorahttp://pitacoscinematograficos.blogspot.com.br/2015/02/sniper-americano.html
Metralhadora descalibrada
Sniper Americano está na lista dos filmes com mais indicações aos prêmios da Academia, concorrendo a 6 estatuetas. Nas mais nobres concorre a filme, diretor, roteiro adaptado e ator (Bradley Cooper, em sua 3ª indicação consecutiva). Dificilmente leva algum desses prêmios, e também não merece.
A trama é baseada na história real de Chris Kyle, o sniper (atirador de elite) que mais matou inimigos na história das forças armadas dos EUA, com um total de 160 abatidos. Não à toa, era conhecido como "Lenda", mesmo antes de chegar ao número 30.
A cronologia é linear, mostrando momentos de sua infância, incluindo sua decisão de se tornar militar aos 30 anos após ver os ataques terroristas às embaixadas americanas em 1998. Há um pouco de história sobre treinamento militar da tropa de Elite da Marinha, os SEALs. Um tanto quanto clichê, tendo em vista que diversos filmes já mostraram a dureza do treinamento militar, como Nascido para Matar, Tropa de Elite e Até o Limite da Honra (péssimo título nacional para G.I. Jane), famoso filme em que a Demi Moore interpreta a primeira mulher a tentar entrar para a mesma tropa de elite.
Posteriormente, há os questionamentos morais de Kyle, como ter de matar mulheres e crianças insurgentes no Iraque. E depois surge um conflito de gato e rato entre Kyle e o melhor atirador de elite dos insurgentes iraquianos, um antigo campeão olímpico de tiro conhecido como Mustafá. Aliás, esse personagem é mostrado de forma muito estereotipada. Enquanto Kyle é retratado em todos os seus conflitos e questionamentos, Mustafá parece um robô frio e calculista programado para matar. Mostrar rapidamente uma cena em que ele deixa sua esposa e seu filho para ir para o combate não ameniza muito a situação. E na parte final mostra a readaptação de Kyle à vida civil, tema recorrente em filmes como Nascido em 4 de Julho e até mesmo Rambo (somente o primeiro).
Enfim, parece que não se soube qual ponto destacar da história e ficou essa trama com muitos pontos abordados e com pouca profundidade. Curiosamente, um filme sobre um atirador de elite, que necessita de muito foco em seu trabalho, não tem um foco claro, parecendo uma metralhadora que atira para todo lado.
Clint Eastwood é um grande diretor, mas esse é um de seus filmes menores, que não chega aos pés de obras primas como Gran Torino e Os Imperdoáveis.
Bradley Cooper está bem no papel, mas não realiza nenhum trabalho excepcional. Ele foi muito melhor em O Lado Bom da Vida. Outros atores mereciam mais a indicação, como Miles Teller, protagonista de Whiplash. Cooper deve ter um ótimo lobista para conseguir essa sequência incrível de indicações ao prêmio, como se ele fosse um Al Pacino ou Daniel Day Lewis, o que, definitivamente, ele não é.
De qualquer forma, não é um filme ruim. Repete muitos lugares comum, mas é bem conduzido. Nisso se parece com O Jogo da Imitação. Mas ao contrário deste, Sniper Americano tem um ritmo um pouco mais dinâmico, portanto, merece nota melhor.
Nota: 6