Julia acorda em seu apartamento em Buenos Aires, capital da Argentina. O local está coberto de sangue e no chão estão os corpos de dois homens. A jovem vai trabalhar em transe, e quando volta para casa toma conhecimento do que aconteceu pedindo ajuda. Um dos dois morreu, enquanto o outro, Ramiro, continua vivo. Julia é presa e acusada de assassinato. A jovem vivia com os dois homens, em uma relação conturbada, polêmica e estafante. Agora ela está grávida e decide dar à luz ao bebê, Tomas, na degradação de uma prisão. Até que sua mãe consegue a guarda e o tira do convívio com a mãe. A partir desse momento, Júlia terá apenas um objetivo: reencontrar o bebê. Um filme com cores fortes sobre maternidade e inocência que convive com a degradação do diretor, Trapero. O que, no entanto, talvez, e devido à coprodução, ou por envolver como protagonista a jovem esposa realmente grávida no momento das filmagens, parece incerto sobre a virada a ser dada à narrativa, acabando por misturar muitos planos e oferecer ao filme um final tão "participativo" quanto pouco crível em seu desenrola, e por isto mesmo muito genial. No entanto, o espectador permanece aos olhos da denúncia de um sistema prisional que simula a humanidade (a ala 'aberta' das mães) enquanto mergulha tanto as mulheres quanto seus filhos na perda progressiva de contato com a realidade externa. Leonera encontra em Martina Gusman, uma atriz capaz de sustentar intensamente um papel difícil que poderia ser comparado, obviamente com as diferenças necessárias, com o interpretado por Crissy Rock em Joaninha Joaninha de Ken Loach. Como a Maggie daquele filme de 1994, Julia desperta a empatia do espectador "apesar de" sua personagem. Ou seja, somos progressivamente impelidos a tentar conhecê-la, a compreender seu sofrimento e suas razões. Entender por que ele acabou se encontrando nessas situações nos ajuda a avaliar suas ações subsequentes de forma diferente e nos lembra que se deveria ter andado alguns quilômetros no lugar de outras pessoas antes de fazer julgamentos radicais. De toda a sorte é mais um belo exemplo da qualidade absurda que o cinema argentino tem...recomendadíssimo!
Viktor Solov'iov é o fugitivo; Liudmyla Yefymenko é a mulher - quase uma heroína sem saber refletir; Maia Bulhakova é a velha; Pylyp Illienko é o menino; Viktor Demertash é o guarda? Oleksander Danylenko é o companheiro de prisão e Serhii Povarov é o pequeno oficial. O enredo é baseado em uma história da realidade - talvez! - que era bastante comum nas prisões soviéticas. Um guarda prisional doa o seu sangue a um prisioneiro para transfusão. O preso sobrevivente é rejeitado por seus colegas de prisão porque seu sangue está, supostamente, "contaminado" com o sangue do mal. Sob a superfície da história, Illienko desdobra um panorama de um deserto espiritual que o império russo-soviético foi e a devastação que causou em seus súditos. O filme é o "J'accuse" de Illienko contra o sistema e, ao mesmo tempo, sua profecia sombria de seu fim iminente - estamos no final dos anos de 1980. A história é intrigante, e pode até nos trazer, como de fato traz, uma explicação, ainda que residual, do conflito entre russos e ucranianos…
Aqui, a câmera de "Parkinson" é um pouco negligenciada, Zachary Donohue nos oferecendo para viver a maior parte da ação através de uma tela de computador. Um pouco como a desigual Megan Is Missing (Michael Goi – 2011) já havia feito. Assim, temos um cursor do mouse que anda, janelas que se abrem, alertas de mensagens, chamadas de webcam... Um conceito interessante que explora várias maneiras de colocar a trama em imagens. Esta é a grande força de The Den que evita cair, muito rapidamente, na preguiça e na facilidade. Se o cenário não for muito complexo e não fizer cócegas em seus neurônios, a imersão é tamanha que você rapidamente se envolve no jogo. O filme rapidamente consegue gerar uma verdadeira ansiedade aliada a uma reflexão sobre os perigos da internet (talvez muito exatamente porque não saibamos o que há nela, de fato. A conclusão é arrepiante e graficamente bastante violenta. Em pouco mais de uma hora, The Den consegue manter seu ritmo de forma brilhante e habilmente vai de uma introdução não desprovida de humor ao estabelecimento de um suspense formidável. Zachary Donohue primeiro se diverte retratando o universo Chatroulette, com seu inusitado desfile de excêntricos e exibicionistas. Entre brincadeiras virais, pervertidos em ação e outras alegrias, toda a gama do que você já viu neste site de bate-papo pela webcam (não julgue inocente!) está representada. Em março de 2010, um vídeo gerou burburinho na web: internautas presenciaram o assassinato de uma morena charmosa por um assassino mascarado... Obviamente, foi um vídeo viral que os anunciantes transmitiram no Chatroulette para promover um canal de TV espanhol. Partindo da premissa de que o assassinato é real desta vez, The Den nos questiona sobre nossa relação com as imagens e nossa ignorância sobre os perigos da rede. Um pouco ingênua, Elizabeth rapidamente vê sua conta hackeada por uma pessoa potencialmente má. O filme toca em um assunto bastante sensível que vai conseguir nos dar suores frios ao longo da obra. A coisa toda não é saudável, e a personagem pelo qual começamos a simpatizar viverá uma provação. O que não ajuda a tornar a coisa toda menos ardilosa é certamente seu aspecto de found footage que reforça o realismo de forma opressiva e assustadora, e mesmo que a câmera às vezes tenda a tremer, ela sempre estará bem calibrada e tornará o melhor de suas cenas legível no momento certo. Um filme que certamente não nos deixará indiferentes, que nos mantém perfeitamente em suspense até sua reviravolta final que termina fechando essa história de forma tão simples, mas tão efetivo; há algo em certo sentido para nos surpreender por sua vez.
Ambientada em um mundo onde a homossexualidade é a norma; Uma pequena cidade de Indiana, nos EUA, é abalada quando Jude, estrela do time de futebol americano universitário local, inicia um caso de amor com Ryan, um estudante de jornalismo esportivo. Quando o casal, heterossexual, é expulso, o poderoso líder religioso da comunidade inicia uma cruzada contra todos os heterossexuais. Bullying, preconceito e direitos humanos com uma reviravolta: imagine nosso mundo com a homossexualidade sendo a norma social e a heterofobia comum. Esse premiado e polêmico longa-metragem é chocantemente baseado em fatos - com uma perspectiva invertida: Uma cidade é abalada quando a estrela da universidade local é criticada por ser heterossexual. Não, não se trata de engano, é a contra mola que, apesar de não resistir, bagunça o correto, para recordar-me de uma expressão já em desuso, de há muito. Uma jovem garota sofre bullying por ter uma queda por um menino na escola. À medida que as personagens únicas interagem e suas vidas colidem, também temos uma olhada nos efeitos de outros casos de bullying e perseguição, cada um retirado de experiências do chamado mundo real, incluindo: Um jurado de fraternidade acima do peso é submetido a trotes traumáticos por causa de seu tamanho. Um professor é demitido por selecionar um sujeito pró-tolerância para a peça escolar de seus alunos. Um líder religioso e figura da comunidade abusa da religião para apoiar o ódio e a violência (com base na Igreja Batista de Westboro). Na sequência destes incidentes, as pessoas da cidade são forçadas a considerar a dolorosa experiência do bullying e os resultados drásticos da intolerância. Este filme é baseado no curta-metragem viral de mesmo nome, que organicamente ganhou mais de 40 milhões de visualizações online internacionalmente desde 2012. O filme de Kim Rocco Shields retrata uma realidade alternativa onde a heterossexualidade é um tabu social. Os "criadores" são denegridos, mesmo os orgulhosos com adesivos rosa e azul em seus carros, assediados diariamente, constantemente informados de que estão indo para o inferno e têm estilos de vida nojentos, pecaminosos e sujeitos à violência. A personagem principal, Ashley, é uma jovem que fica horrorizada ao perceber que se sente atraída por meninos. O mundo deste filme é aquele em que a família nuclear perfeita é composta por duas mães ou dois pais, e qualquer criança que ouse sonhar com um futuro que pareça diferente deste corre o risco de um bullying impiedoso. Não, de novo, não há enganos aqui, há propósitos! Como você provavelmente pode adivinhar, pela minha descrição até agora, este filme carrega algumas mensagens pesadas sobre bullying e suicídios com motivação sexual, mas o fato de a história se passar em um universo alternativo de alguma forma permite que o filme não saia como nem pregação e nem mão pesada! Ou seja: a maneira como a escritora Kim Rocco Shields pensa colocar todo espectador heterossexual no lugar de uma criança vítima de bullying é absolutamente brilhante, e me deixou ansioso para que esse filme fosse exibido em escolas de todos os lugares. Será? Shields fez o filme há alguns anos, no início da campanha "It Gets Better de Dan Savage", para ilustrar para adultos confusos porque tantos pré-adolescentes e adolescentes LGBTQIA+... estavam cometendo suicídio depois de serem impiedosamente intimidados. Antes de mais nada, é importante reconhecer que o vídeo retrata (des)apropriações problemáticas da identidade queer e retratos pouco representativos apenas de pessoas brancas de classe média. Ainda assim, é benéfico porque coloca a opressão baseada na sexualidade em uma lente diferente – uma para o opressor se relacionar. Não acredito que o público-alvo do vídeo seja a multidão queer lutando por agenda queer e igualdade, mas sim não-queers que duvidam da mudança. O filme defende implicitamente questões como a igualdade no casamento e põe em causa o ódio. Embora infelizmente extremos e dramáticos, os temas comuns do bullying e da percepção da diferença se desenrolam para destacar os opositores da agenda queer e seus atos e ditos injustificados e prejudiciais. Há perfeição, certamente não! mas é um dos filmes mais potentes que vi nos últimos dez ou quinze anos...recomendadíssimo...
Com seu drama envolvente de um jovem gay enfrentando os desafios de amadurecer na Guatemala urbana, "José", de Li Cheng, também se destaca por representar outro ramo do cinema: filmes que combinam os objetivos da etnografia e do drama, em que um cineasta mergulha em uma cultura estrangeira e molda uma história para ilustrar as descobertas que ele faz lá. Embora esse subgênero remonte pelo menos a clássicos de Robert Flaherty, como "Nanook of the North" e "Man of Aran", ele viu alguns novos praticantes notáveis surgirem na última década, vários dos quais se mostraram particularmente impressionantes. Em filmes como "Stop the Pounding Heart" e "The Other Side", o cineasta italiano Roberto Minervini mergulha em subculturas marginais no sul dos EUA de maneiras que são provocativas e perspicazes e que, como Flaherty, essencialmente usam pessoas reais para interpretar versões pouco ficcionais de si mesmas. A cineasta chinesa Chloe Zhao faz o mesmo pela cultura nativa dos EUA de Dakota do Sul em "Songs My Brother Taught Me" e "The Rider", este último uma conquista artística muito forte. Embora o brilhante "I Am Another You" de Nanfu Wang seja mais estritamente um documentário, ele se assemelha aos filmes de Zhao ao examinar certas vidas estadunidenses de maneiras que sugerem a incisividade poética da grande literatura. Adicione Li Cheng a esta lista e é quase inevitável perguntar se esse híbrido "etnico e fictional" é especialmente (ou está se tornando rapidamente) uma coisa chinesa. E já me arrisco a responder que não! Como Zhao e Wang, Cheng é um nativo da China que viajou pelo mundo e que foi educado nos EUA. Depois de obter um PhD em pesquisa do câncer na Rutgers, ele estudou cinema na New York Film Academy (embora agora um cidadão dos EUA, ele foi chamado de "nômade mundial" e atualmente está baseado no Brasil). Ele e seu parceiro de escrita / produção George F. Roberson começaram a fazer "José" de uma maneira incomum que se relaciona com os objetivos e resultados do filme. Preocupados com a forma como os latino-americanos estavam sendo demonizados em certas áreas da sociedade estadunidense, eles visitaram 12 países da região e entrevistaram centenas de jovens sobre suas vidas, fazendo três perguntas em particular: Quem é a pessoa mais importante em sua vida, qual é sua memória mais inesquecível e você já esteve apaixonado? As notas de imprensa do filme não dizem se os cineastas se propuseram a se concentrar em um jovem gay ou se a ideia surgiu durante suas pesquisas, mas o conceito permite que eles olhem para várias áreas da vida guatemalteca representadas por três locais diferentes, onde observamos José (Enrique Salanic), de 19 anos, durante os estágios iniciais da história. Local um, casa, é um apartamento pobre, mas arrumado, onde o menino mora com sua mãe (Ana Cecília Mota), uma religiosa que se preocupa com seu filho. Local dois, trabalho, é um restaurante onde José solicita e entrega refeições na calçada, trabalhando ao lado de um chefe rude e um jovem casal que está romanticamente envolvido. Local três, que podemos chamar de intimidade, é sua prática solitária de buscar sexo usando um aplicativo de namoro. A maneira como este Cheng introduz esse elemento da história é tipicamente casual e discreta. Em uma cena, José está na rua olhando para o telefone. No próximo, ele está em um apartamento com outro cara nu, limpando depois do sexo e mentindo para sua mãe no telefone sobre por que ele está atrasado. Essa existência de três cantos talvez seja típica de muitos jovens gays em todo o mundo, mas a versão de José dela logo é abalada por algo novo: o amor. Ele conhece Luis (Manolo Herrera) da maneira habitual. Depois que o aplicativo os conecta na rua, eles vão para uma sala paga por hora e ficam carnais. (As cenas de sexo do filme são francas, mas sutilmente naturalistas.) Embora a atração física seja obviamente mútua, os dois rapazes se conectam de uma maneira mais profunda assim que começam a conversar. Vindo de uma cidade no Caribe, Luis está na Cidade da Guatemala trabalhando na construção civil e morando com sua mãe e dois irmãos. Ele e José têm muito em comum, e as coisas que os separam não são facilmente aparentes quando eles se rendem à primeira onda de romance, saltando juntos pela cidade, comendo em food trucks, assistindo a procissões religiosas e fogos de artifício e, um dia, pegando emprestada uma moto para uma fuga lírica para o campo. Declarar seu amor por cada um logo depois, no entanto, não cimenta seu vínculo tanto quanto revela os fatores que o frustram. Luís não gosta da cidade e quer voltar para a sua cidade natal, onde promete construir uma casa onde ele e José possam viver até construírem uma maior. Ele considera José egoísta por resistir a essa oferta atraente, mas José está muito ciente de que sua mãe, ao contrário de Luis, não tem outros filhos para cuidar dela. Como ele pode sair? Após esse ponto médio, o resto do filme lida com o resultado do dilema que os jovens enfrentam. Não vou dizer nada sobre como a história progride, exceto para notar que uma das coisas que eu mais gostei em "José" é como seu final se recusa a resolver seus problemas dramáticos de qualquer uma das maneiras usuais e convencionais. Em certo sentido, é uma conclusão que pergunta se o espectador pode encontrar satisfação em um reconhecimento lúcido das muitas insatisfações que a vida e o amor oferecem. No entanto, as satisfações de "José" como um todo são consideráveis, e começam com o elemento humano. Como os clássicos neorrealistas italianos dos quais descende, o filme tem um grande apreço pela vida das pessoas que mantêm uma dignidade teimosa e se resolvem sob os desafios da pobreza e outras dificuldades. Enquanto as personagens do filme são todas realizadas por performances finamente afinadas, uma menção especial deve ser feita a Salanic por seu trabalho complexo e verdadeiramente soberbo como José. O filme também merece elogios pela eloquência de seu estilo. Cheng e o diretor de fotografia Paolo Giron têm um talento especial para nos dar a sensação do lugar por meio de sua observação cuidadosa da luz em vários momentos do dia. E Cheng – que admite a influência de Hou Hsiao-hsien – habilmente retorna repetidamente a certas composições, por exemplo, da esquina onde José faz seu trabalho e outra onde ele espera por Luis, de maneiras que nos lembram da tensão entre solidez e mudança que subjaz a essa história e ao lugar que ela evoca. Quanto a esse lugar e por que ele escolheu a Guatemala em vez dos outros 11 países que estudou, Cheng disse: "É o maior país da América Central (uma região há muito negligenciada internacionalmente), a população está crescendo rapidamente e metade tem menos de 19 anos ... É um país de climas extremos e paisagens dramáticas e diversidade, uma terra de vulcões e a constante ameaça de terremotos. Também está repleto de corrupção política e desigualdade e, ao mesmo tempo, é um país muito religioso, com igrejas evangélicas e católicos competindo abertamente. A Guatemala tornou-se um lugar cada vez mais violento e perigoso, onde mais da metade das pessoas vive na pobreza. De fato, a maioria das crianças separadas de seus pais e trancadas em gaiolas semelhantes a cães no Texas (chocando as pessoas em todo o mundo) são guatemaltecas, não mexicanas, como é frequentemente alegado. É, inegavelmente, uma aula de antropologia e de cinema...nós brasileiros, arrisco, desconhecemos nosso irmão de continente, e esse filme mostra que eles existem e nos falta dados...é um dos melhores filmes que vi em 2023; indico fortemente, dado que a temática ultrapassa a questão sexual, é muito mais profundo!
Este filme definitivamente não é para os fracos de coração e realmente requer várias visualizações para que se entenda a história. Muita nudez, violência, cenas pseudo-religiosas e sexo BDSM explícito abundam. Ke é um jovem aspirante a ator que cai em um hedonismo, envolvendo-se em trabalho sexual e em pornografia. O filme é contado de uma maneira não linear, por isso pode demorar um pouco para que as coisas se encaixem. Embora o diretor tenha dito que escolheu 30 como um marco significativo na vida de um homem, isso não foi bem transmitido. Em vez disso, a idade se torna bastante arbitrária - ele poderia ter dito 21 ou 25 anos e isso não teria feito a diferença, eu sinto. Embora ele force um estilo de vida depressivo e hedonista de jovens gays, foi muito superficial e poderia ter sido mais bem explorado em vez de ter paus na tela. Honestamente, é uma oportunidade confusa, mas não perdida, porque o que está aninhado nessa confusão de um potencial poderia ter sido um olhar severo e honesto sobre os desafios e desejos de um jovem gay enquanto ele transita de seus 20 para seus 30 anos em meio à devassidão do trabalho sexual em que ele se envolve, lidando com pressões religiosas, familiares e sociais. Infelizmente, temos algumas pseudo bruxas, homens nus e violência, com apenas algumas referências fugazes à sociedade e à família. Há uma sensação de fatalismo aqui, quando Yang Ke se lembra de sua infância, criada por sua mãe solteira (Miao) e Yin, que previu seu futuro. Como uma história sobre o sem sentido do livre-arbítrio, o filme parece indulgente, especialmente porque implanta algumas imagens católicas e budistas pesadas e, também, como Scud tenta tão diligentemente torná-lo artístico e pornográfico. Mas o fato de que ele está lidando com questões tão pesadas de uma maneira criativa e provocativa faz com que seja um filme que vale a pena assistir.
"A imagem de um paraíso socialista é falsa, falsa porque é estática. O que é belo na vida é movimento, desenvolvimento, mudança, parte de um padrão de transição do qual eu participo." afirmou o diretor. Krzysztof Zanussi é um cineasta cuja reputação crítica diminuiu significativamente nos últimos 25 anos. Este declínio coincidiu com a queda do comunismo na Europa Oriental e um ambiente de produção cinematográfica radicalmente alterado na Polônia. Zanussi continuou a fazer trabalhos que abordam sérias preocupações morais, filosóficas, sociais e intelectuais, mas esses filmes raramente corresponderam à intensidade encontrada em sua produção do final dos anos 1960, 1970 e início dos anos 1980. Mas mesmo esses filmes anteriores, uma vez celebrados, passaram para uma relativa obscuridade desde o início dos anos 1990. Como em muitos dos filmes de Zanussi dos anos 1970 e início dos anos 1980, Vida Familiar contrasta os mundos do trabalho e do intelecto (e da lógica) com as realidades mais confusas da vida cotidiana, emoções e relacionamentos pessoais. Mas o filme de Zanussi está preocupado principalmente com a questão das origens e nossa incapacidade de nos libertarmos total ou verdadeiramente de nosso passado, educação e composição genética. Por exemplo, Wit está relutante em voltar "para casa" porque ele tem procurado ativamente rejeitar seu passado e família, bem como as responsabilidades ligadas a tais relações familiares e explicitamente filiais. Mas mesmo aqueles momentos que o mostram ativamente protestando contra as alegações tardias de seu pai sobre sua presença e consideração – e a hostilidade entre os dois não é apenas palpável, mas claramente metodicamente definida – geralmente agem para destacar suas conexões e semelhanças gestuais, emocionais, intelectuais e até emocionais. Ao fazê-lo, o ambiente físico e emocional da Vida Familiar apresenta uma metáfora apropriada, embora sobrecarregada, para a inevitabilidade da história polonesa do século XX – o presente como um palimpsesto de momentos passados. Excelente filme!
Gregor é um jovem soldado que entra na Alemanha com as tropas soviéticas vitoriosas no final da Segunda Guerra Mundial. Mas ele também é filho de alemães de esquerda que fugiram de Hitler e passaram a guerra na União Soviética. Como resultado, seu retorno à Alemanha é ambivalente; ele descobre que é um estranho em sua própria terra. Quando eles entram na Alemanha, Gregor começa a perceber que ele é diferente de todos os seus camaradas de armas, pois esta terra derrotada é seu país de origem, os alemães que ele encontra são seus compatriotas. Ele é um vencedor, mas também um dos vencidos. Ele tenta entender os alemães que encontra ao longo de seu caminho, mas ele é um jovem de 19 anos: curioso, ocasionalmente incompreensível e repetidamente consternado com as atrocidades e mentiras que encontra. Talvez eu seja rigoroso demais, mas eu sempre incomodo-me com as tentativas de ver humanidade onde não há e ver beleza onde jamais terá...de toda forma não me comovo com essa temática, apesar de reconhecer uma certa validade na procura do eu entre os outros e dos outros em mim...regular, diria!
Parece não ser à toa que a história se passe em Christianna; em nome do pai, do filho e do espírito santo, apague os que tem fome, pois deles não serão nem o reino da terra e nem, tão pouco, do Céu!
Dominik é o produto de um casamento impulsionado pelo sucesso entre o empresário Andrzej e a CEO Beata. Faltando apenas 100 dias para os exames finais da escola, Dominik está no alvo para se formar com as melhores notas e entrar na melhor universidade. No entanto, 100 dias para ir ainda são 100 dias para se adequar às regras sociais da escola. Por meio de uma série de eventos humilhantes envolvendo outro colega de classe do sexo masculino, o mundo de Dominik desmorona. Ele vê os comentários on-line que seus colegas de classe estão fazendo sobre ele em várias redes sociais. Assustado com o pensamento de voltar à escola, ele foge da vida real e entra no mundo virtual. Envolto em seu avatar, Dominik conhece Sylvia, uma aspirante a suicida que não deixa este mundo há anos, e se junta a seus amigos na "Sala do Suicídio". Sylvia o atrai para um jogo perigoso. O jogo fica fora de controle, pois a Sala do Suicídio serve mais para chocar o mundo exterior do que para confortar e curar. Logo Dominik se esforça para decifrar o que é real à medida que experiências virtuais comuns sangram perigosamente em realidade. Não só as vidas daqueles ao seu redor se tornam ameaçadas, mas a própria vida de Dominik está em grave perigo. De todos os belos temas da arte global, sempre fui muito inspirado pelo amor durante a puberdade. Não foi diferente durante a produção de Suicide Room, diz o diretor, onde o amor, a puberdade e a rebelião se entrelaçaram com a histeria das comunidades da internet, o vício em ilusão, a obsessão desenfreada por outra pessoa, possibilidades perigosas ilimitadas e, de fato, mortais de criação de automóveis no mundo virtual e, na verdade, um grande anseio por amor. Nossa equipe buscou inspiração principalmente em As Dores do Jovem Werther, de Goethe, e Hamlet, de Shakespeare – em ambos os casos, essas criações, quando confrontadas com o mundo digital, assumiram um significado novo e muito moderno. Werther é um garoto cujos sentimentos por uma garota o levam à loucura, e Hamlet é um jovem que coloca uma máscara de loucura para começar um jogo muito perigoso com todos ao redor - ambas as atitudes descrevem a personagem principal de Suicide Room - Dominik, um representante de nossos tempos. Em um mundo onde todos aprenderam a expressar suas necessidades e lutar por si mesmos e todos sabem falar, nem todos querem ouvir. Como resultado dessas transformações insanas, o homem moderno está sozinho e em paz com a solidão. Um homem que se mata como uma vítima de suicídio, todos os dias, pouco a pouco, por solidão e falta de amor, mas que está ocupado demais para perceber isso. Como se acredita, almas de suicidas vagam pela Terra, em busca de consolo. "Suicide Room" é um hino para todos aqueles que se matam todos os dias, um hino sobre parar por pouco tempo e ouvir, já que isso poderia deixar alguém viver por pelo menos um segundo a mais. O suicídio é um ato personalíssimo, creio, e talvez por isso temos dificuldade de entender...a era da alta tecnologia e suas interações talvez tenha mudado a forma de manifestação de maus e bons agouros, como saber por onde ir?
A coisa mais corajosa sobre "Trust", de David Schwimmer, é que ele não tenta simplificar. Conta a história de uma menina de 14 anos e um pedófilo como uma série de repercussões em que o estupro é apenas a primeira, e possivelmente não a pior, tragédia a atingir sua vítima ingênua e vulnerável. É fácil imaginar como essa história poderia ter sido explorada e emburrecida. Em vez disso, trabalha com inteligência e simpatia. "Confiar" não oferece soluções calmantes. Annie sobreviverá, mas foi prejudicada talvez mais pelas consequências do que pelo estupro em si. O filme é impiedoso ao retratar os métodos pelos quais os predadores pedófilos operam; Charlie é a personificação do mal. Mas a sociedade carece de simpatia instintiva e tato por Annie, e a sociedade não deve ser má. Catherine Keener faz um trabalho caloroso e discreto de amar e confortar sua filha, mas isso não é suficiente – não quando seu marido se preocupa mais com a vingança do que com a cura; faz pensar e isso é muita coisa!
A depressão é uma realidade incomoda e complicada...o filme é uma boa discussão bastante crível; exatamente porque ainda me parece uma doença misteriosa, e eu nem sei mesmo se devemos chamar de uma única doença; parece-me que há infinitas formas de manifestação...
Em 1945, a artista Susanne Wallner (Hildegard Knef) retorna a Berlim depois de passar três anos em um campo de concentração. Sua energia, a que restou pós trauma é confrontada com uma realidade que a leva a pensar sobre qual o sentido de tudo; chegando ao seu antigo apartamento, descobre que o Dr. Hans Mertens (Ernst Wilhelm Borchert) passou a residir lá. Um médico e ex-oficial alemão, Mertens é assombrado pela execução de civis poloneses durante a guerra, que ele não fez nada para impedir. Sob os cuidados de Susanne, o homem quebrado reúne novas forças. Então, por acaso, Mertens conhece seu ex-capitão (Arno Paulsen) e decide tomar a lei em suas próprias mãos. Os filmes têm isso também, há a licença poética e a imaginação, que nem sempre faz lógica com o que pensamos. The Murderers Are among Us foi o primeiro filme feito na Alemanha após a Segunda Guerra Mundial e desde então se tornou um clássico. Foi apoiado pelos aliados soviéticos e produzido pelo recém-fundado DEFA Studio. Seu estilo film noir combina com sucesso o expressionismo alemão com uma afinidade impressionante com o neorrealismo italiano. O filme compartilha o foco do neorrealismo nas filmagens e uma atenção às rotinas da vida cotidiana, mas coloca mais ênfase em uma abordagem psicológica que também acena para os filmes expressionistas da era Weimar – examina a culpa alemã, o trauma, a repressão psicológica de crimes cometidos por pessoas comuns e a necessidade de aceitar a responsabilidade, intento que, a meu ver, não teve sucesso! O filme, de alguma maneira, retrata um pedido de perdão ao mundo, coisa que de fato ainda falta ao Estado Alemão...
Em seu primeiro longa-metragem, Evald Schorm desenhou o retrato de um homem enfrentando suas próprias limitações, em valores e intenções pessoais. Schorm co-escreveu o roteiro com Antonín Máša. Como o filme deveria ser sobre a juventude de uma cidade pequena, Máša começou a visitar escolas, residências estudantis e vários locais de trabalho, além de conhecer membros da polícia de Segurança do Estado especializada em delinquência juvenil. Nos anos de 1960 a Tchecoslováquia estava sob o regime soviético e a primavera de Praga era uma tormenta! Durante esta pesquisa, Máša viu um funcionário da Juventude Socialista popular em uma das fábricas. Ele encontrou na sua vida uma história tão interessante que ele e Schorm decidiram basear o roteiro emergente no funcionário. A primeira versão do roteiro foi concluída no outono de 1962. No entanto, demorou mais de um ano e mais seis versões do roteiro até todos os envolvidos – Máša e Schorm, bem como o roteiro do Barrandov Studio editores – ficou feliz com a versão final, concluída em dezembro de 1963. Jarda Lukáš (Jan Kačer), um ex- O funcionário do Movimento da Juventude Socialista, udarnik ("trabalhador de choque") e membro do Corpo de Segurança Nacional, tinha sido dedicado a ideais comunistas. Na nova era em que vive, o culto à personalidade não é mais possível e os mitos que surgiram após o golpe de Estado checoslovaco de 1948 foram dissipados. Jarda percebe que as palavras em que ele costumava acreditar não carregam mais o seu peso anterior. Ele não acha, no entanto, que tenha cometido um erro. Em vez disso, ele vê seus amigos e a sociedade como equivocados. As pessoas ao redor de Jarda não compartilham suas crenças nem o apoiam ou o entendem. Ele se sente profundamente alienado, uma vez que, em sua opinião, os propósitos do trabalho e da existência humana são unidos. Os rostos dogmáticos socialmente engajados na crise política e pessoal forçando-o a procurar – a procurar uma ancoragem, para um lugar próprio no mundo em constante mudança, com o propósito da existência, por uma razão para continuar lutando apesar de suas dúvidas, desconfiança e perda de qualquer rede de suporte. Como em outros filmes de Schorm, a crise de um indivíduo reflete a crise da sociedade como um todo. O drama não esquemático não oferece nenhuma solução inequívoca para a luta do protagonista. É por isso que alguns dos espectadores criticaram o filme por apenas retratar a "vida real", mas não da maneira como as pessoas deveriam viver, como tinha sido a norma com os filmes do trabalho ambiente. Sim, é de pasmar! Coragem para Todos os Dias (Každý den odvahu) é uma reminiscência dos documentários de Schorm, não só graças ao tema existencialista, mas também graças ao estilo observacional não moralizante, também aplicado por outros diretores de sua geração, como Milos Forman e Ivan Passer, embora com com um efeito diferente e com uma visão mais desprendida. No entanto, enquanto o filmes desses diretores mostram estilos característicos próprios, é principalmente de Shorm o interesse pela sociedade contemporânea, as questões éticas e a amargura, provocando não só com a representação contundente da tragédia interior de um indivíduo, mas também com muita nudez, violência e discurso informal, a baixa participação decorreu da distribuição limitada. É um dos filmes mais valiosos da Nova Onda da Tchecoslováquia graças ao Shorm's intransigente e com penetrante olho crítico. Uma joia rara da cinematografia mundial!
Adaptado do livro homônimo e autobiográfico de Annie Ernaux, é um verdadeiro choque e um dos grandes tapas recentes do cinema francês. Tão pungente que seria capaz de afirmar que marca um certo renascimento de cineastas eternos...Com inteligência, o longa-metragem começa com uma certa leveza em uma noite com os amigos. Anne dança, canta e flerta livremente, feliz e realizada. Ela é uma aluna estudiosa e brilhante, cujo futuro como acadêmica e futura professora parece estar todo traçado em vista de seus resultados de estudos. Mas, de repente, quando tudo parece sorrir para ele, a narrativa se transforma completamente em drama social. Muito rapidamente, a heroína (interpretada pela soberba Anamaria Vartolomei) descobre que engravidou. Temendo que ela tenha que traçar uma linha sob seus sonhos profissionais, ela quer abortar, se livrar dessa "doença que só afeta as mulheres" e, especialmente, "transformá-las em donas de casa" (até aqui eu a estava considerando inteligente!). Uma corrida contra o tempo sob tensão, que nunca vai parar, então começa para a jovem. De uma forma muito relevante, a narração também contará com o andamento das semanas, como um contador pressionado. Porque sim, em tal situação, a jovem Anne vive apenas pensando em sua gravidez indesejada. Os dias já não existem e só contam essas semanas, que, como minutos na sua mente monopolizados por esta progressão (que todos no conhecimento lhe dizem que é inexorável), irá cada vez mais excluí-lo e solitá-lo (um trabalho sonoro impressionante para colocá-lo numa quase-bolha). Um isolamento que capta na perfeição a câmara de Audrey Diwan. A encenação é, de fato, um dos pontos fortes do longa-metragem. Filmado no ombro em um quadro muito apertado (4:3), o longa-metragem bloqueia permanentemente sua heroína com seu estilo muito sóbrio e meticuloso. Extremamente imersiva, a câmera nunca solta sua protagonista, sempre filmando-a em sua altura para melhor examinar seu rosto, seu olhar, sua respiração e, assim, transmitir cada uma de suas emoções aos espectadores, desde sua angústia até seu nervosismo através de seu medo e dor. E quanto mais o filme progride, mais o quadro parece se fechar em Anne, sufocando-a mais perto dela, abraçando-a até que ela perca o fôlego, sua vivacidade, sua vida. Esta encenação, composta principalmente de sequências seguindo o aluno, é uma reminiscência do excelente filme de László Nemes: Filho de Saul. E provavelmente não é insignificante que Audrey Diwan tenha escolhido um dispositivo tão imersivo para contar a história de Anne. É isso que eleva um pouco mais o trabalho da direção. Se sua precisão é desconcertante na encenação, seu filme nunca chega a ter um tom moralizante. Pelo contrário, ao ser capaz de sempre olhar para o seu assunto no auge de sua heroína, como um olhar em seu ombro, a câmera simplesmente faz a observação edificante de tal situação. Com exceção de uma cena muito furtiva que pode virar o olho, o filme nunca tenta chocar visualmente, sempre preferindo o implícito e o sugestivo. E a lógica é óbvia. O verdadeiro horror de que o público é forçado a olhar diretamente nos olhos, e isso deveria ser visível para todos, está em outro lugar. Ela se encontra no sofrimento e na angústia dessa jovem determinada e corajosa, e ainda assim tão solitária diante desse pesadelo e com um olhar inocente tão em pânico nos últimos momentos do filme. Emocionante. Filmão!
Que coisa, não? a qualidade do ser humano é ter um repertório bastante criativo para resolver, ultrapassar, esconder, escancarar e, ao final, tratar os seus problemas!
Como quase tudo no mundo, o estupro também é algo que representa as classes sociais! se o estuprador é rico, ele é acusado, se ele é pobre é bandido; assim, pendularmente, os movimentos vão se construindo...o filme é bonzinho, mas nada de muito especial!
O tema é estrondoso e grandemente interessante: os direitos civis, os direitos humanos e a alteridade; mas a solução é muito real, o que incomoda. Um retrato clarividente da -sociedade dos Estados Unidos. Por que uns sem-teto incomodam tanto? arrisco dizer: porque estão fora de seu lugar! sem teto tem de viver na rua, e no frio, nos abrigos a eles destinados, fora disso, que morram! essa é a norma, não pense nada fora disso! Não é diferente de qualquer outra cidade ao redor do mundo; se você é um sem-teto você é um perdedor e nada merece! a solução é tola, mas faz, de alguma maneira, pensar; obviamente se alguém quiser fazer isso!
O filme é a continuação de Gillo Pontecorvo para "A Batalha de Argel" (uma visão sobre a guerra de independência da Argélia - no final dos anos de 1950), é mais falado do que realmente assistido. Ao contrário de "Portal do Paraíso", Queimada – é um filme legitimamente ótimo, mas, como Heaven's Gate, sua distribuição foi fracassada. Em primeiro lugar, existem duas versões. Há a versão truncada, 102 minutos em inglês, a única amplamente disponível, e a versão completa tem cerca de 130 minutos. Pouco antes de morrer, Pontecorvo restaurou todas as cenas que faltavam, mas, como ele havia perdido o áudio original, ele o re-dublou em italiano, essencialmente destruindo o desempenho de sua estrela Marlon Brando. O culpado em todo o fiasco foi ninguém menos que o Generalíssimo Francisco Franco. Alguns anos antes, a distribuidora de Pontecorvo, Columbia, havia lançado um filme sobre a Guerra Civil Espanhola chamado Behold A Pale Horse. Isso enfureceu tanto o ditador espanhol que ele decidiu bloquear todo o catálogo da Columbia. Respondendo à pressão, Pontecorvo reescreveu o roteiro para tornar os vilões portugueses e não mais espanhóis. Portugal é um mercado muito menor. Ele também cortou todas as cenas potencialmente ofensivas do lançamento original nos cinemas em 1969. Se Charles De Gualle segurou a Batalha de Argel por 5 anos, Francisco Franco conseguiu massacrar Queimada antes que ela fosse feita. Para obter o efeito completo do Burn, você provavelmente precisa ver as duas versões. Dito isto, enquanto o lançamento italiano completo não está disponível, ainda acho que vale a pena assistir a versão em inglês, atualmente no Youtube. Embora tenha lacunas na trama que podem deixar você coçando a cabeça, você também terá o efeito completo da performance de Marlon Brando em inglês. Não só Burn é um comentário indispensável sobre A Batalha de Argel, mas nenhuma quantidade de edição incompetente pode tirar seu impacto visual, ou de sua política descaradamente revolucionária. Se A Batalha de Argel é uma obra-prima totalmente realizada, então seus últimos cinco minutos às vezes podem ser confusos. Por que o filme dramatiza uma vitória tática e militar do imperialismo francês e, no entanto, termina com uma nota triunfal, a vitória estratégica do nacionalismo revolucionário argelino? Burn nos diz o porquê. A vitória da Frente Argelina de Libertação Nacional dependia de o povo francês ter um limite, de não estar disposto a cruzar a linha do genocídio, da ideia de que eles poderiam olhar para si mesmos, perceber que, ao abraçar a tortura, eles se tornaram os nazistas e sentiriam mais vergonha. Mas o que acontece quando os imperialistas não têm fundo, quando são incapazes de vergonha? O que acontece quando eles não são uma nação, mas uma corporação? Burn nos dá a resposta. Burn se abre a bordo de um navio que entra em uma ilha nas Pequenas Antilhas - Queimada - um composto entre Guadalupe e Haiti (com talvez um pouco de Vietnã jogado para uma boa medida). William Walker, um revolucionário profissional, agente provocador e agente do almirantado britânico, está de pé no convés com o capitão do navio, que está lhe dando uma breve lição de história. 300 anos antes, os portugueses encontraram uma resistência tão dura da população indígena que recorreram ao genocídio e à destruição ambiental, queimando toda a vegetação da ilha, extinguindo os nativos e importando escravos negros da África. As rochas brancas nuas visíveis enquanto navegam para o porto brilham ao sol porque ainda são compostas pelos ossos queimados dos mortos, dando à ilha o seu nome, "Queimada", ou "Queimadura". Eventualmente, Queimada se recuperou, tornando-se um exportador de açúcar tão lucrativo e baseado em escravos que o governo britânico agora quer um pedaço dele. O trabalho de William Walker é fomentar uma rebelião contra os portugueses entre os escravos e organizar os brancos e mulatos, os plantadores e latifundiários, em uma república disposta a dar concessões comerciais à Grã-Bretanha e à Royal Sugar Company. Ele consegue, ensinando um ex-escravo e carregador de bagagem chamado José Delores, interpretado pelo não-ator Evaristo Márquez, a ser um general revolucionário e campeão popular, um personagem muito claramente destinado a evocar Toussaint Louverture e a Revolução Haitiana. Ele também convence os crioulos da ilha, a elite branca, de que uma economia de trabalho assalariado é melhor do que uma economia escrava. É melhor pagar por uma prostituta por hora do que sustentar uma esposa. Ele escolhe um líder nacionalista, Teddy Sanchez, um fantoche elegante que, como Barack Obama, se enfurece em generalidades brilhantes sem substância, e o empurra para assassinar o governador colonial português – literalmente segurando a arma em sua mão e apontando-a para ele – o sinal para uma insurreição geral no Capitólio, e o coloca como o primeiro presidente da República independente de Queimada. Dez anos depois de uma missão malsucedida na Indochina – "um lugar de que nenhum de vocês ouviu falar" – Walker retorna a Queimada, desta vez não como um agente do governo britânico, mas como um agente da Royal Sugar Company, e desta vez não para provocar uma rebelião, mas para reprimi-la. Enquanto Teddy Sanchez ainda é presidente e ainda é um fantoche complacente, José Delores revelou-se um revolucionário genuíno, um tribuno incorruptível do povo que não pode ser comprado nem intimidado a cometer o mesmo erro duas vezes. Walker já o havia convencido a desmobilizar seu exército. Delores organizou um exército de guerrilha na alta serra, vivendo entre aldeões empobrecidos que, de acordo com Walker, são revolucionários naturais porque não têm nada a perder. Ele é, em suma, uma ameaça não apenas para o governo crioulo e fantoche, mas para os resultados da Royal Sugar Company. Acho que nunca fiquei mais feliz em ver alguém levar uma faca no intestino do que eu estava depois de ver William Walker receber suas sobremesas. Mas há esperança no final de Queimada, ou o filme é incessantemente sombrio? José Delores mostra-se genuinamente incorruptível, indo calmamente para a morte em vez de escapar e denunciar a revolução. "O fogo não destrói tudo", diz ele a um de seus guardas. "Uma folha de grama, de esperança, sempre permanecerá. Algum dia o homem branco morrerá em seu próprio fogo." Talvez sim. Mas será que ele vai levar o resto do mundo com ele? A nossa resposta ao aquecimento global não tem sido encorajadora.
Leonera
3.8 68 Assista AgoraJulia acorda em seu apartamento em Buenos Aires, capital da Argentina. O local está coberto de sangue e no chão estão os corpos de dois homens. A jovem vai trabalhar em transe, e quando volta para casa toma conhecimento do que aconteceu pedindo ajuda. Um dos dois morreu, enquanto o outro, Ramiro, continua vivo. Julia é presa e acusada de assassinato. A jovem vivia com os dois homens, em uma relação conturbada, polêmica e estafante. Agora ela está grávida e decide dar à luz ao bebê, Tomas, na degradação de uma prisão. Até que sua mãe consegue a guarda e o tira do convívio com a mãe. A partir desse momento, Júlia terá apenas um objetivo: reencontrar o bebê. Um filme com cores fortes sobre maternidade e inocência que convive com a degradação do diretor, Trapero. O que, no entanto, talvez, e devido à coprodução, ou por envolver como protagonista a jovem esposa realmente grávida no momento das filmagens, parece incerto sobre a virada a ser dada à narrativa, acabando por misturar muitos planos e oferecer ao filme um final tão "participativo" quanto pouco crível em seu desenrola, e por isto mesmo muito genial. No entanto, o espectador permanece aos olhos da denúncia de um sistema prisional que simula a humanidade (a ala 'aberta' das mães) enquanto mergulha tanto as mulheres quanto seus filhos na perda progressiva de contato com a realidade externa.
Leonera encontra em Martina Gusman, uma atriz capaz de sustentar intensamente um papel difícil que poderia ser comparado, obviamente com as diferenças necessárias, com o interpretado por Crissy Rock em Joaninha Joaninha de Ken Loach. Como a Maggie daquele filme de 1994, Julia desperta a empatia do espectador "apesar de" sua personagem. Ou seja, somos progressivamente impelidos a tentar conhecê-la, a compreender seu sofrimento e suas razões. Entender por que ele acabou se encontrando nessas situações nos ajuda a avaliar suas ações subsequentes de forma diferente e nos lembra que se deveria ter andado alguns quilômetros no lugar de outras pessoas antes de fazer julgamentos radicais. De toda a sorte é mais um belo exemplo da qualidade absurda que o cinema argentino tem...recomendadíssimo!
Swan Lake: The Zone
3.6 2Viktor Solov'iov é o fugitivo; Liudmyla Yefymenko é a mulher - quase uma heroína sem saber refletir; Maia Bulhakova é a velha; Pylyp Illienko é o menino; Viktor Demertash é o guarda? Oleksander Danylenko é o companheiro de prisão e Serhii Povarov é o pequeno oficial. O enredo é baseado em uma história da realidade - talvez! - que era bastante comum nas prisões soviéticas. Um guarda prisional doa o seu sangue a um prisioneiro para transfusão. O preso sobrevivente é rejeitado por seus colegas de prisão porque seu sangue está, supostamente, "contaminado" com o sangue do mal. Sob a superfície da história, Illienko desdobra um panorama de um deserto espiritual que o império russo-soviético foi e a devastação que causou em seus súditos. O filme é o "J'accuse" de Illienko contra o sistema e, ao mesmo tempo, sua profecia sombria de seu fim iminente - estamos no final dos anos de 1980. A história é intrigante, e pode até nos trazer, como de fato traz, uma explicação, ainda que residual, do conflito entre russos e ucranianos…
Oppenheimer
4.0 1,1KUm dos sujeitos mais abomináveis do mundo, não vi e nem verei esse filme!
Clausura
3.4 317Aqui, a câmera de "Parkinson" é um pouco negligenciada, Zachary Donohue nos oferecendo para viver a maior parte da ação através de uma tela de computador. Um pouco como a desigual Megan Is Missing (Michael Goi – 2011) já havia feito. Assim, temos um cursor do mouse que anda, janelas que se abrem, alertas de mensagens, chamadas de webcam... Um conceito interessante que explora várias maneiras de colocar a trama em imagens. Esta é a grande força de The Den que evita cair, muito rapidamente, na preguiça e na facilidade. Se o cenário não for muito complexo e não fizer cócegas em seus neurônios, a imersão é tamanha que você rapidamente se envolve no jogo. O filme rapidamente consegue gerar uma verdadeira ansiedade aliada a uma reflexão sobre os perigos da internet (talvez muito exatamente porque não saibamos o que há nela, de fato. A conclusão é arrepiante e graficamente bastante violenta. Em pouco mais de uma hora, The Den consegue manter seu ritmo de forma brilhante e habilmente vai de uma introdução não desprovida de humor ao estabelecimento de um suspense formidável.
Zachary Donohue primeiro se diverte retratando o universo Chatroulette, com seu inusitado desfile de excêntricos e exibicionistas. Entre brincadeiras virais, pervertidos em ação e outras alegrias, toda a gama do que você já viu neste site de bate-papo pela webcam (não julgue inocente!) está representada. Em março de 2010, um vídeo gerou burburinho na web: internautas presenciaram o assassinato de uma morena charmosa por um assassino mascarado... Obviamente, foi um vídeo viral que os anunciantes transmitiram no Chatroulette para promover um canal de TV espanhol. Partindo da premissa de que o assassinato é real desta vez, The Den nos questiona sobre nossa relação com as imagens e nossa ignorância sobre os perigos da rede. Um pouco ingênua, Elizabeth rapidamente vê sua conta hackeada por uma pessoa potencialmente má. O filme toca em um assunto bastante sensível que vai conseguir nos dar suores frios ao longo da obra. A coisa toda não é saudável, e a personagem pelo qual começamos a simpatizar viverá uma provação. O que não ajuda a tornar a coisa toda menos ardilosa é certamente seu aspecto de found footage que reforça o realismo de forma opressiva e assustadora, e mesmo que a câmera às vezes tenda a tremer, ela sempre estará bem calibrada e tornará o melhor de suas cenas legível no momento certo. Um filme que certamente não nos deixará indiferentes, que nos mantém perfeitamente em suspense até sua reviravolta final que termina fechando essa história de forma tão simples, mas tão efetivo; há algo em certo sentido para nos surpreender por sua vez.
Love Is All You Need?
3.8 5Ambientada em um mundo onde a homossexualidade é a norma; Uma pequena cidade de Indiana, nos EUA, é abalada quando Jude, estrela do time de futebol americano universitário local, inicia um caso de amor com Ryan, um estudante de jornalismo esportivo. Quando o casal, heterossexual, é expulso, o poderoso líder religioso da comunidade inicia uma cruzada contra todos os heterossexuais. Bullying, preconceito e direitos humanos com uma reviravolta: imagine nosso mundo com a homossexualidade sendo a norma social e a heterofobia comum. Esse premiado e polêmico longa-metragem é chocantemente baseado em fatos - com uma perspectiva invertida: Uma cidade é abalada quando a estrela da universidade local é criticada por ser heterossexual. Não, não se trata de engano, é a contra mola que, apesar de não resistir, bagunça o correto, para recordar-me de uma expressão já em desuso, de há muito. Uma jovem garota sofre bullying por ter uma queda por um menino na escola. À medida que as personagens únicas interagem e suas vidas colidem, também temos uma olhada nos efeitos de outros casos de bullying e perseguição, cada um retirado de experiências do chamado mundo real, incluindo: Um jurado de fraternidade acima do peso é submetido a trotes traumáticos por causa de seu tamanho. Um professor é demitido por selecionar um sujeito pró-tolerância para a peça escolar de seus alunos. Um líder religioso e figura da comunidade abusa da religião para apoiar o ódio e a violência (com base na Igreja Batista de Westboro). Na sequência destes incidentes, as pessoas da cidade são forçadas a considerar a dolorosa experiência do bullying e os resultados drásticos da intolerância. Este filme é baseado no curta-metragem viral de mesmo nome, que organicamente ganhou mais de 40 milhões de visualizações online internacionalmente desde 2012. O filme de Kim Rocco Shields retrata uma realidade alternativa onde a heterossexualidade é um tabu social. Os "criadores" são denegridos, mesmo os orgulhosos com adesivos rosa e azul em seus carros, assediados diariamente, constantemente informados de que estão indo para o inferno e têm estilos de vida nojentos, pecaminosos e sujeitos à violência. A personagem principal, Ashley, é uma jovem que fica horrorizada ao perceber que se sente atraída por meninos. O mundo deste filme é aquele em que a família nuclear perfeita é composta por duas mães ou dois pais, e qualquer criança que ouse sonhar com um futuro que pareça diferente deste corre o risco de um bullying impiedoso. Não, de novo, não há enganos aqui, há propósitos! Como você provavelmente pode adivinhar, pela minha descrição até agora, este filme carrega algumas mensagens pesadas sobre bullying e suicídios com motivação sexual, mas o fato de a história se passar em um universo alternativo de alguma forma permite que o filme não saia como nem pregação e nem mão pesada! Ou seja: a maneira como a escritora Kim Rocco Shields pensa colocar todo espectador heterossexual no lugar de uma criança vítima de bullying é absolutamente brilhante, e me deixou ansioso para que esse filme fosse exibido em escolas de todos os lugares. Será? Shields fez o filme há alguns anos, no início da campanha "It Gets Better de Dan Savage", para ilustrar para adultos confusos porque tantos pré-adolescentes e adolescentes LGBTQIA+... estavam cometendo suicídio depois de serem impiedosamente intimidados. Antes de mais nada, é importante reconhecer que o vídeo retrata (des)apropriações problemáticas da identidade queer e retratos pouco representativos apenas de pessoas brancas de classe média. Ainda assim, é benéfico porque coloca a opressão baseada na sexualidade em uma lente diferente – uma para o opressor se relacionar. Não acredito que o público-alvo do vídeo seja a multidão queer lutando por agenda queer e igualdade, mas sim não-queers que duvidam da mudança. O filme defende implicitamente questões como a igualdade no casamento e põe em causa o ódio. Embora infelizmente extremos e dramáticos, os temas comuns do bullying e da percepção da diferença se desenrolam para destacar os opositores da agenda queer e seus atos e ditos injustificados e prejudiciais. Há perfeição, certamente não! mas é um dos filmes mais potentes que vi nos últimos dez ou quinze anos...recomendadíssimo...
José
2.9 8 Assista AgoraCom seu drama envolvente de um jovem gay enfrentando os desafios de amadurecer na Guatemala urbana, "José", de Li Cheng, também se destaca por representar outro ramo do cinema: filmes que combinam os objetivos da etnografia e do drama, em que um cineasta mergulha em uma cultura estrangeira e molda uma história para ilustrar as descobertas que ele faz lá. Embora esse subgênero remonte pelo menos a clássicos de Robert Flaherty, como "Nanook of the North" e "Man of Aran", ele viu alguns novos praticantes notáveis surgirem na última década, vários dos quais se mostraram particularmente impressionantes. Em filmes como "Stop the Pounding Heart" e "The Other Side", o cineasta italiano Roberto Minervini mergulha em subculturas marginais no sul dos EUA de maneiras que são provocativas e perspicazes e que, como Flaherty, essencialmente usam pessoas reais para interpretar versões pouco ficcionais de si mesmas. A cineasta chinesa Chloe Zhao faz o mesmo pela cultura nativa dos EUA de Dakota do Sul em "Songs My Brother Taught Me" e "The Rider", este último uma conquista artística muito forte. Embora o brilhante "I Am Another You" de Nanfu Wang seja mais estritamente um documentário, ele se assemelha aos filmes de Zhao ao examinar certas vidas estadunidenses de maneiras que sugerem a incisividade poética da grande literatura. Adicione Li Cheng a esta lista e é quase inevitável perguntar se esse híbrido "etnico e fictional" é especialmente (ou está se tornando rapidamente) uma coisa chinesa. E já me arrisco a responder que não! Como Zhao e Wang, Cheng é um nativo da China que viajou pelo mundo e que foi educado nos EUA. Depois de obter um PhD em pesquisa do câncer na Rutgers, ele estudou cinema na New York Film Academy (embora agora um cidadão dos EUA, ele foi chamado de "nômade mundial" e atualmente está baseado no Brasil). Ele e seu parceiro de escrita / produção George F. Roberson começaram a fazer "José" de uma maneira incomum que se relaciona com os objetivos e resultados do filme. Preocupados com a forma como os latino-americanos estavam sendo demonizados em certas áreas da sociedade estadunidense, eles visitaram 12 países da região e entrevistaram centenas de jovens sobre suas vidas, fazendo três perguntas em particular: Quem é a pessoa mais importante em sua vida, qual é sua memória mais inesquecível e você já esteve apaixonado? As notas de imprensa do filme não dizem se os cineastas se propuseram a se concentrar em um jovem gay ou se a ideia surgiu durante suas pesquisas, mas o conceito permite que eles olhem para várias áreas da vida guatemalteca representadas por três locais diferentes, onde observamos José (Enrique Salanic), de 19 anos, durante os estágios iniciais da história. Local um, casa, é um apartamento pobre, mas arrumado, onde o menino mora com sua mãe (Ana Cecília Mota), uma religiosa que se preocupa com seu filho. Local dois, trabalho, é um restaurante onde José solicita e entrega refeições na calçada, trabalhando ao lado de um chefe rude e um jovem casal que está romanticamente envolvido. Local três, que podemos chamar de intimidade, é sua prática solitária de buscar sexo usando um aplicativo de namoro. A maneira como este Cheng introduz esse elemento da história é tipicamente casual e discreta. Em uma cena, José está na rua olhando para o telefone. No próximo, ele está em um apartamento com outro cara nu, limpando depois do sexo e mentindo para sua mãe no telefone sobre por que ele está atrasado. Essa existência de três cantos talvez seja típica de muitos jovens gays em todo o mundo, mas a versão de José dela logo é abalada por algo novo: o amor. Ele conhece Luis (Manolo Herrera) da maneira habitual. Depois que o aplicativo os conecta na rua, eles vão para uma sala paga por hora e ficam carnais. (As cenas de sexo do filme são francas, mas sutilmente naturalistas.) Embora a atração física seja obviamente mútua, os dois rapazes se conectam de uma maneira mais profunda assim que começam a conversar. Vindo de uma cidade no Caribe, Luis está na Cidade da Guatemala trabalhando na construção civil e morando com sua mãe e dois irmãos. Ele e José têm muito em comum, e as coisas que os separam não são facilmente aparentes quando eles se rendem à primeira onda de romance, saltando juntos pela cidade, comendo em food trucks, assistindo a procissões religiosas e fogos de artifício e, um dia, pegando emprestada uma moto para uma fuga lírica para o campo. Declarar seu amor por cada um logo depois, no entanto, não cimenta seu vínculo tanto quanto revela os fatores que o frustram. Luís não gosta da cidade e quer voltar para a sua cidade natal, onde promete construir uma casa onde ele e José possam viver até construírem uma maior. Ele considera José egoísta por resistir a essa oferta atraente, mas José está muito ciente de que sua mãe, ao contrário de Luis, não tem outros filhos para cuidar dela. Como ele pode sair? Após esse ponto médio, o resto do filme lida com o resultado do dilema que os jovens enfrentam. Não vou dizer nada sobre como a história progride, exceto para notar que uma das coisas que eu mais gostei em "José" é como seu final se recusa a resolver seus problemas dramáticos de qualquer uma das maneiras usuais e convencionais. Em certo sentido, é uma conclusão que pergunta se o espectador pode encontrar satisfação em um reconhecimento lúcido das muitas insatisfações que a vida e o amor oferecem. No entanto, as satisfações de "José" como um todo são consideráveis, e começam com o elemento humano. Como os clássicos neorrealistas italianos dos quais descende, o filme tem um grande apreço pela vida das pessoas que mantêm uma dignidade teimosa e se resolvem sob os desafios da pobreza e outras dificuldades. Enquanto as personagens do filme são todas realizadas por performances finamente afinadas, uma menção especial deve ser feita a Salanic por seu trabalho complexo e verdadeiramente soberbo como José. O filme também merece elogios pela eloquência de seu estilo. Cheng e o diretor de fotografia Paolo Giron têm um talento especial para nos dar a sensação do lugar por meio de sua observação cuidadosa da luz em vários momentos do dia. E Cheng – que admite a influência de Hou Hsiao-hsien – habilmente retorna repetidamente a certas composições, por exemplo, da esquina onde José faz seu trabalho e outra onde ele espera por Luis, de maneiras que nos lembram da tensão entre solidez e mudança que subjaz a essa história e ao lugar que ela evoca. Quanto a esse lugar e por que ele escolheu a Guatemala em vez dos outros 11 países que estudou, Cheng disse: "É o maior país da América Central (uma região há muito negligenciada internacionalmente), a população está crescendo rapidamente e metade tem menos de 19 anos ... É um país de climas extremos e paisagens dramáticas e diversidade, uma terra de vulcões e a constante ameaça de terremotos. Também está repleto de corrupção política e desigualdade e, ao mesmo tempo, é um país muito religioso, com igrejas evangélicas e católicos competindo abertamente. A Guatemala tornou-se um lugar cada vez mais violento e perigoso, onde mais da metade das pessoas vive na pobreza. De fato, a maioria das crianças separadas de seus pais e trancadas em gaiolas semelhantes a cães no Texas (chocando as pessoas em todo o mundo) são guatemaltecas, não mexicanas, como é frequentemente alegado. É, inegavelmente, uma aula de antropologia e de cinema...nós brasileiros, arrisco, desconhecemos nosso irmão de continente, e esse filme mostra que eles existem e nos falta dados...é um dos melhores filmes que vi em 2023; indico fortemente, dado que a temática ultrapassa a questão sexual, é muito mais profundo!
30 Anos de Adônis
2.1 8 Assista AgoraEste filme definitivamente não é para os fracos de coração e realmente requer várias visualizações para que se entenda a história. Muita nudez, violência, cenas pseudo-religiosas e sexo BDSM explícito abundam. Ke é um jovem aspirante a ator que cai em um hedonismo, envolvendo-se em trabalho sexual e em pornografia. O filme é contado de uma maneira não linear, por isso pode demorar um pouco para que as coisas se encaixem. Embora o diretor tenha dito que escolheu 30 como um marco significativo na vida de um homem, isso não foi bem transmitido. Em vez disso, a idade se torna bastante arbitrária - ele poderia ter dito 21 ou 25 anos e isso não teria feito a diferença, eu sinto. Embora ele force um estilo de vida depressivo e hedonista de jovens gays, foi muito superficial e poderia ter sido mais bem explorado em vez de ter paus na tela. Honestamente, é uma oportunidade confusa, mas não perdida, porque o que está aninhado nessa confusão de um potencial poderia ter sido um olhar severo e honesto sobre os desafios e desejos de um jovem gay enquanto ele transita de seus 20 para seus 30 anos em meio à devassidão do trabalho sexual em que ele se envolve, lidando com pressões religiosas, familiares e sociais. Infelizmente, temos algumas pseudo bruxas, homens nus e violência, com apenas algumas referências fugazes à sociedade e à
família. Há uma sensação de fatalismo aqui, quando Yang Ke se lembra de sua infância, criada por sua mãe solteira (Miao) e Yin, que previu seu futuro. Como uma história sobre o sem sentido do livre-arbítrio, o filme parece indulgente, especialmente porque implanta algumas imagens católicas e budistas pesadas e, também, como Scud tenta tão diligentemente torná-lo artístico e pornográfico. Mas o fato de que ele está lidando com questões tão pesadas de uma maneira criativa e provocativa faz com que seja um filme que vale a pena assistir.
Vida em Família
3.7 2 Assista Agora"A imagem de um paraíso socialista é falsa, falsa porque é estática. O que é belo na vida é movimento, desenvolvimento, mudança, parte de um padrão de transição do qual eu participo." afirmou o diretor. Krzysztof Zanussi é um cineasta cuja reputação crítica diminuiu significativamente nos últimos 25 anos. Este declínio coincidiu com a queda do comunismo na Europa Oriental e um ambiente de produção cinematográfica radicalmente alterado na Polônia. Zanussi continuou a fazer trabalhos que abordam sérias preocupações morais, filosóficas, sociais e intelectuais, mas esses filmes raramente corresponderam à intensidade encontrada em sua produção do final dos anos 1960, 1970 e início dos anos 1980. Mas mesmo esses filmes anteriores, uma vez celebrados, passaram para uma relativa obscuridade desde o início dos anos 1990. Como em muitos dos filmes de Zanussi dos anos 1970 e início dos anos 1980, Vida Familiar contrasta os mundos do trabalho e do intelecto (e da lógica) com as realidades mais confusas da vida cotidiana, emoções e relacionamentos pessoais. Mas o filme de Zanussi está preocupado principalmente com a questão das origens e nossa incapacidade de nos libertarmos total ou verdadeiramente de nosso passado, educação e composição genética. Por exemplo, Wit está relutante em voltar "para casa" porque ele tem procurado ativamente rejeitar seu passado e família, bem como as responsabilidades ligadas a tais relações familiares e explicitamente filiais. Mas mesmo aqueles momentos que o mostram ativamente protestando contra as alegações tardias de seu pai sobre sua presença e consideração – e a hostilidade entre os dois não é apenas palpável, mas claramente metodicamente definida – geralmente agem para destacar suas conexões e semelhanças gestuais, emocionais, intelectuais e até emocionais. Ao fazê-lo, o ambiente físico e emocional da Vida Familiar apresenta uma metáfora apropriada, embora sobrecarregada, para a inevitabilidade da história polonesa do século XX – o presente como um palimpsesto de momentos passados. Excelente filme!
Eu Tinha Dezenove Anos
3.9 3Gregor é um jovem soldado que entra na Alemanha com as tropas soviéticas vitoriosas no final da Segunda Guerra Mundial. Mas ele também é filho de alemães de esquerda que fugiram de Hitler e passaram a guerra na União Soviética. Como resultado, seu retorno à Alemanha é ambivalente; ele descobre que é um estranho em sua própria terra. Quando eles entram na Alemanha, Gregor começa a perceber que ele é diferente de todos os seus camaradas de armas, pois esta terra derrotada é seu país de origem, os alemães que ele encontra são seus compatriotas. Ele é um vencedor, mas também um dos vencidos. Ele tenta entender os alemães que encontra ao longo de seu caminho, mas ele é um jovem de 19 anos: curioso, ocasionalmente incompreensível e repetidamente consternado com as atrocidades e mentiras que encontra. Talvez eu seja rigoroso demais, mas eu sempre incomodo-me com as tentativas de ver humanidade onde não há e ver beleza onde jamais terá...de toda forma não me comovo com essa temática, apesar de reconhecer uma certa validade na procura do eu entre os outros e dos outros em mim...regular, diria!
Fome
4.2 23Parece não ser à toa que a história se passe em Christianna; em nome do pai, do filho e do espírito santo, apague os que tem fome, pois deles não serão nem o reino da terra e nem, tão pouco, do Céu!
Sala do Suicídio
3.8 275Dominik é o produto de um casamento impulsionado pelo sucesso entre o empresário Andrzej e a CEO Beata. Faltando apenas 100 dias para os exames finais da escola, Dominik está no alvo para se formar com as melhores notas e entrar na melhor universidade. No entanto, 100 dias para ir ainda são 100 dias para se adequar às regras sociais da escola. Por meio de uma série de eventos humilhantes envolvendo outro colega de classe do sexo masculino, o mundo de Dominik desmorona. Ele vê os comentários on-line que seus colegas de classe estão fazendo sobre ele em várias redes sociais. Assustado com o pensamento de voltar à escola, ele foge da vida real e entra no mundo virtual. Envolto em seu avatar, Dominik conhece Sylvia, uma aspirante a suicida que não deixa este mundo há anos, e se junta a seus amigos na "Sala do Suicídio". Sylvia o atrai para um jogo perigoso. O jogo fica fora de controle, pois a Sala do Suicídio serve mais para chocar o mundo exterior do que para confortar e curar. Logo Dominik se esforça para decifrar o que é real à medida que experiências virtuais comuns sangram perigosamente em realidade. Não só as vidas daqueles ao seu redor se tornam ameaçadas, mas a própria vida de Dominik está em grave perigo. De todos os belos temas da arte global, sempre fui muito inspirado pelo amor durante a puberdade. Não foi diferente durante a produção de Suicide Room, diz o diretor, onde o amor, a puberdade e a rebelião se entrelaçaram com a histeria das comunidades da internet, o vício em ilusão, a obsessão desenfreada por outra pessoa, possibilidades perigosas ilimitadas e, de fato, mortais de criação de automóveis no mundo virtual e, na verdade, um grande anseio por amor. Nossa equipe buscou inspiração principalmente em As Dores do Jovem Werther, de Goethe, e Hamlet, de Shakespeare – em ambos os casos, essas criações, quando confrontadas com o mundo digital, assumiram um significado novo e muito moderno. Werther é um garoto cujos sentimentos por uma garota o levam à loucura, e Hamlet é um jovem que coloca uma máscara de loucura para começar um jogo muito perigoso com todos ao redor - ambas as atitudes descrevem a personagem principal de Suicide Room - Dominik, um representante de nossos tempos. Em um mundo onde todos aprenderam a expressar suas necessidades e lutar por si mesmos e todos sabem falar, nem todos querem ouvir. Como resultado dessas transformações insanas, o homem moderno está sozinho e em paz com a solidão. Um homem que se mata como uma vítima de suicídio, todos os dias, pouco a pouco, por solidão e falta de amor, mas que está ocupado demais para perceber isso. Como se acredita, almas de suicidas vagam pela Terra, em busca de consolo. "Suicide Room" é um hino para todos aqueles que se matam todos os dias, um hino sobre parar por pouco tempo e ouvir, já que isso poderia deixar alguém viver por pelo menos um segundo a mais. O suicídio é um ato personalíssimo, creio, e talvez por isso temos dificuldade de entender...a era da alta tecnologia e suas interações talvez tenha mudado a forma de manifestação de maus e bons agouros, como saber por onde ir?
Confiar
3.4 1,8K Assista grátisA coisa mais corajosa sobre "Trust", de David Schwimmer, é que ele não tenta simplificar. Conta a história de uma menina de 14 anos e um pedófilo como uma série de repercussões em que o estupro é apenas a primeira, e possivelmente não a pior, tragédia a atingir sua vítima ingênua e vulnerável. É fácil imaginar como essa história poderia ter sido explorada e emburrecida. Em vez disso, trabalha com inteligência e simpatia. "Confiar" não oferece soluções calmantes. Annie sobreviverá, mas foi prejudicada talvez mais pelas consequências do que pelo estupro em si. O filme é impiedoso ao retratar os métodos pelos quais os predadores pedófilos operam; Charlie é a personificação do mal. Mas a sociedade carece de simpatia instintiva e tato por Annie, e a sociedade não deve ser má. Catherine Keener faz um trabalho caloroso e discreto de amar e confortar sua filha, mas isso não é suficiente – não quando seu marido se preocupa mais com a vingança do que com a cura; faz pensar e isso é muita coisa!
Noite de Desamor
4.3 31Uma pancada, um tema complicado...acho mesmo que nunca chegaremos a entender efetivamente...
As Faces de Helen
3.6 117A depressão é uma realidade incomoda e complicada...o filme é uma boa discussão bastante crível; exatamente porque ainda me parece uma doença misteriosa, e eu nem sei mesmo se devemos chamar de uma única doença; parece-me que há infinitas formas de manifestação...
À Beira da Loucura
3.8 96Uma tentativa de esmiuçar a delinquência juvenil endinheirada e a psiquê dos mal amados; muito fraco!
Os Assassinos Estão Entre Nós
3.9 7Em 1945, a artista Susanne Wallner (Hildegard Knef) retorna a Berlim depois de passar três anos em um campo de concentração. Sua energia, a que restou pós trauma é confrontada com uma realidade que a leva a pensar sobre qual o sentido de tudo; chegando ao seu antigo apartamento, descobre que o Dr. Hans Mertens (Ernst Wilhelm Borchert) passou a residir lá. Um médico e ex-oficial alemão, Mertens é assombrado pela execução de civis poloneses durante a guerra, que ele não fez nada para impedir. Sob os cuidados de Susanne, o homem quebrado reúne novas forças. Então, por acaso, Mertens conhece seu ex-capitão (Arno Paulsen) e decide tomar a lei em suas próprias mãos. Os filmes têm isso também, há a licença poética e a imaginação, que nem sempre faz lógica com o que pensamos. The Murderers Are among Us foi o primeiro filme feito na Alemanha após a Segunda Guerra Mundial e desde então se tornou um clássico. Foi apoiado pelos aliados soviéticos e produzido pelo recém-fundado DEFA Studio. Seu estilo film noir combina com sucesso o expressionismo alemão com uma afinidade impressionante com o neorrealismo italiano. O filme compartilha o foco do neorrealismo nas filmagens e uma atenção às rotinas da vida cotidiana, mas coloca mais ênfase em uma abordagem psicológica que também acena para os filmes expressionistas da era Weimar – examina a culpa alemã, o trauma, a repressão psicológica de crimes cometidos por pessoas comuns e a necessidade de aceitar a responsabilidade, intento que, a meu ver, não teve sucesso!
O filme, de alguma maneira, retrata um pedido de perdão ao mundo, coisa que de fato ainda falta ao Estado Alemão...
Courage for Every Day
3.4 6Em seu primeiro longa-metragem, Evald Schorm desenhou o retrato de um homem enfrentando suas próprias limitações, em valores e intenções pessoais. Schorm co-escreveu o roteiro com Antonín Máša. Como o filme deveria ser sobre a juventude de uma cidade pequena, Máša começou a visitar escolas, residências estudantis e vários locais de trabalho, além de conhecer membros da polícia de Segurança do Estado especializada em delinquência juvenil. Nos anos de 1960 a Tchecoslováquia estava sob o regime soviético e a primavera de Praga era uma tormenta! Durante esta pesquisa, Máša viu um funcionário da Juventude Socialista popular em uma das fábricas. Ele encontrou na sua vida uma história tão interessante que ele e Schorm decidiram basear o roteiro emergente no funcionário. A primeira versão do roteiro foi concluída no outono de 1962. No entanto, demorou mais de um ano e mais seis versões do roteiro até todos os envolvidos – Máša e Schorm, bem como o roteiro do Barrandov Studio editores – ficou feliz com a versão final, concluída em dezembro de 1963. Jarda Lukáš (Jan Kačer), um ex- O funcionário do Movimento da Juventude Socialista, udarnik ("trabalhador de choque") e membro do Corpo de Segurança Nacional, tinha sido dedicado a ideais comunistas. Na nova era em que vive, o culto à personalidade não é mais possível e os mitos que surgiram após o golpe de Estado checoslovaco de 1948 foram dissipados. Jarda percebe que as palavras em que ele costumava acreditar não carregam mais o seu peso anterior. Ele não acha, no entanto, que tenha cometido um erro. Em vez disso, ele vê seus amigos e a sociedade como equivocados. As pessoas ao redor de Jarda não compartilham suas crenças nem o apoiam ou o entendem. Ele se sente profundamente alienado, uma vez que, em sua opinião, os propósitos do trabalho e da existência humana são unidos. Os rostos dogmáticos socialmente engajados na crise política e pessoal forçando-o a procurar – a procurar uma ancoragem, para um lugar próprio no mundo em constante mudança, com o propósito da existência, por uma razão para continuar lutando apesar de suas dúvidas, desconfiança e perda de qualquer rede de suporte. Como em outros filmes de Schorm, a crise de um indivíduo reflete a crise da sociedade como um todo. O drama não esquemático não oferece nenhuma solução inequívoca para a luta do protagonista. É por isso que alguns dos espectadores criticaram o filme por apenas retratar a "vida real", mas não da maneira como as pessoas deveriam viver, como tinha sido a norma com os filmes do trabalho ambiente. Sim, é de pasmar! Coragem para Todos os Dias (Každý den odvahu) é uma reminiscência dos documentários de Schorm, não só graças ao tema existencialista, mas também graças ao estilo observacional não moralizante, também aplicado por outros diretores de sua geração, como Milos Forman e Ivan Passer, embora com com um efeito diferente e com uma visão mais desprendida. No entanto, enquanto o filmes desses diretores mostram estilos característicos próprios, é principalmente de Shorm o interesse pela sociedade contemporânea, as questões éticas e a amargura, provocando não só com a representação contundente da tragédia interior de um indivíduo, mas também com muita nudez, violência e discurso informal, a baixa participação decorreu da distribuição limitada. É um dos filmes mais valiosos da Nova Onda da Tchecoslováquia graças ao Shorm's intransigente e com penetrante olho crítico. Uma joia rara da cinematografia mundial!
O Acontecimento
4.0 79 Assista AgoraAdaptado do livro homônimo e autobiográfico de Annie Ernaux, é um verdadeiro choque e um dos grandes tapas recentes do cinema francês. Tão pungente que seria capaz de afirmar que marca um certo renascimento de cineastas eternos...Com inteligência, o longa-metragem começa com uma certa leveza em uma noite com os amigos. Anne dança, canta e flerta livremente, feliz e realizada. Ela é uma aluna estudiosa e brilhante, cujo futuro como acadêmica e futura professora parece estar todo traçado em vista de seus resultados de estudos. Mas, de repente, quando tudo parece sorrir para ele, a narrativa se transforma completamente em drama social. Muito rapidamente, a heroína (interpretada pela soberba Anamaria Vartolomei) descobre que engravidou. Temendo que ela tenha que traçar uma linha sob seus sonhos profissionais, ela quer abortar, se livrar dessa "doença que só afeta as mulheres" e, especialmente, "transformá-las em donas de casa" (até aqui eu a estava considerando inteligente!). Uma corrida contra o tempo sob tensão, que nunca vai parar, então começa para a jovem. De uma forma muito relevante, a narração também contará com o andamento das semanas, como um contador pressionado. Porque sim, em tal situação, a jovem Anne vive apenas pensando em sua gravidez indesejada. Os dias já não existem e só contam essas semanas, que, como minutos na sua mente monopolizados por esta progressão (que todos no conhecimento lhe dizem que é inexorável), irá cada vez mais excluí-lo e solitá-lo (um trabalho sonoro impressionante para colocá-lo numa quase-bolha). Um isolamento que capta na perfeição a câmara de Audrey Diwan. A encenação é, de fato, um dos pontos fortes do longa-metragem. Filmado no ombro em um quadro muito apertado (4:3), o longa-metragem bloqueia permanentemente sua heroína com seu estilo muito sóbrio e meticuloso.
Extremamente imersiva, a câmera nunca solta sua protagonista, sempre filmando-a em sua altura para melhor examinar seu rosto, seu olhar, sua respiração e, assim, transmitir cada uma de suas emoções aos espectadores, desde sua angústia até seu nervosismo através de seu medo e dor. E quanto mais o filme progride, mais o quadro parece se fechar em Anne, sufocando-a mais perto dela, abraçando-a até que ela perca o fôlego, sua vivacidade, sua vida. Esta encenação, composta principalmente de sequências seguindo o aluno, é uma reminiscência do excelente filme de László Nemes: Filho de Saul. E provavelmente não é insignificante que Audrey Diwan tenha escolhido um dispositivo tão imersivo para contar a história de Anne. É isso que eleva um pouco mais o trabalho da direção. Se sua precisão é desconcertante na encenação, seu filme nunca chega a ter um tom moralizante. Pelo contrário, ao ser capaz de sempre olhar para o seu assunto no auge de sua heroína, como um olhar em seu ombro, a câmera simplesmente faz a observação edificante de tal situação. Com exceção de uma cena muito furtiva que pode virar o olho, o filme nunca tenta chocar visualmente, sempre preferindo o implícito e o sugestivo. E a lógica é óbvia. O verdadeiro horror de que o público é forçado a olhar diretamente nos olhos, e isso deveria ser visível para todos, está em outro lugar. Ela se encontra no sofrimento e na angústia dessa jovem determinada e corajosa, e ainda assim tão solitária diante desse pesadelo e com um olhar inocente tão em pânico nos últimos momentos do filme. Emocionante. Filmão!
Eu Te Amo, Cara
3.3 658 Assista AgoraQue coisa, não? a qualidade do ser humano é ter um repertório bastante criativo para resolver, ultrapassar, esconder, escancarar e, ao final, tratar os seus problemas!
Garotas Selvagens
3.1 357 Assista AgoraComo quase tudo no mundo, o estupro também é algo que representa as classes sociais! se o estuprador é rico, ele é acusado, se ele é pobre é bandido; assim, pendularmente, os movimentos vão se construindo...o filme é bonzinho, mas nada de muito especial!
O Público
3.6 19O tema é estrondoso e grandemente interessante: os direitos civis, os direitos humanos e a alteridade; mas a solução é muito real, o que incomoda. Um retrato clarividente da -sociedade dos Estados Unidos. Por que uns sem-teto incomodam tanto? arrisco dizer: porque estão fora de seu lugar! sem teto tem de viver na rua, e no frio, nos abrigos a eles destinados, fora disso, que morram! essa é a norma, não pense nada fora disso! Não é diferente de qualquer outra cidade ao redor do mundo; se você é um sem-teto você é um perdedor e nada merece! a solução é tola, mas faz, de alguma maneira, pensar; obviamente se alguém quiser fazer isso!
Baladas em NY
3.3 8muito nada, tudo muito e chato...
O Cliente
3.6 179 Assista AgoraO tal American Way of LIfe...a emoção toma conta de mim, com a mesma intensidade quando observo um pedaço de pão mordido...
Queimada!
3.9 41 Assista AgoraO filme é a continuação de Gillo Pontecorvo para "A Batalha de Argel" (uma visão sobre a guerra de independência da Argélia - no final dos anos de 1950), é mais falado do que realmente assistido. Ao contrário de "Portal do Paraíso", Queimada – é um filme legitimamente ótimo, mas, como Heaven's Gate, sua distribuição foi fracassada. Em primeiro lugar, existem duas versões. Há a versão truncada, 102 minutos em inglês, a única amplamente disponível, e a versão completa tem cerca de 130 minutos. Pouco antes de morrer, Pontecorvo restaurou todas as cenas que faltavam, mas, como ele havia perdido o áudio original, ele o re-dublou em italiano, essencialmente destruindo o desempenho de sua estrela Marlon Brando. O culpado em todo o fiasco foi ninguém menos que o Generalíssimo Francisco Franco. Alguns anos antes, a distribuidora de Pontecorvo, Columbia, havia lançado um filme sobre a Guerra Civil Espanhola chamado Behold A Pale Horse. Isso enfureceu tanto o ditador espanhol que ele decidiu bloquear todo o catálogo da Columbia. Respondendo à pressão, Pontecorvo reescreveu o roteiro para tornar os vilões portugueses e não mais espanhóis. Portugal é um mercado muito menor. Ele também cortou todas as cenas potencialmente ofensivas do lançamento original nos cinemas em 1969. Se Charles De Gualle segurou a Batalha de Argel por 5 anos, Francisco Franco conseguiu massacrar Queimada antes que ela fosse feita. Para obter o efeito completo do Burn, você provavelmente precisa ver as duas versões. Dito isto, enquanto o lançamento italiano completo não está disponível, ainda acho que vale a pena assistir a versão em inglês, atualmente no Youtube. Embora tenha lacunas na trama que podem deixar você coçando a cabeça, você também terá o efeito completo da performance de Marlon Brando em inglês. Não só Burn é um comentário indispensável sobre A Batalha de Argel, mas nenhuma quantidade de edição incompetente pode tirar seu impacto visual, ou de sua política descaradamente revolucionária. Se A Batalha de Argel é uma obra-prima totalmente realizada, então seus últimos cinco minutos às vezes podem ser confusos. Por que o filme dramatiza uma vitória tática e militar do imperialismo francês e, no entanto, termina com uma nota triunfal, a vitória estratégica do nacionalismo revolucionário argelino? Burn nos diz o porquê. A vitória da Frente Argelina de Libertação Nacional dependia de o povo francês ter um limite, de não estar disposto a cruzar a linha do genocídio, da ideia de que eles poderiam olhar para si mesmos, perceber que, ao abraçar a tortura, eles se tornaram os nazistas e sentiriam mais vergonha. Mas o que acontece quando os imperialistas não têm fundo, quando são incapazes de vergonha? O que acontece quando eles não são uma nação, mas uma corporação? Burn nos dá a resposta. Burn se abre a bordo de um navio que entra em uma ilha nas Pequenas Antilhas - Queimada - um composto entre Guadalupe e Haiti (com talvez um pouco de Vietnã jogado para uma boa medida). William Walker, um revolucionário profissional, agente provocador e agente do almirantado britânico, está de pé no convés com o capitão do navio, que está lhe dando uma breve lição de história. 300 anos antes, os portugueses encontraram uma resistência tão dura da população indígena que recorreram ao genocídio e à destruição ambiental, queimando toda a vegetação da ilha, extinguindo os nativos e importando escravos negros da África. As rochas brancas nuas visíveis enquanto navegam para o porto brilham ao sol porque ainda são compostas pelos ossos queimados dos mortos, dando à ilha o seu nome, "Queimada", ou "Queimadura". Eventualmente, Queimada se recuperou, tornando-se um exportador de açúcar tão lucrativo e baseado em escravos que o governo britânico agora quer um pedaço dele. O trabalho de William Walker é fomentar uma rebelião contra os portugueses entre os escravos e organizar os brancos e mulatos, os plantadores e latifundiários, em uma república disposta a dar concessões comerciais à Grã-Bretanha e à Royal Sugar Company. Ele consegue, ensinando um ex-escravo e carregador de bagagem chamado José Delores, interpretado pelo não-ator Evaristo Márquez, a ser um general revolucionário e campeão popular, um personagem muito claramente destinado a evocar Toussaint Louverture e a Revolução Haitiana. Ele também convence os crioulos da ilha, a elite branca, de que uma economia de trabalho assalariado é melhor do que uma economia escrava. É melhor pagar por uma prostituta por hora do que sustentar uma esposa. Ele escolhe um líder nacionalista, Teddy Sanchez, um fantoche elegante que, como Barack Obama, se enfurece em generalidades brilhantes sem substância, e o empurra para assassinar o governador colonial português – literalmente segurando a arma em sua mão e apontando-a para ele – o sinal para uma insurreição geral no Capitólio, e o coloca como o primeiro presidente da República independente de Queimada. Dez anos depois de uma missão malsucedida na Indochina – "um lugar de que nenhum de vocês ouviu falar" – Walker retorna a Queimada, desta vez não como um agente do governo britânico, mas como um agente da Royal Sugar Company, e desta vez não para provocar uma rebelião, mas para reprimi-la. Enquanto Teddy Sanchez ainda é presidente e ainda é um fantoche complacente, José Delores revelou-se um revolucionário genuíno, um tribuno incorruptível do povo que não pode ser comprado nem intimidado a cometer o mesmo erro duas vezes. Walker já o havia convencido a desmobilizar seu exército. Delores organizou um exército de guerrilha na alta serra, vivendo entre aldeões empobrecidos que, de acordo com Walker, são revolucionários naturais porque não têm nada a perder. Ele é, em suma, uma ameaça não apenas para o governo crioulo e fantoche, mas para os resultados da Royal Sugar Company. Acho que nunca fiquei mais feliz em ver alguém levar uma faca no intestino do que eu estava depois de ver William Walker receber suas sobremesas. Mas há esperança no final de Queimada, ou o filme é incessantemente sombrio? José Delores mostra-se genuinamente incorruptível, indo calmamente para a morte em vez de escapar e denunciar a revolução. "O fogo não destrói tudo", diz ele a um de seus guardas. "Uma folha de grama, de esperança, sempre permanecerá. Algum dia o homem branco morrerá em seu próprio fogo." Talvez sim. Mas será que ele vai levar o resto do mundo com ele? A nossa resposta ao aquecimento global não tem sido encorajadora.