'Pedro Coelho 2: O Fugitivo' é um caso curiosamente superficial, uma comédia sem graça baseada nos animais queridos de Beatrix Potter de dezenas de livrinhos delicados criados quando o mundo era menos cínico.
O filme ainda traz muita fofura com seus animais em CGI. O crescimento da tecnologia cinematográfica é notável. As criaturas são foto realistas e os cineastas fazem a escolha sábia de não antropomorfizar muito. Há texturas variadas de pele, há um trabalho incrível com sombra e a luz, a umidade nos olhos, a equipe de animação e efeitos visuais superaram mais uma vez.
Os momentos dedicados aos humanos, entretanto, deixam um gosto amargo. Byrne não tem muito com o que trabalhar desta vez, infelizmente, na maior parte do filme, o Thomas de Gleeson em vez de ser um trapalhão inseguro de quem simpatizamos, Thomas aparece como um chorão estridente e ciumento.
O roteiro do diretor Will Gluck e Patrick Burleigh se diverte um pouco com clichês de filmes de assalto e consegue as maiores risadas do filme com um visual ultrajante de cenários, mas o filme oscila principalmente entre piadas internas para os pais e humor físico para os espectadores mais jovens.
Trazendo um favorito das crianças para a vida com visuais vividamente realistas e design de produção atraente, 'Pedro Coelho 2: O Fugitivo' simplesmente prova que quando um filme falta o coração e o charme que tornou sua fonte de material querida para os leitores por mais de um século, ele se torna algo superficial.
'Pedro Coelho 2: O Fugitivo' traz a fofura para os adultos e o pastelão para as crianças. A aposta dos cineastas de que o público vai perdoar as modernizações e esquecer o original, é reforçada pelo fato de que, o primeiro filme arrecadou cerca de sete vezes o orçamento relatado.
Essencialmente um produto da era vitoriana, D.W. Griffith foi o primeiro grande diretor da América, e 'O Nascimento de uma Nação' (1915) e 'Intolerância' (1916) representaram um salto para a nova arte do século XX. Valendo-se de todas as técnicas à sua disposição, o diretor trouxe um novo escopo e escala ao cinema.
A abordagem temática da era vitoriana não funciona mais, isso pode afastar muitos dos cinéfilos de hoje, mas a poesia visual é avassaladora, especialmente nas cenas de multidão. O uso excelente do cross-cutting pode deixar muitos cineastas atuais com inveja. O uso da ação para gerar suspense, cria um clímax que poucos filmes hoje não conseguem obter.
Quatro das histórias contadas em 'Intolerância' são: uma citação de Walt Whitman ('Fora do berço, balançando sem parar'). 'O Nazareno' é estrelado por Bessie Love, 'A História Medieval' envolve o massacre dos huguenotes no dia de São Bartolomeu em 1572, 'A Queda da Babilônia' apresenta Constance Talmadge, Elmo Lincoln, Seena Owen, Tully Marshall e cenários impressionantes, e 'A Mãe e a Lei' é uma emocionante história contemporânea estrelada por Mae Marsh e Robert Harron.
Enquanto alguns contos são menos substanciais e servem quase exclusivamente a propósitos alegóricos, 'A Queda da Babilônia' narrando padres rejeitados e o drama de um homem tentando evitar a forca, são totalmente emocionantes. Os cenários incríveis e os valores de produção luxuosos falam muito.
'Intolerância' mostra a coragem da antiga Hollywood. No conto que passa na Babilônia de 539 a.C., o erotismo é desenfreado, o período é retratado impressionantemente de maneira espetacular, com um cenário absurdamente gigantesco e exuberante. O longa-metragem também mostra o que Hollywood perdeu quando mais tarde se curvou à censura do Código Hays.
D.W. Griffith projeta os quatro contos para mostrar que a intolerância, em várias formas, existiu em todas as épocas. Três das exemplificações são baseadas em fatos históricos, a quarta, 'A Mãe e a Lei', é um melodrama de golpe poderoso que ainda pode causar um efeito até hoje.
A opinião crítica sobre o valor desse clássico foi dividida por quase um século, com Griffith sendo aclamado como um visionário. Quaisquer que sejam suas glórias e falhas, 'Intolerância' continua sendo um marco na arte e entretenimento cinematográficos. Pode parecer falho de várias maneiras para algumas pessoas, mas este é um cinema monumental e essencial para os verdadeiros entusiastas do cinema.
Peter Rabbit teve sua aventura contada pela primeira vez em 1902 pela autora Beatrix Potter em uma série de 23 pequenos volumes de fábulas infantis sobre a vida secreta dos habitantes da floresta. “The Tale of Peter Rabbit” continua a ser um material de leitura popular na hora de dormir, principalmente porque nosso herói teimoso sofre as consequências de seu mau comportamento e tudo retratado em aquarela delicadamente matizados de seus personagens.
Beatrix Potter ficaria lisonjeada em saber que um dia, mais de um século depois de publicar "The Tale of Peter Rabbit", seu personagem mais amado seria reinterpretado na tela, mas talvez ela não ficaria tão feliz de ver seus personagens em CGI ao invés de desenho tradicional.
'Pedro Coelho' é impressionante do ponto de vista dos efeitos visuais, não apenas casacos de pele virtuais, mas o grau em que as criaturas CGI interagem com seus ambientes é incrível, tapando a grama e levantando cascalho ou até mesmo quando conseguimos ver a pele do coelho oscilar de forma convincente nas suaves brisas do campo, o filme é perfeito em questões de efeitos visuais.
O diretor Will Gluck, que escreveu o roteiro junto com Rob Lieber, rapidamente estabelece o tom abertamente pastelão da produção desde o início, enquanto um quarteto de pássaros cantando em volta do logo Columbia Pictures termina com final trágico e cômico.
Não há uma história legal para contar aqui, nem há muitos personagens para alimentá-la. Peter não tem personalidade além de um verniz cansativo de sarcasmo. Sem personalidade, não pode haver arco emocional, nem crescimento do personagem, nem lições de vida aprendidas.
O que torna 'Pedro Coelho' assistível é a química óbvia entre Byrne e Gleeson e a animação CGI honestamente excelente de Peter e companhia. Para qualquer pessoa familiarizada com o “Peter Rabbit” original, é um pouco deprimente ver seu charme de contos de fadas reduzido a pastelão infantil.
Poucos filmes, até hoje, atingiram uma mensagem anti-guerra tão poderosa quanto a extraordinária evocação de Lewis Milestone da trágica loucura da guerra. Indiscutivelmente, ainda o maior filme da Primeira Guerra Mundial, seu terno retrato da inocente juventude alemã é justaposto ao angustiante imediatismo da guerra de trincheiras, filmado com uma verossimilhança reveladora que muitos cineastas modernos, com todas as suas ferramentas, não conseguiram igualar.
O Lewis Milestone não deixou nada de fora. Três ou quatro mortes à vista do público; duas cenas de hospital; sugeriu amputações de pernas tão sugestivamente forçadas que você quase pode vê-las cortadas; mortes por aquela carnificina de guerra no campo e uma morte por esfaqueamento nas trincheiras, incluindo a visão medonha de um par de mãos nuas apenas, por apenas um flash, pendurado em uma cerca de arame farpado.
É uma produção expansiva com vistas que nunca parecem ser limitadas. Quando os projéteis demolem os aposentos subterrâneos, os gritos de medo, juntamente com o som das metralhadoras, dos morteiros e dos projéteis, 'Sem Novidade no Front' sabe contar a história dos terror de uma guerra.
O terror sangrento da guerra retratado aqui, é uma inovação, talvez pareça loucura escrever isso, mas estamos nós em 1930, o filme é extremamente original quando você parar para pensar na sua forte linguagem dentro de seu contexto histórico e época.
A história é contada inteiramente através das experiências dos jovens recrutas alemães e destaca a tragédia da guerra através dos olhos dos indivíduos, levando o telespectador uma profunda imersão na trama. Enquanto os meninos testemunham a morte e a mutilação ao seu redor, qualquer preconceito sobre "o inimigo" e os "erros e acertos" do conflito desaparece..
É difícil lançar a comédia na maior tragédia que o mundo já conheceu, mas aqui, eles conseguem, principalmente por meio de Slim Summerville como um veterano fervoroso ou quando três soldados alemães nadam nus, através do rio até a costa francesa, carregando pão e salsichas para três garotas francesas do outro lado.
O diálogo pode parecer arqueado e teatral para os padrões de hoje, os discursos prolixos sobre camaradas caídos dificilmente são realistas, mas são reveladores e nenhuma concessão é feita às noções morais do bem contra o mal.
'Sem Novidade no Front' lançado em 1930 é considerado um dos filmes anti-guerra mais eficazes já feitos. Ganhou grandes elogios nos Estados Unidos, mas foi proibido em vários outros países, incluindo a Alemanha, por causa de sua mensagem pacifista. O filme é baseado em um romance de Erich Maria Remarque e reinventa a narrativa sobre a guerra com um olhar corajoso e verdadeiro.
Vencedor do Oscar de Melhor Filme em 1930, 'Melodia da Broadway' entra na lista daqueles filmes que ganharam o prêmio, mas que não mereciam. Eu não vou escrever aqui que tudo nesse longa-metragem musical é ruim. O tom de humor, uma vez ou outra, arranca algum riso. Duas canções do filme realmente valem a pena, a romântica 'You Were Meant For Me' e a graciosa e bem executada 'Truthful Parson Brown'.
Dirigido por Harry Beaumont, o filme marcou época, foi um grande sucesso de bilheteria (o filme custou 379 mil dólares e arrecadou pouco mais de 2,8 milhões, só nos Estados Unidos) e ainda gerou três sequências, 'Melodia da Broadway' de 1936, 'Melodia da Broadway' de 1938 e 'Melodia da Broadway' de 1940.
Se olharmos para a história do cinema, é possível encontrar explicações históricas e artísticas para a boa recepção e legado do filme. É importante termos em mente que 'Melodia da Broadway' é um musical e este gênero era uma grande novidade na época. Até aquele momento, apenas cinco musicais haviam sido lançados, sendo os mais famosos 'O Cantor de Jazz' de 1927, também conhecido por ter sido o primeiro “filme sonoro” da história do cinema, e 'A Última Canção' de 1928, ambos protagonizados por Al Jolson e produzidos pela Warner Bros.
Aqui há uma história muito simples projetada para reunir apresentações de canto e dança. O principal problema é que os números musicais parecem prolongar demais essa curta história, o que meu deu a sensação de que as músicas estão sendo usadas para prolongar o tempo de execução.
A relação dos personagens mostram egos conflitantes e artistas nervosos, demonstrando a atmosfera turbulenta das celebridades de Nova York, embora mesmo no final dos anos 20 o tema pareça cansado. Um enredo muito simples, mas muito melodramático o que me fez achar 'Melodia da Broadway' muito chato.
Do trio de atores principais, apenas Charles King sabia cantar, mas infelizmente a sua atuação não é uma das melhores de assistir. Anita Page começou sua carreira no cinema mudo, mas rapidamente fez a transição para o cinema falado. Em 1929, a loira estava no auge de sua popularidade. Bessie Love teve a corrida mais longa e constante de qualquer um dos três. Sua primeira aparição na tela foi em 1915 e a última em 1983. Nesse meio tempo, ela fez mais de 100 filmes e nunca passou mais de cinco anos sem um papel.
É impossível negar o valor histórico, talvez um pouco técnico também, de 'Melodia da Broadway'. Foi difícil para mim não sofrer impacto dos seus tediosos cem minutos de duração. O longa-metragem vale a pena se o espectador quiser completar a lista de filmes vencedores do Oscar ou de obras com valor notável para o desenvolvimento da arte cinematográfica, mas para quem procura um bom filme, eu sinto em lhe informar, 'Melodia da Broadway' não é bem o que você está precisando.
'Ghostbusters: Mais Além' é um exercício profundamente nostálgico. Isso está claro desde o início, como costuma ser o caso de filmes que combinam sequências de décadas depois com reinicializações famintas de franquia.
'Os Caça-Fantasmas' se tornaram um clássico ao mesclar absurdos loucos e fantásticos com uma frouxidão cômica vagamente contra cultural. 'Ghostbusters: Mais Além', dirigido e co-escrito por Jason Reitman, traz uma aventura infantil, que possui algumas piadas boas e em outros momentos a comédia oferece piadas ruins sobre piadas ruins.
O filme faz uma tentativa desanimada de formar um novo quarteto de heróis briguentos e brincalhões, com os irmãos se juntando ao novo amigo de Phoebe, Podcast (Logan Kim) e a paixão instantânea de Trevor, Lucky (Celeste O'Connor). A falta de tempo de tela real que os quatro passam juntos como um grupo é uma dica de que a mistura de crianças mais jovens e mais velhas é um ato de posicionamento demográfico mais do que qualquer outra coisa.
Durante a primeira hora, 'Ghostbusters: Mais Além' solidamente segue a linha entre o antigo e o novo, enquanto Jason Reitman oferece ótimos momentos, no entanto, o filme muda de brincar com a mitologia do passado para imitar completamente.
Aspectos técnicos lindamente construídos a partir do original. A partitura do compositor Rob Simonsen é uma homenagem aos temas clássicos e inesquecíveis de Elmer Bernstein, ao mesmo tempo em que estabelece sua própria paisagem sonora única com instrumentação semelhante à de sopros, cordas e metais pesados.
A cinematografia do colaborador frequente Eric Steelberg é sutilmente influenciada pela abordagem de László Kovács, aumentando simultaneamente os tons narrativos com seu próprio toque humanístico e fundamentado. O design de produção de François Audouy e os figurinos de Danny Glicker dão interpretações inteligentes a momentos icônicos do filme de 1984.
Jason Reitman aperta o botão de reinicialização mais uma vez, desta vez carregando um legado cinematográfico familiar. Com toda a nostalgia acumulada na imagem, sua própria identidade remodelada fica levemente comprometida, funcionando como um mimeógrafo do que veio antes dela.
'Os Caça-Fantasmas' foi um grande sucesso e foi uma boa ideia refazer o filme com um elenco só com mulheres. Quando você tem mulheres tão engraçadas como Kristen Wiig, Kate McKinnon, Leslie Jones e Melissa McCarthy fazendo filmes, é inteligente encontrar maneiras de juntá-las, mas esse remake parece desperdiçar todas as oportunidades.
'Caça-Fantasmas' começa bem, com Zach Woods como guia turístico em uma casa mal-assombrada. Em seguida, a ação muda para Kristen Wiig, como Erin, uma professora de física a poucos dias de sua revisão de mandato. O roteiro é nítido com algumas linhas inteligentes, mas nada parece funcionar aqui.
Todo o caos sobrenatural do primeiro filme foi apoiado pelo ótimo relacionamento entre quatro personagens principais, distintamente desenhados. 'Caça-Fantasmas' não traz uma relação convincente entre essas personagens o que deixa o longa fora de órbita dentro de seu próprio universo.
Chris Hemsworth rouba bastante a cena como um secretário pouco inteligente. Kristen Wiig sabe que a comédia é basicamente drama, mas atua com senso de humor e Melissa McCarthy é sempre um prazer assisti-la na comédia. O que dá errado é que Wiig e McCarthy são apenas duas pessoas e 'Caça-Fantasmas' é sobre um quarteto.
Kate McKinnon, em particular, está chocantemente deslocada e ela ajuda a arrastar o filme para baixo com expressões faciais e gestos selvagens, reações fora de contexto e vozes estranhas sem motivo específico. Temos Leslie Jones, cujo papel como trabalhadora do metrô transformado em caça-fantasmas é completamente plano.
A ladainha do fanservice também não ajuda 'Caça-Fantasmas'. Bill Murray, Dan Aykroyd, Sigourney Weaver, o busto de Harold Ramis, Ernie Hudson, Annie Potts, Slimer e mais, todos mostram seus rostos em cenas que parecem criadas para a seção de aplausos enlatados de uma comédia quando o amado personagem finalmente aparece. E suas aparições sempre paralisam qualquer impulso que existe enquanto ele se deleita em suas aparições nostálgicas, mas sem sentido.
'Caça-Fantasmas' segue o modelo do original de Dan Aykroyd e Harold Ramis, o roteiro fraco de Feig e sua co-roteirista Katie Dippold não dá caldo para um boa história. Com pouco humor e tensão, os encontros assustadores são colisões rotineiras com espectros vaporosos de CGI que se transformam em um cataclismo sobrenatural sem envolvimento desencadeado na Times Square de Nova York.
'Os Caça-Fantasmas' pode ter nos feito sentir bem em 1984, mas essa atualização pouco imaginativa cruza seus fluxos convencionais muitas vezes para seu próprio bem. É uma pena que esta atualização quase sem graça e sem inspiração só irá alimentar os raivosos fãs do clássico. É tudo ocupado e barulhento com zero emoção e pouca comédia sustentável.
Sr. Hammer comanda um hotel falido na Flórida, nos EUA. Ele tenta qualquer coisa para conseguir dinheiro, inclusive fazer amor com a rica Sra. Potter. Mas, seu principal esquema, a venda de imóveis, está quase sendo sabotado por Chico e Harpo Zanies.
O modelo cinematográfico dos Irmãos Marx foi refinado ao longo dos anos, para melhor e para pior, mas está muito bem formado para começar em sua estreia em 1929, isso porque os irmãos já se apresentavam como um time há cerca de quinze anos e apresentavam 'No Hotel da Fuzarca' desde 1925. O musical de sucesso da Broadway era um material irresistível para uma Hollywood faminta por artistas para povoar a florescente era do som dos filmes. Groucho, Chico, Harpo e Zeppo tornaram-se estrelas de cinema a serviço da Paramount Pictures.
Os Irmãos Marx, atuam com velocidade vertiginosa nesta brincadeira farsesca e quase sem trama por um hotel na Flórida, aparentemente lidando com a chegada e partida de milionários que ficaram mais ricos ou mais pobres durante o boom imobiliário da Flórida no final dos anos 1920.
O caos é frequentemente dividido neste veículo "puro" de Marx, onde a história de amor é estritamente acidental. Enquanto eles basicamente mantiveram a rotina que o público tinha apreciado na peça original de George S. O ritmo do filme é em alta velocidade e a comédia funciona muito bem aqui.
Este é um filme da era do som, bruto e sem forma, um filme tecnicamente sem sofisticação, no qual o som é estático e a câmera imóvel, com os comediantes entrando nos cenários. A história também não tem algo que cativa, só não fica completamente chata graças ao humor. 'No Hotel da Fuzarca' foi oficialmente a estreia dos Irmãos Marx, embora eles tenham aparecido em uma obscura produção muda que agora é um filme aparentemente perdido.
Geralmente há uma certa arrogância nos produtores referente a sequências. Eles sabem que têm você, independentemente do que está acontecendo na tela e o resultado é muitas vezes apático e rotineiro. A aventura fantasmagórica ainda é surpreendentemente, recorrendo a um conto mais sensato de maldade antiga que reside em obras de arte assombradas.
Os cenários eu achei mais realistas, os efeitos especiais e os diálogos continuam fazendo sua marca. O filme se beneficia substancialmente da química ainda irresistível entre os personagens centrais, com a atuação completamente afável de Murray ancorando os procedimentos, em geral, compensando seus elementos mais questionáveis.
'Os Caça-Fantasmas 2' foi uma sequência ansiosamente esperada, mas de alguma forma decepciona. O filme segue a mesma fórmula, o que deixa esse longa sem imaginação. Ideias antigas são levemente disfarçadas e depois regurgitadas, com caracteres arbitrariamente alterados para se adequarem ao novo contexto.
A atmosfera penetrantemente presunçosa do filme é perpetuada por uma dependência contínua de elementos auto referenciais e geralmente não há como evitar a sensação de que o filme não existiria se o original tivesse fracassado. Perto da conclusão, o enredo começa a se assemelhar ao cenário de fim do mundo de antes, quase como se os escritores Aykroyd e Ramis estivessem tentando corrigir falhas de script anteriores.
Torna-se aparente, eventualmente, que 'Os Caça-Fantasmas 2' parece mais um remake direto de seu antecessor superior do que uma continuação, já que o filme, escrito por Ramis e Aykroyd, apresenta uma narrativa que muitas vezes segue um caminho semelhante ao de 1984. Uma sequência chocantemente satisfeita e imperdoavelmente descuidada da comédia fenomenalmente popular.
Com décadas de filmes sobre a Segunda Guerra Mundial, pode-se supor que não há novas histórias para contar, por isso a indústria começa a reciclar coisas que já existem. 'Os Segredos que Guardamos' é um thriller do diretor Yuval Adler, semelhante a “Death and the Maiden”.
O filme não é totalmente convincente nem particularmente original, sua narrativa segue um curso que parece um tanto previsível desde o início. Mas ainda é forte o suficiente para ser eficaz, especialmente por causa dos atores.
O roteiro de Adler e Ryan Covington brilha com delicadas ambiguidades durante esses primeiros trechos, não apenas colocando em questão a retidão moral das táticas vigilantes de Maja, mas também os passos lógicos, embora talvez desleais, dados por Lewis para mitigar os danos causados pela imprudência de sua esposa.
'Os Segredos que Guardamos' examina questões perturbadoras da maneira menos útil possível. Sua abordagem do personagem é substancialmente menos profunda. Não se pode dizer que Rapace é horrível em sua performance. A maneira como ela olha furiosamente, caminha, pisca e diz coisas me prendeu na tela, ela está incrível.
Chris Messina é um ator cômico competente, está totalmente perdido aqui. O diálogo inventado por Adler e seu colaborador Ryan Covington não ajuda. Os personagens secundários são esboçados de forma superficial que parecem expatriados de algum drama estereotipado sobre o subúrbio dos anos 50.
O drama se passa no final dos anos 50, que eu consegui perceber graças ao guarda-roupa e às muitas vezes repetidas informações de que a guerra havia terminado cerca de 15 anos antes. É necessário ter esses marcadores da época, porque os personagens e as atitudes pouco fazem para dar ao filme uma noção de tempo ou lugar.
Para mim o filme ficou desinteressante por não levantar questões sobre o mal e a redenção, o amor e a lealdade, a recuperação de si mesmo ou a fuga do passado. Há apenas a questão de saber se Thomas é realmente Karl, que desde do começo já é possível confirmar que sim, e como Maja e Louis iram cuidar de toda essa situação.
'Os Segredos que Guardamos' é muito organizado para abraçar algo realmente surpreendente ou inesperado, seja estilística ou narrativamente. O longa até tenta algumas novas ideias para o enredo, mas os esforços levam o telespectador a lugar nenhum. Há uma história interessante a ser contada aqui, mas quase nada sobre 'Os Segredos que Guardamos' fica na memória.
Este filme é uma exceção à regra geral de que grandes efeitos especiais podem destruir uma comédia. Os efeitos especiais exigem um trabalho meticuloso de detalhes. A comédia exige espontaneidade e improvisação. 'Os Caça-Fantasmas' é uma colisão frontal entre duas abordagens cômicas que raramente funcionam juntas, mas desta vez obtiveram sucesso. O filme é um blockbuster de efeitos especiais e um filme de diálogo astuto.
'Os Caça-Fantasmas' tem muitos efeitos legais, alguns deles incompreensíveis, outros apenas pequenos descartáveis, como quando um monstro transparente de lodo verde engole um bocado de cachorros-quentes. Não importa quais efeitos estejam sendo usados, eles são colocados a serviço dos atores; em vez de sentir como se os personagens tivessem sido cuidadosamente posicionados na frente de efeitos especiais, sentimos que eles estão improvisando essa aventura à medida que avançam.
O filme é estrelado por Bill Murray, Dan Aykroyd e Harold Ramis, eles são engraçados, mas não têm medo de revelar que também são perspicazes e inteligentes; o diálogo deles dá pequenos giros aos clichês americanos e usa eufemismo, ironia, piadas internas, vasto cinismo e brincadeiras alegres.
A única grande falha no filme é o personagem de Winston Zeddmore, escrito para Eddie Murphy, que se sente lamentavelmente inútil. Há também muitas pontas soltas no roteiro, já que poucos dos personagens coadjuvantes acabam tendo muito a ver um com o outro e parecem deslocados e sem nada para fazer.
Aykroyd, com generosidade típica, disse que pelo menos 50% do sucesso de 'Os Caça-Fantasmas' se deve a Murray. Esses atores dão ao filme seu núcleo de doçura porque você pode ver a amizade muito real entre eles, particularmente entre Ramis e Aykroyd, que escreveram o filme juntos.
Como Dr. Peter Venkman, Murray aperfeiçoou sua irresistível persona sardônica, mas todos os principais atores interpretam suas personalidades com perfeição neste filme: Aykroyd como o doce amigo, Rick Moranis como o nerd infeliz, Harold Ramis como o cabeça de ovo, Annie Potz como o ajudante nerd e Sigourney Weaver como o glamouroso interesse amoroso e o demônio da ficção científica.
A trama pode ser simples, mas tudo é levado com muito mais estilo e sutileza do que se poderia esperar. A trilha sonora de Elmer Bernstein, fornece os arrepios necessários, mas com um ritmo acelerado que sublinha a comédia essencial, assim como o engenhoso trabalho de câmera de Laszlo Kovacs aumenta o design de produção muitas vezes engenhoso de John De Cuir.
Uma das minhas coisas favoritas sobre este filme é sua caricatura gráfica: os uniformes dos Caça-Fantasmas, o Ghostmobile e as insígnias dos Caça-Fantasmas são tão reconhecíveis hoje quanto eram há quase 30 anos.
Isso não é uma regra, mas quanto mais você gasta, menos risadas você obtém, o filme usa seu dinheiro com sabedoria. 'Os Caça-Fantasmas' é um daqueles raros filmes em que a visão cômica original e frágil sobreviveu a uma produção multimilionária. O longa é um daqueles raros filmes em que a visão cômica original sobrevive a uma produção multimilionária.
O herói da 'Janela Indiscreta' de Alfred Hitchcock está preso em uma cadeira de rodas, também estamos nós presos dentro de seu ponto de vista, dentro de sua falta de liberdade e de suas opções limitadas, é permitido ver apenas o que o herói pode ver.
Quando ele passa seus longos dias e noites vergonhosamente bisbilhotando seus vizinhos, nós compartilhamos sua obsessão. É errado espionar os outros, mas afinal de contas, não somos sempre voyeurs quando vamos ao cinema? Aqui está um filme sobre um homem que faz na tela o que fazemos na plateia.
Em 'Janela Indiscreta', Jeff não é um moralista, um policial ou um benfeitor, mas um homem que gosta de olhar. Há momentos cruciais no filme em que ele é claramente obrigado a agir e ele demora, não porque não se importa com o que acontece, mas porque esquece que pode ser um jogador ativo; ele é absorvido em um papel passivo.
Todos os personagens do filme são, espetacularmente, direcionado pelo roteiro de uma maneira que, só é possível conhecê-los através da observação. Eles têm suas histórias, conflitos e dramas mostrados por alguns minutos via uma janela. Essa é a maior graça do filme, você precisa captar e interpretar o que se vê, não é um filme com um roteiro onde tudo é jogado na sua cara, para você não precisar pensar em nada.
Espirituoso, cheio de suspense, triste, engraçado e sábio, o filme confronta uma plateia com sua cumplicidade nas histórias que vê, mas também trabalha em um dos grandes confrontos entre heróis e assassinos. De todos os filmes de Hitchcock, este é o que mais revela o homem. 'Janela Indiscreta' é um filme impecável e essencial.
Steven Spielberg é um contador de histórias nato, e esse filme é sem dúvida sua história mais preciosa. O longa-metragem é um convite de entrada para a casa e para a cabeça do diretor, talvez o mais amado do mundo. A obra é uma zona estranhamente higienizada onde até mesmo o antissemitismo, problemas financeiros e divórcio, parecem ir muito bem com uma pipoca com manteiga.
Se você cresceu com os filmes de Spielberg, certamente observou alguns temas recorrentes em seus trabalhos, especialmente na maneira como os pais se relacionam com os filhos. Seja um pai emocionalmente distante deixando sua família desmoronar ou um Peter Pan adulto lutando por seus filhos, esses laços claramente importam nos trabalhos do diretor, porque as mesmas conexões quebradas da ficção foram a sua realidade também.
Que divertido deve ter sido para o diretor encenar seus primeiros experimentos na câmera, desde embrulhar suas irmãs em papel higiênico para um filme de múmia, até o filme de guerra de 40 minutos que o escoteiro fez com seus amigos, pois para o público 'Os Fabelmans' também pode ser divertido. Trazer uma ótica cinematográfica para um olhar inocente de uma criança, mostra não só um personagem infantil brincando, mas traz também um certo sentimento de nostalgia para o público que acompanha a história.
Mas nem tudo são flores, nem para Steven Spielberg. O filme dá uma guinada para o sério quando Sammy (Gabriel LaBelle) faz uma descoberta alarmante entre as filmagens que ele fez de um acampamento em família. O dilema moral surge em simultâneo, em que o tio-avô de Sam, Boris (Judd Hirsch), aparece para dar uma palestra estimulante sobre como arte e família não se misturam. A próxima coisa que sabemos é que os Fabelmans estão se mudando novamente, abandonando o tio Bennie (Seth Rogen) no Arizona, apenas para se reconectar com a rabugenta avó Hadassah (Jeannie Berlin) quando chegam à Califórnia. Temos um vislumbre da vida de Sammy no colégio, e como qualquer garoto estadunidense, teve seus normais problemas de adolescente.
O filme se desenrola em uma divagação episódica, mas é construído com mais cuidado do que muitos filmes de memórias, que simplesmente vagam pela vida do personagem. Humor, tristeza e esperança dançam um ao redor do outro enquanto esta família não para de tagarelar. 'Os Fabelmans' é épico em duração, mas a escala permanece íntima, com a maior parte da ação ocorrendo no espaço doméstico dessa família, mas a obra cinematográfica traz uma atmosfera de poucas novidades.
Embora 'Os Fabelmans' possa parecer familiar, também pinta um retrato de família atraente, doce e às vezes comovente. As atuações de todo o elenco são fantásticas, com o novato Gabriel LaBelle mostrando uma profundidade e habilidade impressionantes como o adolescente Sammy. Paul Dano e Michelle Williams estão bem escalados. Williams é especialmente uma força da natureza aqui, enquanto Dano é doloroso e frustrante, por sua vez, como um pai gentil, porém teimoso.
Apesar de todo o foco no espaço íntimo da vida doméstica, este filme termina com o seu protagonista pronto para um mundo maior. Depois de um encontro com uma lenda de Hollywood, esse prodígio caminha sozinho pelos fundos vazios de um estúdio, pensando animadamente no filme que fará a seguir. A última cena termina com uma pequena piada cinematográfica, uma mudança divertida de perspectiva.
Há uma sensação de que Steven Spielberg está escondendo os fatos de sua própria vida por trás de famílias fictícias. 'Os Fabelmans' tem uma mistura de real com o ficcional, que parece não se misturar muito bem, mas é um filme espirituoso e agradável sobre uma vida normal e um pouco sobre o cinema.
O roteiro de Joseph Stefano, foi baseado em um romance de Robert Bloch, que fornece uma base sólida para a direção de Hitchcock. E é o roteiro de que mais chama atenção ao assistir "Psicose", fugindo totalmente do normal e comum, a trama tem uma reviravolta surpreendente, que nos deixa com muitas dúvidas e o mais importante, ela nos prende até o final.
O gênio travesso de Hitchcock para a manipulação da plateia está em toda parte: na angularidade da cinematografia, no uso que ele faz da trilha sonora de Bernard Herrmann, no imaginário ornitológico que cria uma sensação bizarra de predação. A graça de assistir Psicose é que você precisa vê-lo mais de uma vez. A direção de Hitchcock é cheia de detalhes e merece ser assistido com muita atenção.
As atuações são mais que excelentes e funcionais, mas o destaque é todo do Anthony Perkins que vive Norman. Ele convence seu personagem tão bem, que tem cenas que dá um verdadeiro medo do ator em cena, ele é incrível.
Hoje é considerado um dos melhores filmes de Hitchcock e elogiado como uma obra de arte cinematográfica por críticos internacionais de cinema e estudiosos da área. Classificado entre os melhores filmes de todos os tempos, ele estabeleceu um novo nível de aceitabilidade para a violência, comportamento desviante e sexualidade nos filmes americanos. Psicose é uma excursão brilhante ao medo.
Quantos diretores podem fazer você torcer por romance entre uma mulher e homem-peixe de olhos mortos que come gatos? A lista não pode ser muito mais longa do que apenas Guillermo del Toro. Ninguém faz horror tão romântico. No seu melhor, o trabalho de del Toro mantém o sonho, o pesadelo e o realismo em perfeito equilíbrio, levando você a mundos terríveis, segurando sua mão o suficiente para que você se sinta seguro. A partir desses mundos de fantasia, ele olha para o nosso mundo, em toda a sua crueldade.
A maneira como del Toro constrói esse romance altamente improvável é incrivelmente inteligente. O fato de que Elisa é tão silenciosa quanto a criatura os coloca em pé de igualdade. Se ela pudesse falar, suas tentativas de conversar com ele poderiam fazê-lo parecer um animal de estimação. Como ambos se comunicam por ação, eles são iguais na conversa. Eles se aproximam através da linguagem de sinais, linguagem corporal e música. Antes que você perceba, parece completamente razoável que uma mulher humana possa gostar de uma criatura marinha.
Há sequências de sonhos musicais e realismo mágico, mas há violência, sangue e dura realidade. Não é apenas um conto de fadas, mas um filme político muito urgente e moral. Encontrar paralelos modernos para líderes motivados pela ganância que temem a igualdade não é difícil.
Ele investe a cada momento aqui com design deslumbrante e atmosfera sobrenatural. Primeiras cenas tocam como partes de uma máquina ornamentada e implacável, com temporizadores de ovo e relógios de ponto e calendários e movimentos repetitivos no local de trabalho de Elisa, criando um senso de vida que está passando, da grande engenhoca de estar zumbindo e consumindo esses personagens.
Mais tarde, no entanto, o filme propositadamente mergulha e desliza; del Toro deixa o mau funcionamento do mecanismo de relógio, como se a conexão silenciosa desses dois estranhos solitários tivesse derrubado a marcha implacável do tempo. E assim como a história deve começar a acelerar e a ficar mais previsivelmente excitante, ela se torna mais estranha, atraída por tangentes estranhas. Há até uma sequência de dança bizarra no final do filme, um sonho de febre de Fred Astaire que, de alguma forma, anima e ressalta a melancolia dos personagens.
No entanto, Hawkins nunca exagera. O rosto dela é um dos mais expressivos do planeta, e teria sido tão fácil passar por cima com o papel de um mudo romântico - para preencher os silêncios do personagem com grotesco angular e expressivo. Mas ao longo de tudo isso, ela permanece em tamanho natural e real. Fala tanto da confiança quanto da generosidade de del Toro que, tendo projetado esse mundo tão profundamente, entrega a coisa toda a Hawkins - não apenas para que ela possa dar vida a seu próprio caráter, mas pode conjurar todas as conexões emocionais necessárias. para tudo isso funcionar em qualquer nível. E meu deus, como ela corre com isso.
Todo cenário parece estar submerso em água, mesmo quando não estamos debaixo da água. Del Toro codifica em cores sua história de amor em tons de acqua, tornando-se mais escura à medida que a tragédia inevitável se aproxima. A câmera de Dan Laustsen deriva quase imperceptivelmente durante as cenas entre Elisa e a criatura, como uma folha na superfície da água. A partitura musical de Alexandre Desplat é por vezes fantasiosa e sinistra como contos de fadas. Cada peça se encaixa suavemente, de forma irresistível, tornando o 'A Forma da Água' um dos melhores filmes do ano.
'A Forma da Água' à primeira vista, é uma enxurrada de momentos maravilhosos e imagens bonitas e sinistras. Quando se instala, como você pensa, semanas depois, seus significados mais profundos sobem à superfície. 'A Forma da Água' é uma fantasia, um filme de horror, um conto de fadas, tudo isso além de ser um dos melhores filmes da década.
'Duna' tem um roteiro que é uma verdadeira bagunça, uma excursão incompreensível e desestruturada. O filme tem tantos personagens, tantos relacionamentos inexplicáveis ou incompletos e tantos cursos de ação paralelos que às vezes é difícil acompanhar a história.
A fotografia do filme é banhada por uma espécie de filtro amarelo empoeirado, como se o filme tivesse ficado muito tempo exposto ao sol. David Lean fez o deserto parecer lindo e misterioso em 'Lawrence da Arábia', em 'Duna' o cenário seco e quente parece pobre e monótono.
O filme tem um elenco respeitável que faz o que se espera deles, mas ninguém parece muito feliz aqui. Os atores se postam em trajes extravagantes, balbuciando diálogos que têm pouco ou nenhum contexto. Eles nem mesmo recebem cenas que funcionam de maneira independente.
Os elementos de ação são onde 'Duna' particularmente falha. Os efeitos especiais nem chegam perto de outros esforços de ficção científica da década de 80. Os efeitos práticos são as únicas áreas em que o longa tem sucesso. Não por acaso, é aqui também que a mão de David Lynch pode ser mais sentida.
Este é um filme que não domina dramaticamente as vastas forças para as quais está apontando, mas gira com determinação junto com muito pouca variação de tom ou ritmo. O diretor David Lynch faz uma tentativa corajosa de fazer justiça às tramas de Herbert, mas no final ele é derrotado pelas complexidades da história.
'Duna' parece um projeto que estava seriamente fora de controle desde o início. Cenários foram construídos, atores foram contratados; nenhum roteiro utilizável foi escrito; todo mundo fingiu enquanto podiam.
Em seu terceiro filme como diretor, Iannucci voltou-se para o romance autobiográfico de Dickens com o mesmo zelo que antes reservava para a paródia política. 'A Vida Extraordinária de David Copperfield' é um dos dramas de fantasia vitorianos mais animados, coloridos e extravagantes que você provavelmente verá.
Iannucci, famoso por seu estilo de improvisação e barragens carregadas de palavrões, claramente encontra em Dickens um escritor simpático no gosto pela linguagem e gosto por multidões. Em muitos aspectos, eles combinam bem, com o estilo mais anárquico e livre de Iannucci que anima a sagacidade e a natureza do livro de Dickens.
Há muito a ser apreciado sobre o ritmo energético do filme, o elenco nunca falha em convencer. 'A Vida Extraordinária de David Copperfield' mantém seu tom otimista e caprichoso, deixando os momentos de drama muito fracos quando a história exige desses momentos uma carga mais pesada de drama.
Os ocasionais momentos turbulentos dão uma dica dos verdadeiros instintos de Iannucci espreitando logo abaixo do material, incluindo uma sequência contínua de embriaguez acelerada e coreografada como uma clássica sessão de pastelão e momentos onde os personagens se chocam com os sets desordenados. Só nos momentos finais o longa se inclina para a estranheza absoluta da história do personagem.
O filme tem um elenco distintamente multicultural, adicionam consideravelmente à vibração do filme, juntos fazendo um argumento bastante irrefutável para o elenco daltônico, para quem precisa de um.
Enquanto 'A Vida Extraordinária de David Copperfield' mantém um ritmo agitado e rápido enquanto corre pela vida de Copperfield, Iannucci e seu co-escritor Simon Blackwell organizam o filme em capítulos tão distintos que o filme parece mais uma litania de cenas do que o evolução dramática de um jovem.
Se o dom de Iannucci para a interação do conjunto tem um lado negativo, é situar o que pretende ser "uma história pessoal" menos da perspectiva da primeira pessoa de Copperfield. Você sai apreciando certas partes, em vez de sentir o alcance de uma história.
Armando Iannucci tem sido o rei reinante da sátira filmada por anos, mas com 'A Vida Extraordinária de David Copperfield', ele troca a sátira política vibrante por uma montagem confusa de conceitos caprichosos. A adaptação tem boas intenções de sobra, de um elenco liderado por Dev Patel em sua melhor forma, a uma cascata de transições de cena lúdicas. 'A Vida Extraordinária de David Copperfield' merecia trazer uma biografia mais firme.
Se você achou os dois primeiros filmes sem alma e sem alegria, prepare-se para continuar tendo a mesma opinião, mas já aviso que as coisas são um pouco piores desta vez. Enquanto o Robert Langdon corre confuso pela Europa tentando impedir uma praga, criada por um louco fã de 'A Divina Comédia', o filme segue os movimentos clichês da ação, mas com menos sutileza técnica do que se poderia imaginar.
Tom Hanks sempre chamará a atenção em qualquer papel, mas não há brilho em Robert Langdon. Na maioria das vezes, o ator está tentando recuperar sua memória e seguir a trilha literária de Zobrist. Felicity Jones acompanha a luta mental de Langdon como Sienna Brooks, enquanto Ben Foster fala sobre como a dor inspira mudanças como um super vilão milenar demente. Irrfan Khan aparece e anima a festa com sua persona legal de segurança particular.
'Inferno' começa bem quando Robert Langdon acorda, sangrando e confuso, no hospital de Florença onde Brooks trabalha. Ele mal tem tempo de entender como foi parar em um leito de hospital, e um assassino armado começa a persegui-lo. O elemento de caça ao tesouro que alimentou 'O Código Da Vinci' é realmente indiferente aqui.
O pano de fundo é escandalosamente cênico, com uma perseguição típica percorrendo os Jardins Boboli de Florença até o Uffizi e ao longo das ruas do centro da cidade. 'Inferno' está determinado a captar as vistas oferecendo um belo vídeo de marketing turístico. Para um filme sobre pessoas inteligentes sendo inteligentes, você só gostaria que a trama fosse um pouco mais matizada.
'Inferno' é um tédio sombrio e pesado de exposição que nunca agarra o diabo pelos chifres. O foco instável de Ron Howard cria ação e suspense sem muito investimento, enquanto os atores gastam metade de suas atuações regurgitando informações que já ouvimos vinte vezes. O longa-metragem é barulhento e com pouca energia, no final, até Tom Hanks parece um pouco entediado.
'Contos de Natal, O Musical' recria uma Londres do século XIX impressionante considerando o orçamento limitado de uma produção televisiva, partindo deste ponto de vista, o longa-metragem ganha alguns pontos, mas não o suficiente para se tornar um bom filme.
As performances são fracas e caricatas. O elenco tenta dar vida a vários grandes números de dança sem energia, e também tenta dar alma a trilha sonora de Alan Menken, que os deixam cantarolando melodias repetidas e chatas.
A obra original traz um pouco do terror e do medo, que em algumas vezes é deixado um pouco de lado pelas adaptações, sentimentos que no final da história, contrasta muito com a misericórdia dada ao Scrooge. Em 'Contos de Natal, O Musical', eu senti falta do desespero e da real intensidade que a história exige para a grande transformação do personagem.
Eu não preciso me esticar muito sobre o que eu achei do filme, pois eu não gostei nadinha dele. A produção em seu total massacrou este belo clássico o deixando quase irreconhecível. Eu acredito que 'Contos de Natal, O Musical' seja a pior versão que já conferi, esse filme é uma verdadeira bagunça desajeitada.
O título da versão do diretor Francis Ford Coppola, indica uma estratégia de marketing baseada, não apenas em calafrios e caos, mas também em respeito pela reputação literária e fidelidade à obra original. 'Drácula de Bram Stoker' fica bem próximo do enredo do romance, com seus detalhes da vida do final do século 19, juntamente com explosões de sangue no estilo do final do século 20.
A versão original de Stoker é uma visão infantil vitoriana do amor como uma história de terror marcante. O diretor apresenta ao público uma visão do tipo conto de fadas, uma espécie de história infantil com presas.
Francis Ford Coppola ressuscita uma série de convenções cinematográficas de anos passados, complementando efeitos especiais de alta tecnologia com truques de câmera antiquados que evocam a atmosfera de magia, o que para mim soou estranho, é difícil aceitar a proposta de visão do diretor.
Quanto ao perverso Drácula, Gary Oldman o interpreta soberbamente, passando do hediondo ao hilário com uma facilidade incrível. Anthony Hopkins causa uma impressão igualmente forte como Van Helsing, o caçador de vampiros e Tom Waits merece um aceno de cabeça por sua interpretação de Renfield, o lunático.
Francis Ford Coppola e sua equipe de produção entregam um visual com uma paleta de cores vibrantes, que trazem o fantástico e reforçam o obscuro. Eiko Ishioka é um artista japonês que desenhou magníficos figurinos, e fez um trabalho incrível. Thomas Sanders, que desenhou os cenários, também faz um trabalho fantástico ao contar essa história visualmente.
‘Drácula’ é um filme bonito de se assistir, é um verdadeiro espetáculo, mas o diretor Francis Ford Coppola entrega uma obra muito estranha, os elementos não parecem se misturar bem.
O filme começa de maneira bastante promissora, em uma sequência estendida em que Sandra Bullock e Sarah Paulson, habilmente escalados como irmãs, trocam diálogos farpados no caminho para uma consulta médica, é quando no caminho, motoristas e pedestres aleatórios começam a cometer suicídio em massa ao seu redor.
O elenco de 'Caixa de Pássaros' é muito grande para se desenvolver totalmente em algumas horas, mas o roteirista Eric Heisserer tenta mesmo assim, escrevendo personagens unidimensionais e monólogos que sugerem histórias de fundo mais longas e mais satisfatórias do que as mostradas em tela.
O horror está no desconhecido, o medo se encontra em não poder ver. A diretora Susanne Bier sabiamente evita revelar a ameaça, mas é inevitavelmente forçada a dar a ela algum tipo de manifestação. As escolhas são do tipo: folhas rodopiantes ou sussurros distorcidos. Escolhas que são decepcionantemente arrancadas diretamente de algum manual de "Como fazer um Filme de Horror".
Sandra Bullock exala uma autenticidade corajosa que faz valer a pena seguir Malorie. 'Caixa de Pássaros' quer dizer algo significativo sobre o poder da maternidade. Nos flashbacks, Malorie expressa ambivalência sobre ter um filho, a atriz vencedora do Oscar puxa nossas cordas do coração enquanto luta para proteger suas crianças.
O filme é um terror pós-apocalíptico, com momentos de intensa violência e elementos que lembram outros filmes. A falha mais significativa de 'Caixa de Pássaros', é que o longa é muito inerte e sem foco para funcionar como terror de ficção científica.
'Caixa de Pássaros' é surpreendentemente simplista em suas correntes temáticas, à medida que avança, começa a parecer que não está totalmente certo do que está tentando fazer. O filme é uma experiência curiosamente vazia, ainda assim, é divertido o suficiente para valer a pena assistir.
A Universal Pictures está viva até hoje por causa dos filmes de monstros. Em 1930, a Universal perdeu muito dinheiro em receitas. Então, em fevereiro de 1931, 'Drácula' foi lançado e faturou muito para os estúdios naquele ano. Ficou claro para o produtor da Universal, Carl Laemmle Jr., que os filmes de terror eram o que o público queria. Em novembro do mesmo ano, 'Frankenstein' foi lançado.
O diretor James Whale fez um ótimo trabalho em sua direção. Isso não é uma coisa fácil de dirigir. A adaptação para a tela de tal história foi obviamente uma tarefa de extrema dificuldade. Cada quadro de 'Frankenstein' exibe a atenção do diretor aos detalhes. Embora alguns aspectos da produção possam parecer antiquados para o público de hoje, há uma aura assustadora que poucos filmes de hoje não conseguem alcançar.
O desempenho do ator Boris Karlofff é excepcional, movendo-se de maneira tão rígida e pesada. Ele também é capaz de transmitir a simplicidade infantil da mente do monstro. Ele tem tão pouco diálogo além de algumas palavras, mas faz você simpatizar com o ser através de seu rosto e dos sons.
O 'Frankenstein' de James Whale não é tanto baseado no livro quanto nas inúmeras peças teatrais que foram produzidas após o sucesso do conto gótico de ciência e horror de Mary Shelley. O livro aborda muitas das mazelas existenciais do homem em relação ao conceito de Deus. O filme acaba falando de forma muito leve sobre esses elementos e escolhe acentuar o melodrama da história de Mary Shelley.
A fotografia é esplêndida aqui, talvez a última palavra em engenhosidade, grande parte do longa se passa no escuro no período noturno, há bom uso da iluminação e ótimas manipulações de sombras para intensificar a atmosfera fantasmagórica de 'Frankenstein'. Outra área em que o filme se destaca é na maquiagem. Fica claro imediatamente por que o monstro de 'Frankenstein' é uma figura tão icônica do cinema. O design simples e perfeito da criatura é muito satisfatório.
'Frankenstein' deixa um pouco de lado a obra pela qual se baseia, e abusa do seu drama. Para quem leu o livro, assim como eu, pode ficar um pouco desapontado, mas o filme ainda sim, é uma obra que vale a pena ser visitada. Aproveitando o que estava dando dinheiro aos estúdios naquela época, 'Frankenstein' acaba sendo mais comercialmente elegante do que uma obra prima do terror.
O primeiro longa-metragem Muppet desde a trágica morte de Jim Henson em 1990, 'Um Conto de Natal dos Muppets' é uma mistura de humor. A melancolia da fábula sazonal frequentemente filmada de Dickens entra em conflito com os Muppets com sua amável anarquia habitual.
Na obra original, os espíritos do Natal passado foram projetados para transformar Scrooge de um velho rabugento em uma figura trágica. 'Um Conto de Natal dos Muppets' deixa um pouco a importância desses personagens, escolhendo um caminho mais superficial e não entregando um trabalho eficaz.
O filme poderia ter funcionado melhor se fosse um caso totalmente Muppet (talvez com Kermit como Scrooge). O roteiro também reduz muito as visitas noturnas, presumivelmente para evitar crianças chatas e outras com falta de atenção. Embora isso acelere o ritmo da história, a escolha acabou diminuindo o personagem de Scrooge.
O Scrooge dessa versão está indiscutivelmente entre as quatro ou cinco melhores interpretações de tela do infame avarento, mas forçá-lo a jogar contra os Muppets não apenas diminui seus esforços, mas reduz toda a produção ao nível da pantomima.
Os valores de produção são aparentemente altos, que entregam uma era Londres vitoriana aceitável. Brian Henson faz um trabalho de direção fluido, senão espetacular. As canções composta por Paul Williams são repetitivas e em alguns momentos deixam o filme chato. O final do filme é apressado entregando um final feliz forçado.
'Um Conto de Natal dos Muppets' não é terrível, mas é retumbantemente moderado, com canções meramente aceitáveis de Paul Williams e apenas risadas reais ocasionais. A evolução do personagem de Scrooge é insuficientemente temperada com alívio cômico. É o tipo de filme familiar de alto conceito que pode ser realizado a cada temporada de Natal.
'Vidas Sem Rumo', a fiel versão cinematográfica de Francis Coppola do romance juvenil mais vendido de S.E. Hinton, é dedicado a bibliotecária de uma escola secundária na Califórnia. Foi a carta dela, acompanhada de uma petição do corpo estudantil, que fez o diretor considerar a obra literária como um projeto de filme.
S.E. Hinton ainda era uma adolescente quando escreveu o best-seller em meados da década de 1960. Seu cérebro não estava cheio de equívocos adultos, então ela não entrou naquelas confusas zonas cinzentas. Ótimo para ela, mas não para Coppola, que transforma essa história tão esperada em algo meio sem graça.
Se Francis Coppola estivesse menos apaixonado pela fonte, ele poderia ter prestado a 'Vidas Sem Rumo' um serviço inestimável ao fazer alguns reparos. Em vez de começar com os personagens e o cenário social de Hinton e depois preencher os elos perdidos de motivação e causalidade, Coppola se contenta em tratar o material como um texto sagrado, o longa é definitivamente uma adaptação feita ao pé da letra.
'Vidas Sem Rumo' é um filme profundamente estranho que dá aos bandidos dos anos 60 a personalidade de Ursinhos Carinhosos e os coloca sob constante ataque de mauricinhos em suéteres de cor pastel. O grande ponto do filme é humanizar esses estereótipos malvados, mas o longa não entrega densidade e profundidade nos personagens, deixando tudo meio estranho de assistir.
A única fonte de interesse do filme é seu elenco agora mega famoso: os sete Greasers dominaram os filmes dos anos 80. O protagonista é C. Thomas Howell como Ponyboy, seguido em importância por Ralph Macchio, Matt Dillon, Patrick Swayze, Rob Lowe, Emilio Estevez, e em uma quase participação especial, Tom Cruise, que dá uma performance elegante e flexível.
'Vidas Sem Rumo' trata-se de um drama modesto das dificuldades adolescentes de um olhar adolescente. Francis Coppola entrega um filme sem ritmo, apressado e estranhamente editado. Talvez o longa seja levemente agradável para as crianças, mas faltou emoção aqui, o filme poderia simplesmente ter sido adaptado e não levado tão ao pé da letra.
Pedro Coelho 2: O Fugitivo
3.2 30'Pedro Coelho 2: O Fugitivo' é um caso curiosamente superficial, uma comédia sem graça baseada nos animais queridos de Beatrix Potter de dezenas de livrinhos delicados criados quando o mundo era menos cínico.
O filme ainda traz muita fofura com seus animais em CGI. O crescimento da tecnologia cinematográfica é notável. As criaturas são foto realistas e os cineastas fazem a escolha sábia de não antropomorfizar muito. Há texturas variadas de pele, há um trabalho incrível com sombra e a luz, a umidade nos olhos, a equipe de animação e efeitos visuais superaram mais uma vez.
Os momentos dedicados aos humanos, entretanto, deixam um gosto amargo. Byrne não tem muito com o que trabalhar desta vez, infelizmente, na maior parte do filme, o Thomas de Gleeson em vez de ser um trapalhão inseguro de quem simpatizamos, Thomas aparece como um chorão estridente e ciumento.
O roteiro do diretor Will Gluck e Patrick Burleigh se diverte um pouco com clichês de filmes de assalto e consegue as maiores risadas do filme com um visual ultrajante de cenários, mas o filme oscila principalmente entre piadas internas para os pais e humor físico para os espectadores mais jovens.
Trazendo um favorito das crianças para a vida com visuais vividamente realistas e design de produção atraente, 'Pedro Coelho 2: O Fugitivo' simplesmente prova que quando um filme falta o coração e o charme que tornou sua fonte de material querida para os leitores por mais de um século, ele se torna algo superficial.
'Pedro Coelho 2: O Fugitivo' traz a fofura para os adultos e o pastelão para as crianças. A aposta dos cineastas de que o público vai perdoar as modernizações e esquecer o original, é reforçada pelo fato de que, o primeiro filme arrecadou cerca de sete vezes o orçamento relatado.
Intolerância
4.0 108 Assista AgoraEssencialmente um produto da era vitoriana, D.W. Griffith foi o primeiro grande diretor da América, e 'O Nascimento de uma Nação' (1915) e 'Intolerância' (1916) representaram um salto para a nova arte do século XX. Valendo-se de todas as técnicas à sua disposição, o diretor trouxe um novo escopo e escala ao cinema.
A abordagem temática da era vitoriana não funciona mais, isso pode afastar muitos dos cinéfilos de hoje, mas a poesia visual é avassaladora, especialmente nas cenas de multidão. O uso excelente do cross-cutting pode deixar muitos cineastas atuais com inveja. O uso da ação para gerar suspense, cria um clímax que poucos filmes hoje não conseguem obter.
Quatro das histórias contadas em 'Intolerância' são: uma citação de Walt Whitman ('Fora do berço, balançando sem parar'). 'O Nazareno' é estrelado por Bessie Love, 'A História Medieval' envolve o massacre dos huguenotes no dia de São Bartolomeu em 1572, 'A Queda da Babilônia' apresenta Constance Talmadge, Elmo Lincoln, Seena Owen, Tully Marshall e cenários impressionantes, e 'A Mãe e a Lei' é uma emocionante história contemporânea estrelada por Mae Marsh e Robert Harron.
Enquanto alguns contos são menos substanciais e servem quase exclusivamente a propósitos alegóricos, 'A Queda da Babilônia' narrando padres rejeitados e o drama de um homem tentando evitar a forca, são totalmente emocionantes. Os cenários incríveis e os valores de produção luxuosos falam muito.
'Intolerância' mostra a coragem da antiga Hollywood. No conto que passa na Babilônia de 539 a.C., o erotismo é desenfreado, o período é retratado impressionantemente de maneira espetacular, com um cenário absurdamente gigantesco e exuberante. O longa-metragem também mostra o que Hollywood perdeu quando mais tarde se curvou à censura do Código Hays.
D.W. Griffith projeta os quatro contos para mostrar que a intolerância, em várias formas, existiu em todas as épocas. Três das exemplificações são baseadas em fatos históricos, a quarta, 'A Mãe e a Lei', é um melodrama de golpe poderoso que ainda pode causar um efeito até hoje.
A opinião crítica sobre o valor desse clássico foi dividida por quase um século, com Griffith sendo aclamado como um visionário. Quaisquer que sejam suas glórias e falhas, 'Intolerância' continua sendo um marco na arte e entretenimento cinematográficos. Pode parecer falho de várias maneiras para algumas pessoas, mas este é um cinema monumental e essencial para os verdadeiros entusiastas do cinema.
Pedro Coelho
3.4 146 Assista AgoraPeter Rabbit teve sua aventura contada pela primeira vez em 1902 pela autora Beatrix Potter em uma série de 23 pequenos volumes de fábulas infantis sobre a vida secreta dos habitantes da floresta. “The Tale of Peter Rabbit” continua a ser um material de leitura popular na hora de dormir, principalmente porque nosso herói teimoso sofre as consequências de seu mau comportamento e tudo retratado em aquarela delicadamente matizados de seus personagens.
Beatrix Potter ficaria lisonjeada em saber que um dia, mais de um século depois de publicar "The Tale of Peter Rabbit", seu personagem mais amado seria reinterpretado na tela, mas talvez ela não ficaria tão feliz de ver seus personagens em CGI ao invés de desenho tradicional.
'Pedro Coelho' é impressionante do ponto de vista dos efeitos visuais, não apenas casacos de pele virtuais, mas o grau em que as criaturas CGI interagem com seus ambientes é incrível, tapando a grama e levantando cascalho ou até mesmo quando conseguimos ver a pele do coelho oscilar de forma convincente nas suaves brisas do campo, o filme é perfeito em questões de efeitos visuais.
O diretor Will Gluck, que escreveu o roteiro junto com Rob Lieber, rapidamente estabelece o tom abertamente pastelão da produção desde o início, enquanto um quarteto de pássaros cantando em volta do logo Columbia Pictures termina com final trágico e cômico.
Não há uma história legal para contar aqui, nem há muitos personagens para alimentá-la. Peter não tem personalidade além de um verniz cansativo de sarcasmo. Sem personalidade, não pode haver arco emocional, nem crescimento do personagem, nem lições de vida aprendidas.
O que torna 'Pedro Coelho' assistível é a química óbvia entre Byrne e Gleeson e a animação CGI honestamente excelente de Peter e companhia. Para qualquer pessoa familiarizada com o “Peter Rabbit” original, é um pouco deprimente ver seu charme de contos de fadas reduzido a pastelão infantil.
Sem Novidade no Front
4.3 140 Assista AgoraPoucos filmes, até hoje, atingiram uma mensagem anti-guerra tão poderosa quanto a extraordinária evocação de Lewis Milestone da trágica loucura da guerra. Indiscutivelmente, ainda o maior filme da Primeira Guerra Mundial, seu terno retrato da inocente juventude alemã é justaposto ao angustiante imediatismo da guerra de trincheiras, filmado com uma verossimilhança reveladora que muitos cineastas modernos, com todas as suas ferramentas, não conseguiram igualar.
O Lewis Milestone não deixou nada de fora. Três ou quatro mortes à vista do público; duas cenas de hospital; sugeriu amputações de pernas tão sugestivamente forçadas que você quase pode vê-las cortadas; mortes por aquela carnificina de guerra no campo e uma morte por esfaqueamento nas trincheiras, incluindo a visão medonha de um par de mãos nuas apenas, por apenas um flash, pendurado em uma cerca de arame farpado.
É uma produção expansiva com vistas que nunca parecem ser limitadas. Quando os projéteis demolem os aposentos subterrâneos, os gritos de medo, juntamente com o som das metralhadoras, dos morteiros e dos projéteis, 'Sem Novidade no Front' sabe contar a história dos terror de uma guerra.
O terror sangrento da guerra retratado aqui, é uma inovação, talvez pareça loucura escrever isso, mas estamos nós em 1930, o filme é extremamente original quando você parar para pensar na sua forte linguagem dentro de seu contexto histórico e época.
A história é contada inteiramente através das experiências dos jovens recrutas alemães e destaca a tragédia da guerra através dos olhos dos indivíduos, levando o telespectador uma profunda imersão na trama. Enquanto os meninos testemunham a morte e a mutilação ao seu redor, qualquer preconceito sobre "o inimigo" e os "erros e acertos" do conflito desaparece..
É difícil lançar a comédia na maior tragédia que o mundo já conheceu, mas aqui, eles conseguem, principalmente por meio de Slim Summerville como um veterano fervoroso ou quando três soldados alemães nadam nus, através do rio até a costa francesa, carregando pão e salsichas para três garotas francesas do outro lado.
O diálogo pode parecer arqueado e teatral para os padrões de hoje, os discursos prolixos sobre camaradas caídos dificilmente são realistas, mas são reveladores e nenhuma concessão é feita às noções morais do bem contra o mal.
'Sem Novidade no Front' lançado em 1930 é considerado um dos filmes anti-guerra mais eficazes já feitos. Ganhou grandes elogios nos Estados Unidos, mas foi proibido em vários outros países, incluindo a Alemanha, por causa de sua mensagem pacifista. O filme é baseado em um romance de Erich Maria Remarque e reinventa a narrativa sobre a guerra com um olhar corajoso e verdadeiro.
Melodia da Broadway
2.9 48Vencedor do Oscar de Melhor Filme em 1930, 'Melodia da Broadway' entra na lista daqueles filmes que ganharam o prêmio, mas que não mereciam. Eu não vou escrever aqui que tudo nesse longa-metragem musical é ruim. O tom de humor, uma vez ou outra, arranca algum riso. Duas canções do filme realmente valem a pena, a romântica 'You Were Meant For Me' e a graciosa e bem executada 'Truthful Parson Brown'.
Dirigido por Harry Beaumont, o filme marcou época, foi um grande sucesso de bilheteria (o filme custou 379 mil dólares e arrecadou pouco mais de 2,8 milhões, só nos Estados Unidos) e ainda gerou três sequências, 'Melodia da Broadway' de 1936, 'Melodia da Broadway' de 1938 e 'Melodia da Broadway' de 1940.
Se olharmos para a história do cinema, é possível encontrar explicações históricas e artísticas para a boa recepção e legado do filme. É importante termos em mente que 'Melodia da Broadway' é um musical e este gênero era uma grande novidade na época. Até aquele momento, apenas cinco musicais haviam sido lançados, sendo os mais famosos 'O Cantor de Jazz' de 1927, também conhecido por ter sido o primeiro “filme sonoro” da história do cinema, e 'A Última Canção' de 1928, ambos protagonizados por Al Jolson e produzidos pela Warner Bros.
Aqui há uma história muito simples projetada para reunir apresentações de canto e dança. O principal problema é que os números musicais parecem prolongar demais essa curta história, o que meu deu a sensação de que as músicas estão sendo usadas para prolongar o tempo de execução.
A relação dos personagens mostram egos conflitantes e artistas nervosos, demonstrando a atmosfera turbulenta das celebridades de Nova York, embora mesmo no final dos anos 20 o tema pareça cansado. Um enredo muito simples, mas muito melodramático o que me fez achar 'Melodia da Broadway' muito chato.
Do trio de atores principais, apenas Charles King sabia cantar, mas infelizmente a sua atuação não é uma das melhores de assistir. Anita Page começou sua carreira no cinema mudo, mas rapidamente fez a transição para o cinema falado. Em 1929, a loira estava no auge de sua popularidade. Bessie Love teve a corrida mais longa e constante de qualquer um dos três. Sua primeira aparição na tela foi em 1915 e a última em 1983. Nesse meio tempo, ela fez mais de 100 filmes e nunca passou mais de cinco anos sem um papel.
É impossível negar o valor histórico, talvez um pouco técnico também, de 'Melodia da Broadway'. Foi difícil para mim não sofrer impacto dos seus tediosos cem minutos de duração. O longa-metragem vale a pena se o espectador quiser completar a lista de filmes vencedores do Oscar ou de obras com valor notável para o desenvolvimento da arte cinematográfica, mas para quem procura um bom filme, eu sinto em lhe informar, 'Melodia da Broadway' não é bem o que você está precisando.
Ghostbusters: Mais Além
3.5 408 Assista Agora'Ghostbusters: Mais Além' é um exercício profundamente nostálgico. Isso está claro desde o início, como costuma ser o caso de filmes que combinam sequências de décadas depois com reinicializações famintas de franquia.
'Os Caça-Fantasmas' se tornaram um clássico ao mesclar absurdos loucos e fantásticos com uma frouxidão cômica vagamente contra cultural. 'Ghostbusters: Mais Além', dirigido e co-escrito por Jason Reitman, traz uma aventura infantil, que possui algumas piadas boas e em outros momentos a comédia oferece piadas ruins sobre piadas ruins.
O filme faz uma tentativa desanimada de formar um novo quarteto de heróis briguentos e brincalhões, com os irmãos se juntando ao novo amigo de Phoebe, Podcast (Logan Kim) e a paixão instantânea de Trevor, Lucky (Celeste O'Connor). A falta de tempo de tela real que os quatro passam juntos como um grupo é uma dica de que a mistura de crianças mais jovens e mais velhas é um ato de posicionamento demográfico mais do que qualquer outra coisa.
Durante a primeira hora, 'Ghostbusters: Mais Além' solidamente segue a linha entre o antigo e o novo, enquanto Jason Reitman oferece ótimos momentos, no entanto, o filme muda de brincar com a mitologia do passado para imitar completamente.
Aspectos técnicos lindamente construídos a partir do original. A partitura do compositor Rob Simonsen é uma homenagem aos temas clássicos e inesquecíveis de Elmer Bernstein, ao mesmo tempo em que estabelece sua própria paisagem sonora única com instrumentação semelhante à de sopros, cordas e metais pesados.
A cinematografia do colaborador frequente Eric Steelberg é sutilmente influenciada pela abordagem de László Kovács, aumentando simultaneamente os tons narrativos com seu próprio toque humanístico e fundamentado. O design de produção de François Audouy e os figurinos de Danny Glicker dão interpretações inteligentes a momentos icônicos do filme de 1984.
Jason Reitman aperta o botão de reinicialização mais uma vez, desta vez carregando um legado cinematográfico familiar. Com toda a nostalgia acumulada na imagem, sua própria identidade remodelada fica levemente comprometida, funcionando como um mimeógrafo do que veio antes dela.
Caça-Fantasmas
3.2 1,3K Assista Agora'Os Caça-Fantasmas' foi um grande sucesso e foi uma boa ideia refazer o filme com um elenco só com mulheres. Quando você tem mulheres tão engraçadas como Kristen Wiig, Kate McKinnon, Leslie Jones e Melissa McCarthy fazendo filmes, é inteligente encontrar maneiras de juntá-las, mas esse remake parece desperdiçar todas as oportunidades.
'Caça-Fantasmas' começa bem, com Zach Woods como guia turístico em uma casa mal-assombrada. Em seguida, a ação muda para Kristen Wiig, como Erin, uma professora de física a poucos dias de sua revisão de mandato. O roteiro é nítido com algumas linhas inteligentes, mas nada parece funcionar aqui.
Todo o caos sobrenatural do primeiro filme foi apoiado pelo ótimo relacionamento entre quatro personagens principais, distintamente desenhados. 'Caça-Fantasmas' não traz uma relação convincente entre essas personagens o que deixa o longa fora de órbita dentro de seu próprio universo.
Chris Hemsworth rouba bastante a cena como um secretário pouco inteligente. Kristen Wiig sabe que a comédia é basicamente drama, mas atua com senso de humor e Melissa McCarthy é sempre um prazer assisti-la na comédia. O que dá errado é que Wiig e McCarthy são apenas duas pessoas e 'Caça-Fantasmas' é sobre um quarteto.
Kate McKinnon, em particular, está chocantemente deslocada e ela ajuda a arrastar o filme para baixo com expressões faciais e gestos selvagens, reações fora de contexto e vozes estranhas sem motivo específico. Temos Leslie Jones, cujo papel como trabalhadora do metrô transformado em caça-fantasmas é completamente plano.
A ladainha do fanservice também não ajuda 'Caça-Fantasmas'. Bill Murray, Dan Aykroyd, Sigourney Weaver, o busto de Harold Ramis, Ernie Hudson, Annie Potts, Slimer e mais, todos mostram seus rostos em cenas que parecem criadas para a seção de aplausos enlatados de uma comédia quando o amado personagem finalmente aparece. E suas aparições sempre paralisam qualquer impulso que existe enquanto ele se deleita em suas aparições nostálgicas, mas sem sentido.
'Caça-Fantasmas' segue o modelo do original de Dan Aykroyd e Harold Ramis, o roteiro fraco de Feig e sua co-roteirista Katie Dippold não dá caldo para um boa história. Com pouco humor e tensão, os encontros assustadores são colisões rotineiras com espectros vaporosos de CGI que se transformam em um cataclismo sobrenatural sem envolvimento desencadeado na Times Square de Nova York.
'Os Caça-Fantasmas' pode ter nos feito sentir bem em 1984, mas essa atualização pouco imaginativa cruza seus fluxos convencionais muitas vezes para seu próprio bem. É uma pena que esta atualização quase sem graça e sem inspiração só irá alimentar os raivosos fãs do clássico. É tudo ocupado e barulhento com zero emoção e pouca comédia sustentável.
No Hotel da Fuzarca
3.5 11Sr. Hammer comanda um hotel falido na Flórida, nos EUA. Ele tenta qualquer coisa para conseguir dinheiro, inclusive fazer amor com a rica Sra. Potter. Mas, seu principal esquema, a venda de imóveis, está quase sendo sabotado por Chico e Harpo Zanies.
O modelo cinematográfico dos Irmãos Marx foi refinado ao longo dos anos, para melhor e para pior, mas está muito bem formado para começar em sua estreia em 1929, isso porque os irmãos já se apresentavam como um time há cerca de quinze anos e apresentavam 'No Hotel da Fuzarca' desde 1925. O musical de sucesso da Broadway era um material irresistível para uma Hollywood faminta por artistas para povoar a florescente era do som dos filmes. Groucho, Chico, Harpo e Zeppo tornaram-se estrelas de cinema a serviço da Paramount Pictures.
Os Irmãos Marx, atuam com velocidade vertiginosa nesta brincadeira farsesca e quase sem trama por um hotel na Flórida, aparentemente lidando com a chegada e partida de milionários que ficaram mais ricos ou mais pobres durante o boom imobiliário da Flórida no final dos anos 1920.
O caos é frequentemente dividido neste veículo "puro" de Marx, onde a história de amor é estritamente acidental. Enquanto eles basicamente mantiveram a rotina que o público tinha apreciado na peça original de George S. O ritmo do filme é em alta velocidade e a comédia funciona muito bem aqui.
Este é um filme da era do som, bruto e sem forma, um filme tecnicamente sem sofisticação, no qual o som é estático e a câmera imóvel, com os comediantes entrando nos cenários. A história também não tem algo que cativa, só não fica completamente chata graças ao humor. 'No Hotel da Fuzarca' foi oficialmente a estreia dos Irmãos Marx, embora eles tenham aparecido em uma obscura produção muda que agora é um filme aparentemente perdido.
Os Caça-Fantasmas 2
3.4 275 Assista AgoraGeralmente há uma certa arrogância nos produtores referente a sequências. Eles sabem que têm você, independentemente do que está acontecendo na tela e o resultado é muitas vezes apático e rotineiro. A aventura fantasmagórica ainda é surpreendentemente, recorrendo a um conto mais sensato de maldade antiga que reside em obras de arte assombradas.
Os cenários eu achei mais realistas, os efeitos especiais e os diálogos continuam fazendo sua marca. O filme se beneficia substancialmente da química ainda irresistível entre os personagens centrais, com a atuação completamente afável de Murray ancorando os procedimentos, em geral, compensando seus elementos mais questionáveis.
'Os Caça-Fantasmas 2' foi uma sequência ansiosamente esperada, mas de alguma forma decepciona. O filme segue a mesma fórmula, o que deixa esse longa sem imaginação. Ideias antigas são levemente disfarçadas e depois regurgitadas, com caracteres arbitrariamente alterados para se adequarem ao novo contexto.
A atmosfera penetrantemente presunçosa do filme é perpetuada por uma dependência contínua de elementos auto referenciais e geralmente não há como evitar a sensação de que o filme não existiria se o original tivesse fracassado. Perto da conclusão, o enredo começa a se assemelhar ao cenário de fim do mundo de antes, quase como se os escritores Aykroyd e Ramis estivessem tentando corrigir falhas de script anteriores.
Torna-se aparente, eventualmente, que 'Os Caça-Fantasmas 2' parece mais um remake direto de seu antecessor superior do que uma continuação, já que o filme, escrito por Ramis e Aykroyd, apresenta uma narrativa que muitas vezes segue um caminho semelhante ao de 1984. Uma sequência chocantemente satisfeita e imperdoavelmente descuidada da comédia fenomenalmente popular.
Os Segredos que Guardamos
3.0 61 Assista AgoraCom décadas de filmes sobre a Segunda Guerra Mundial, pode-se supor que não há novas histórias para contar, por isso a indústria começa a reciclar coisas que já existem. 'Os Segredos que Guardamos' é um thriller do diretor Yuval Adler, semelhante a “Death and the Maiden”.
O filme não é totalmente convincente nem particularmente original, sua narrativa segue um curso que parece um tanto previsível desde o início. Mas ainda é forte o suficiente para ser eficaz, especialmente por causa dos atores.
O roteiro de Adler e Ryan Covington brilha com delicadas ambiguidades durante esses primeiros trechos, não apenas colocando em questão a retidão moral das táticas vigilantes de Maja, mas também os passos lógicos, embora talvez desleais, dados por Lewis para mitigar os danos causados pela imprudência de sua esposa.
'Os Segredos que Guardamos' examina questões perturbadoras da maneira menos útil possível. Sua abordagem do personagem é substancialmente menos profunda. Não se pode dizer que Rapace é horrível em sua performance. A maneira como ela olha furiosamente, caminha, pisca e diz coisas me prendeu na tela, ela está incrível.
Chris Messina é um ator cômico competente, está totalmente perdido aqui. O diálogo inventado por Adler e seu colaborador Ryan Covington não ajuda. Os personagens secundários são esboçados de forma superficial que parecem expatriados de algum drama estereotipado sobre o subúrbio dos anos 50.
O drama se passa no final dos anos 50, que eu consegui perceber graças ao guarda-roupa e às muitas vezes repetidas informações de que a guerra havia terminado cerca de 15 anos antes. É necessário ter esses marcadores da época, porque os personagens e as atitudes pouco fazem para dar ao filme uma noção de tempo ou lugar.
Para mim o filme ficou desinteressante por não levantar questões sobre o mal e a redenção, o amor e a lealdade, a recuperação de si mesmo ou a fuga do passado. Há apenas a questão de saber se Thomas é realmente Karl, que desde do começo já é possível confirmar que sim, e como Maja e Louis iram cuidar de toda essa situação.
'Os Segredos que Guardamos' é muito organizado para abraçar algo realmente surpreendente ou inesperado, seja estilística ou narrativamente. O longa até tenta algumas novas ideias para o enredo, mas os esforços levam o telespectador a lugar nenhum. Há uma história interessante a ser contada aqui, mas quase nada sobre 'Os Segredos que Guardamos' fica na memória.
Os Caça-Fantasmas
3.7 733 Assista AgoraEste filme é uma exceção à regra geral de que grandes efeitos especiais podem destruir uma comédia. Os efeitos especiais exigem um trabalho meticuloso de detalhes. A comédia exige espontaneidade e improvisação. 'Os Caça-Fantasmas' é uma colisão frontal entre duas abordagens cômicas que raramente funcionam juntas, mas desta vez obtiveram sucesso. O filme é um blockbuster de efeitos especiais e um filme de diálogo astuto.
'Os Caça-Fantasmas' tem muitos efeitos legais, alguns deles incompreensíveis, outros apenas pequenos descartáveis, como quando um monstro transparente de lodo verde engole um bocado de cachorros-quentes. Não importa quais efeitos estejam sendo usados, eles são colocados a serviço dos atores; em vez de sentir como se os personagens tivessem sido cuidadosamente posicionados na frente de efeitos especiais, sentimos que eles estão improvisando essa aventura à medida que avançam.
O filme é estrelado por Bill Murray, Dan Aykroyd e Harold Ramis, eles são engraçados, mas não têm medo de revelar que também são perspicazes e inteligentes; o diálogo deles dá pequenos giros aos clichês americanos e usa eufemismo, ironia, piadas internas, vasto cinismo e brincadeiras alegres.
A única grande falha no filme é o personagem de Winston Zeddmore, escrito para Eddie Murphy, que se sente lamentavelmente inútil. Há também muitas pontas soltas no roteiro, já que poucos dos personagens coadjuvantes acabam tendo muito a ver um com o outro e parecem deslocados e sem nada para fazer.
Aykroyd, com generosidade típica, disse que pelo menos 50% do sucesso de 'Os Caça-Fantasmas' se deve a Murray. Esses atores dão ao filme seu núcleo de doçura porque você pode ver a amizade muito real entre eles, particularmente entre Ramis e Aykroyd, que escreveram o filme juntos.
Como Dr. Peter Venkman, Murray aperfeiçoou sua irresistível persona sardônica, mas todos os principais atores interpretam suas personalidades com perfeição neste filme: Aykroyd como o doce amigo, Rick Moranis como o nerd infeliz, Harold Ramis como o cabeça de ovo, Annie Potz como o ajudante nerd e Sigourney Weaver como o glamouroso interesse amoroso e o demônio da ficção científica.
A trama pode ser simples, mas tudo é levado com muito mais estilo e sutileza do que se poderia esperar. A trilha sonora de Elmer Bernstein, fornece os arrepios necessários, mas com um ritmo acelerado que sublinha a comédia essencial, assim como o engenhoso trabalho de câmera de Laszlo Kovacs aumenta o design de produção muitas vezes engenhoso de John De Cuir.
Uma das minhas coisas favoritas sobre este filme é sua caricatura gráfica: os uniformes dos Caça-Fantasmas, o Ghostmobile e as insígnias dos Caça-Fantasmas são tão reconhecíveis hoje quanto eram há quase 30 anos.
Isso não é uma regra, mas quanto mais você gasta, menos risadas você obtém, o filme usa seu dinheiro com sabedoria. 'Os Caça-Fantasmas' é um daqueles raros filmes em que a visão cômica original e frágil sobreviveu a uma produção multimilionária. O longa é um daqueles raros filmes em que a visão cômica original sobrevive a uma produção multimilionária.
Janela Indiscreta
4.3 1,2K Assista AgoraO herói da 'Janela Indiscreta' de Alfred Hitchcock está preso em uma cadeira de rodas, também estamos nós presos dentro de seu ponto de vista, dentro de sua falta de liberdade e de suas opções limitadas, é permitido ver apenas o que o herói pode ver.
Quando ele passa seus longos dias e noites vergonhosamente bisbilhotando seus vizinhos, nós compartilhamos sua obsessão. É errado espionar os outros, mas afinal de contas, não somos sempre voyeurs quando vamos ao cinema? Aqui está um filme sobre um homem que faz na tela o que fazemos na plateia.
Em 'Janela Indiscreta', Jeff não é um moralista, um policial ou um benfeitor, mas um homem que gosta de olhar. Há momentos cruciais no filme em que ele é claramente obrigado a agir e ele demora, não porque não se importa com o que acontece, mas porque esquece que pode ser um jogador ativo; ele é absorvido em um papel passivo.
Todos os personagens do filme são, espetacularmente, direcionado pelo roteiro de uma maneira que, só é possível conhecê-los através da observação. Eles têm suas histórias, conflitos e dramas mostrados por alguns minutos via uma janela. Essa é a maior graça do filme, você precisa captar e interpretar o que se vê, não é um filme com um roteiro onde tudo é jogado na sua cara, para você não precisar pensar em nada.
Espirituoso, cheio de suspense, triste, engraçado e sábio, o filme confronta uma plateia com sua cumplicidade nas histórias que vê, mas também trabalha em um dos grandes confrontos entre heróis e assassinos. De todos os filmes de Hitchcock, este é o que mais revela o homem. 'Janela Indiscreta' é um filme impecável e essencial.
Os Fabelmans
4.0 389Steven Spielberg é um contador de histórias nato, e esse filme é sem dúvida sua história mais preciosa. O longa-metragem é um convite de entrada para a casa e para a cabeça do diretor, talvez o mais amado do mundo. A obra é uma zona estranhamente higienizada onde até mesmo o antissemitismo, problemas financeiros e divórcio, parecem ir muito bem com uma pipoca com manteiga.
Se você cresceu com os filmes de Spielberg, certamente observou alguns temas recorrentes em seus trabalhos, especialmente na maneira como os pais se relacionam com os filhos. Seja um pai emocionalmente distante deixando sua família desmoronar ou um Peter Pan adulto lutando por seus filhos, esses laços claramente importam nos trabalhos do diretor, porque as mesmas conexões quebradas da ficção foram a sua realidade também.
Que divertido deve ter sido para o diretor encenar seus primeiros experimentos na câmera, desde embrulhar suas irmãs em papel higiênico para um filme de múmia, até o filme de guerra de 40 minutos que o escoteiro fez com seus amigos, pois para o público 'Os Fabelmans' também pode ser divertido. Trazer uma ótica cinematográfica para um olhar inocente de uma criança, mostra não só um personagem infantil brincando, mas traz também um certo sentimento de nostalgia para o público que acompanha a história.
Mas nem tudo são flores, nem para Steven Spielberg. O filme dá uma guinada para o sério quando Sammy (Gabriel LaBelle) faz uma descoberta alarmante entre as filmagens que ele fez de um acampamento em família. O dilema moral surge em simultâneo, em que o tio-avô de Sam, Boris (Judd Hirsch), aparece para dar uma palestra estimulante sobre como arte e família não se misturam. A próxima coisa que sabemos é que os Fabelmans estão se mudando novamente, abandonando o tio Bennie (Seth Rogen) no Arizona, apenas para se reconectar com a rabugenta avó Hadassah (Jeannie Berlin) quando chegam à Califórnia. Temos um vislumbre da vida de Sammy no colégio, e como qualquer garoto estadunidense, teve seus normais problemas de adolescente.
O filme se desenrola em uma divagação episódica, mas é construído com mais cuidado do que muitos filmes de memórias, que simplesmente vagam pela vida do personagem. Humor, tristeza e esperança dançam um ao redor do outro enquanto esta família não para de tagarelar. 'Os Fabelmans' é épico em duração, mas a escala permanece íntima, com a maior parte da ação ocorrendo no espaço doméstico dessa família, mas a obra cinematográfica traz uma atmosfera de poucas novidades.
Embora 'Os Fabelmans' possa parecer familiar, também pinta um retrato de família atraente, doce e às vezes comovente. As atuações de todo o elenco são fantásticas, com o novato Gabriel LaBelle mostrando uma profundidade e habilidade impressionantes como o adolescente Sammy. Paul Dano e Michelle Williams estão bem escalados. Williams é especialmente uma força da natureza aqui, enquanto Dano é doloroso e frustrante, por sua vez, como um pai gentil, porém teimoso.
Apesar de todo o foco no espaço íntimo da vida doméstica, este filme termina com o seu protagonista pronto para um mundo maior. Depois de um encontro com uma lenda de Hollywood, esse prodígio caminha sozinho pelos fundos vazios de um estúdio, pensando animadamente no filme que fará a seguir. A última cena termina com uma pequena piada cinematográfica, uma mudança divertida de perspectiva.
Há uma sensação de que Steven Spielberg está escondendo os fatos de sua própria vida por trás de famílias fictícias. 'Os Fabelmans' tem uma mistura de real com o ficcional, que parece não se misturar muito bem, mas é um filme espirituoso e agradável sobre uma vida normal e um pouco sobre o cinema.
Psicose
4.4 2,5K Assista AgoraO roteiro de Joseph Stefano, foi baseado em um romance de Robert Bloch, que fornece uma base sólida para a direção de Hitchcock. E é o roteiro de que mais chama atenção ao assistir "Psicose", fugindo totalmente do normal e comum, a trama tem uma reviravolta surpreendente, que nos deixa com muitas dúvidas e o mais importante, ela nos prende até o final.
O gênio travesso de Hitchcock para a manipulação da plateia está em toda parte: na angularidade da cinematografia, no uso que ele faz da trilha sonora de Bernard Herrmann, no imaginário ornitológico que cria uma sensação bizarra de predação. A graça de assistir Psicose é que você precisa vê-lo mais de uma vez. A direção de Hitchcock é cheia de detalhes e merece ser assistido com muita atenção.
As atuações são mais que excelentes e funcionais, mas o destaque é todo do Anthony Perkins que vive Norman. Ele convence seu personagem tão bem, que tem cenas que dá um verdadeiro medo do ator em cena, ele é incrível.
Hoje é considerado um dos melhores filmes de Hitchcock e elogiado como uma obra de arte cinematográfica por críticos internacionais de cinema e estudiosos da área. Classificado entre os melhores filmes de todos os tempos, ele estabeleceu um novo nível de aceitabilidade para a violência, comportamento desviante e sexualidade nos filmes americanos. Psicose é uma excursão brilhante ao medo.
A Forma da Água
3.9 2,7KQuantos diretores podem fazer você torcer por romance entre uma mulher e homem-peixe de olhos mortos que come gatos? A lista não pode ser muito mais longa do que apenas Guillermo del Toro. Ninguém faz horror tão romântico. No seu melhor, o trabalho de del Toro mantém o sonho, o pesadelo e o realismo em perfeito equilíbrio, levando você a mundos terríveis, segurando sua mão o suficiente para que você se sinta seguro. A partir desses mundos de fantasia, ele olha para o nosso mundo, em toda a sua crueldade.
A maneira como del Toro constrói esse romance altamente improvável é incrivelmente inteligente. O fato de que Elisa é tão silenciosa quanto a criatura os coloca em pé de igualdade. Se ela pudesse falar, suas tentativas de conversar com ele poderiam fazê-lo parecer um animal de estimação. Como ambos se comunicam por ação, eles são iguais na conversa. Eles se aproximam através da linguagem de sinais, linguagem corporal e música. Antes que você perceba, parece completamente razoável que uma mulher humana possa gostar de uma criatura marinha.
Há sequências de sonhos musicais e realismo mágico, mas há violência, sangue e dura realidade. Não é apenas um conto de fadas, mas um filme político muito urgente e moral. Encontrar paralelos modernos para líderes motivados pela ganância que temem a igualdade não é difícil.
Ele investe a cada momento aqui com design deslumbrante e atmosfera sobrenatural. Primeiras cenas tocam como partes de uma máquina ornamentada e implacável, com temporizadores de ovo e relógios de ponto e calendários e movimentos repetitivos no local de trabalho de Elisa, criando um senso de vida que está passando, da grande engenhoca de estar zumbindo e consumindo esses personagens.
Mais tarde, no entanto, o filme propositadamente mergulha e desliza; del Toro deixa o mau funcionamento do mecanismo de relógio, como se a conexão silenciosa desses dois estranhos solitários tivesse derrubado a marcha implacável do tempo. E assim como a história deve começar a acelerar e a ficar mais previsivelmente excitante, ela se torna mais estranha, atraída por tangentes estranhas. Há até uma sequência de dança bizarra no final do filme, um sonho de febre de Fred Astaire que, de alguma forma, anima e ressalta a melancolia dos personagens.
No entanto, Hawkins nunca exagera. O rosto dela é um dos mais expressivos do planeta, e teria sido tão fácil passar por cima com o papel de um mudo romântico - para preencher os silêncios do personagem com grotesco angular e expressivo. Mas ao longo de tudo isso, ela permanece em tamanho natural e real. Fala tanto da confiança quanto da generosidade de del Toro que, tendo projetado esse mundo tão profundamente, entrega a coisa toda a Hawkins - não apenas para que ela possa dar vida a seu próprio caráter, mas pode conjurar todas as conexões emocionais necessárias. para tudo isso funcionar em qualquer nível. E meu deus, como ela corre com isso.
Todo cenário parece estar submerso em água, mesmo quando não estamos debaixo da água. Del Toro codifica em cores sua história de amor em tons de acqua, tornando-se mais escura à medida que a tragédia inevitável se aproxima. A câmera de Dan Laustsen deriva quase imperceptivelmente durante as cenas entre Elisa e a criatura, como uma folha na superfície da água. A partitura musical de Alexandre Desplat é por vezes fantasiosa e sinistra como contos de fadas. Cada peça se encaixa suavemente, de forma irresistível, tornando o 'A Forma da Água' um dos melhores filmes do ano.
'A Forma da Água' à primeira vista, é uma enxurrada de momentos maravilhosos e imagens bonitas e sinistras. Quando se instala, como você pensa, semanas depois, seus significados mais profundos sobem à superfície. 'A Forma da Água' é uma fantasia, um filme de horror, um conto de fadas, tudo isso além de ser um dos melhores filmes da década.
Duna
2.9 412 Assista Agora'Duna' tem um roteiro que é uma verdadeira bagunça, uma excursão incompreensível e desestruturada. O filme tem tantos personagens, tantos relacionamentos inexplicáveis ou incompletos e tantos cursos de ação paralelos que às vezes é difícil acompanhar a história.
A fotografia do filme é banhada por uma espécie de filtro amarelo empoeirado, como se o filme tivesse ficado muito tempo exposto ao sol. David Lean fez o deserto parecer lindo e misterioso em 'Lawrence da Arábia', em 'Duna' o cenário seco e quente parece pobre e monótono.
O filme tem um elenco respeitável que faz o que se espera deles, mas ninguém parece muito feliz aqui. Os atores se postam em trajes extravagantes, balbuciando diálogos que têm pouco ou nenhum contexto. Eles nem mesmo recebem cenas que funcionam de maneira independente.
Os elementos de ação são onde 'Duna' particularmente falha. Os efeitos especiais nem chegam perto de outros esforços de ficção científica da década de 80. Os efeitos práticos são as únicas áreas em que o longa tem sucesso. Não por acaso, é aqui também que a mão de David Lynch pode ser mais sentida.
Este é um filme que não domina dramaticamente as vastas forças para as quais está apontando, mas gira com determinação junto com muito pouca variação de tom ou ritmo. O diretor David Lynch faz uma tentativa corajosa de fazer justiça às tramas de Herbert, mas no final ele é derrotado pelas complexidades da história.
'Duna' parece um projeto que estava seriamente fora de controle desde o início. Cenários foram construídos, atores foram contratados; nenhum roteiro utilizável foi escrito; todo mundo fingiu enquanto podiam.
A História Pessoal de David Copperfield
3.1 51 Assista AgoraEm seu terceiro filme como diretor, Iannucci voltou-se para o romance autobiográfico de Dickens com o mesmo zelo que antes reservava para a paródia política. 'A Vida Extraordinária de David Copperfield' é um dos dramas de fantasia vitorianos mais animados, coloridos e extravagantes que você provavelmente verá.
Iannucci, famoso por seu estilo de improvisação e barragens carregadas de palavrões, claramente encontra em Dickens um escritor simpático no gosto pela linguagem e gosto por multidões. Em muitos aspectos, eles combinam bem, com o estilo mais anárquico e livre de Iannucci que anima a sagacidade e a natureza do livro de Dickens.
Há muito a ser apreciado sobre o ritmo energético do filme, o elenco nunca falha em convencer. 'A Vida Extraordinária de David Copperfield' mantém seu tom otimista e caprichoso, deixando os momentos de drama muito fracos quando a história exige desses momentos uma carga mais pesada de drama.
Os ocasionais momentos turbulentos dão uma dica dos verdadeiros instintos de Iannucci espreitando logo abaixo do material, incluindo uma sequência contínua de embriaguez acelerada e coreografada como uma clássica sessão de pastelão e momentos onde os personagens se chocam com os sets desordenados. Só nos momentos finais o longa se inclina para a estranheza absoluta da história do personagem.
O filme tem um elenco distintamente multicultural, adicionam consideravelmente à vibração do filme, juntos fazendo um argumento bastante irrefutável para o elenco daltônico, para quem precisa de um.
Enquanto 'A Vida Extraordinária de David Copperfield' mantém um ritmo agitado e rápido enquanto corre pela vida de Copperfield, Iannucci e seu co-escritor Simon Blackwell organizam o filme em capítulos tão distintos que o filme parece mais uma litania de cenas do que o evolução dramática de um jovem.
Se o dom de Iannucci para a interação do conjunto tem um lado negativo, é situar o que pretende ser "uma história pessoal" menos da perspectiva da primeira pessoa de Copperfield. Você sai apreciando certas partes, em vez de sentir o alcance de uma história.
Armando Iannucci tem sido o rei reinante da sátira filmada por anos, mas com 'A Vida Extraordinária de David Copperfield', ele troca a sátira política vibrante por uma montagem confusa de conceitos caprichosos. A adaptação tem boas intenções de sobra, de um elenco liderado por Dev Patel em sua melhor forma, a uma cascata de transições de cena lúdicas. 'A Vida Extraordinária de David Copperfield' merecia trazer uma biografia mais firme.
Inferno
3.2 832 Assista AgoraSe você achou os dois primeiros filmes sem alma e sem alegria, prepare-se para continuar tendo a mesma opinião, mas já aviso que as coisas são um pouco piores desta vez. Enquanto o Robert Langdon corre confuso pela Europa tentando impedir uma praga, criada por um louco fã de 'A Divina Comédia', o filme segue os movimentos clichês da ação, mas com menos sutileza técnica do que se poderia imaginar.
Tom Hanks sempre chamará a atenção em qualquer papel, mas não há brilho em Robert Langdon. Na maioria das vezes, o ator está tentando recuperar sua memória e seguir a trilha literária de Zobrist. Felicity Jones acompanha a luta mental de Langdon como Sienna Brooks, enquanto Ben Foster fala sobre como a dor inspira mudanças como um super vilão milenar demente. Irrfan Khan aparece e anima a festa com sua persona legal de segurança particular.
'Inferno' começa bem quando Robert Langdon acorda, sangrando e confuso, no hospital de Florença onde Brooks trabalha. Ele mal tem tempo de entender como foi parar em um leito de hospital, e um assassino armado começa a persegui-lo. O elemento de caça ao tesouro que alimentou 'O Código Da Vinci' é realmente indiferente aqui.
O pano de fundo é escandalosamente cênico, com uma perseguição típica percorrendo os Jardins Boboli de Florença até o Uffizi e ao longo das ruas do centro da cidade. 'Inferno' está determinado a captar as vistas oferecendo um belo vídeo de marketing turístico. Para um filme sobre pessoas inteligentes sendo inteligentes, você só gostaria que a trama fosse um pouco mais matizada.
'Inferno' é um tédio sombrio e pesado de exposição que nunca agarra o diabo pelos chifres. O foco instável de Ron Howard cria ação e suspense sem muito investimento, enquanto os atores gastam metade de suas atuações regurgitando informações que já ouvimos vinte vezes. O longa-metragem é barulhento e com pouca energia, no final, até Tom Hanks parece um pouco entediado.
Contos de Natal, O Musical
4.3 17'Contos de Natal, O Musical' recria uma Londres do século XIX impressionante considerando o orçamento limitado de uma produção televisiva, partindo deste ponto de vista, o longa-metragem ganha alguns pontos, mas não o suficiente para se tornar um bom filme.
As performances são fracas e caricatas. O elenco tenta dar vida a vários grandes números de dança sem energia, e também tenta dar alma a trilha sonora de Alan Menken, que os deixam cantarolando melodias repetidas e chatas.
A obra original traz um pouco do terror e do medo, que em algumas vezes é deixado um pouco de lado pelas adaptações, sentimentos que no final da história, contrasta muito com a misericórdia dada ao Scrooge. Em 'Contos de Natal, O Musical', eu senti falta do desespero e da real intensidade que a história exige para a grande transformação do personagem.
Eu não preciso me esticar muito sobre o que eu achei do filme, pois eu não gostei nadinha dele. A produção em seu total massacrou este belo clássico o deixando quase irreconhecível. Eu acredito que 'Contos de Natal, O Musical' seja a pior versão que já conferi, esse filme é uma verdadeira bagunça desajeitada.
Drácula de Bram Stoker
4.0 1,4K Assista AgoraO título da versão do diretor Francis Ford Coppola, indica uma estratégia de marketing baseada, não apenas em calafrios e caos, mas também em respeito pela reputação literária e fidelidade à obra original. 'Drácula de Bram Stoker' fica bem próximo do enredo do romance, com seus detalhes da vida do final do século 19, juntamente com explosões de sangue no estilo do final do século 20.
A versão original de Stoker é uma visão infantil vitoriana do amor como uma história de terror marcante. O diretor apresenta ao público uma visão do tipo conto de fadas, uma espécie de história infantil com presas.
Francis Ford Coppola ressuscita uma série de convenções cinematográficas de anos passados, complementando efeitos especiais de alta tecnologia com truques de câmera antiquados que evocam a atmosfera de magia, o que para mim soou estranho, é difícil aceitar a proposta de visão do diretor.
Quanto ao perverso Drácula, Gary Oldman o interpreta soberbamente, passando do hediondo ao hilário com uma facilidade incrível. Anthony Hopkins causa uma impressão igualmente forte como Van Helsing, o caçador de vampiros e Tom Waits merece um aceno de cabeça por sua interpretação de Renfield, o lunático.
Francis Ford Coppola e sua equipe de produção entregam um visual com uma paleta de cores vibrantes, que trazem o fantástico e reforçam o obscuro. Eiko Ishioka é um artista japonês que desenhou magníficos figurinos, e fez um trabalho incrível. Thomas Sanders, que desenhou os cenários, também faz um trabalho fantástico ao contar essa história visualmente.
‘Drácula’ é um filme bonito de se assistir, é um verdadeiro espetáculo, mas o diretor Francis Ford Coppola entrega uma obra muito estranha, os elementos não parecem se misturar bem.
Caixa de Pássaros
3.4 2,3K Assista AgoraO filme começa de maneira bastante promissora, em uma sequência estendida em que Sandra Bullock e Sarah Paulson, habilmente escalados como irmãs, trocam diálogos farpados no caminho para uma consulta médica, é quando no caminho, motoristas e pedestres aleatórios começam a cometer suicídio em massa ao seu redor.
O elenco de 'Caixa de Pássaros' é muito grande para se desenvolver totalmente em algumas horas, mas o roteirista Eric Heisserer tenta mesmo assim, escrevendo personagens unidimensionais e monólogos que sugerem histórias de fundo mais longas e mais satisfatórias do que as mostradas em tela.
O horror está no desconhecido, o medo se encontra em não poder ver. A diretora Susanne Bier sabiamente evita revelar a ameaça, mas é inevitavelmente forçada a dar a ela algum tipo de manifestação. As escolhas são do tipo: folhas rodopiantes ou sussurros distorcidos. Escolhas que são decepcionantemente arrancadas diretamente de algum manual de "Como fazer um Filme de Horror".
Sandra Bullock exala uma autenticidade corajosa que faz valer a pena seguir Malorie. 'Caixa de Pássaros' quer dizer algo significativo sobre o poder da maternidade. Nos flashbacks, Malorie expressa ambivalência sobre ter um filho, a atriz vencedora do Oscar puxa nossas cordas do coração enquanto luta para proteger suas crianças.
O filme é um terror pós-apocalíptico, com momentos de intensa violência e elementos que lembram outros filmes. A falha mais significativa de 'Caixa de Pássaros', é que o longa é muito inerte e sem foco para funcionar como terror de ficção científica.
'Caixa de Pássaros' é surpreendentemente simplista em suas correntes temáticas, à medida que avança, começa a parecer que não está totalmente certo do que está tentando fazer. O filme é uma experiência curiosamente vazia, ainda assim, é divertido o suficiente para valer a pena assistir.
Frankenstein
4.0 285 Assista AgoraA Universal Pictures está viva até hoje por causa dos filmes de monstros. Em 1930, a Universal perdeu muito dinheiro em receitas. Então, em fevereiro de 1931, 'Drácula' foi lançado e faturou muito para os estúdios naquele ano. Ficou claro para o produtor da Universal, Carl Laemmle Jr., que os filmes de terror eram o que o público queria. Em novembro do mesmo ano, 'Frankenstein' foi lançado.
O diretor James Whale fez um ótimo trabalho em sua direção. Isso não é uma coisa fácil de dirigir. A adaptação para a tela de tal história foi obviamente uma tarefa de extrema dificuldade. Cada quadro de 'Frankenstein' exibe a atenção do diretor aos detalhes. Embora alguns aspectos da produção possam parecer antiquados para o público de hoje, há uma aura assustadora que poucos filmes de hoje não conseguem alcançar.
O desempenho do ator Boris Karlofff é excepcional, movendo-se de maneira tão rígida e pesada. Ele também é capaz de transmitir a simplicidade infantil da mente do monstro. Ele tem tão pouco diálogo além de algumas palavras, mas faz você simpatizar com o ser através de seu rosto e dos sons.
O 'Frankenstein' de James Whale não é tanto baseado no livro quanto nas inúmeras peças teatrais que foram produzidas após o sucesso do conto gótico de ciência e horror de Mary Shelley. O livro aborda muitas das mazelas existenciais do homem em relação ao conceito de Deus. O filme acaba falando de forma muito leve sobre esses elementos e escolhe acentuar o melodrama da história de Mary Shelley.
A fotografia é esplêndida aqui, talvez a última palavra em engenhosidade, grande parte do longa se passa no escuro no período noturno, há bom uso da iluminação e ótimas manipulações de sombras para intensificar a atmosfera fantasmagórica de 'Frankenstein'. Outra área em que o filme se destaca é na maquiagem. Fica claro imediatamente por que o monstro de 'Frankenstein' é uma figura tão icônica do cinema. O design simples e perfeito da criatura é muito satisfatório.
'Frankenstein' deixa um pouco de lado a obra pela qual se baseia, e abusa do seu drama. Para quem leu o livro, assim como eu, pode ficar um pouco desapontado, mas o filme ainda sim, é uma obra que vale a pena ser visitada. Aproveitando o que estava dando dinheiro aos estúdios naquela época, 'Frankenstein' acaba sendo mais comercialmente elegante do que uma obra prima do terror.
O Conto de Natal dos Muppets
3.5 20 Assista AgoraO primeiro longa-metragem Muppet desde a trágica morte de Jim Henson em 1990, 'Um Conto de Natal dos Muppets' é uma mistura de humor. A melancolia da fábula sazonal frequentemente filmada de Dickens entra em conflito com os Muppets com sua amável anarquia habitual.
Na obra original, os espíritos do Natal passado foram projetados para transformar Scrooge de um velho rabugento em uma figura trágica. 'Um Conto de Natal dos Muppets' deixa um pouco a importância desses personagens, escolhendo um caminho mais superficial e não entregando um trabalho eficaz.
O filme poderia ter funcionado melhor se fosse um caso totalmente Muppet (talvez com Kermit como Scrooge). O roteiro também reduz muito as visitas noturnas, presumivelmente para evitar crianças chatas e outras com falta de atenção. Embora isso acelere o ritmo da história, a escolha acabou diminuindo o personagem de Scrooge.
O Scrooge dessa versão está indiscutivelmente entre as quatro ou cinco melhores interpretações de tela do infame avarento, mas forçá-lo a jogar contra os Muppets não apenas diminui seus esforços, mas reduz toda a produção ao nível da pantomima.
Os valores de produção são aparentemente altos, que entregam uma era Londres vitoriana aceitável. Brian Henson faz um trabalho de direção fluido, senão espetacular. As canções composta por Paul Williams são repetitivas e em alguns momentos deixam o filme chato. O final do filme é apressado entregando um final feliz forçado.
'Um Conto de Natal dos Muppets' não é terrível, mas é retumbantemente moderado, com canções meramente aceitáveis de Paul Williams e apenas risadas reais ocasionais. A evolução do personagem de Scrooge é insuficientemente temperada com alívio cômico. É o tipo de filme familiar de alto conceito que pode ser realizado a cada temporada de Natal.
Vidas Sem Rumo
3.8 259'Vidas Sem Rumo', a fiel versão cinematográfica de Francis Coppola do romance juvenil mais vendido de S.E. Hinton, é dedicado a bibliotecária de uma escola secundária na Califórnia. Foi a carta dela, acompanhada de uma petição do corpo estudantil, que fez o diretor considerar a obra literária como um projeto de filme.
S.E. Hinton ainda era uma adolescente quando escreveu o best-seller em meados da década de 1960. Seu cérebro não estava cheio de equívocos adultos, então ela não entrou naquelas confusas zonas cinzentas. Ótimo para ela, mas não para Coppola, que transforma essa história tão esperada em algo meio sem graça.
Se Francis Coppola estivesse menos apaixonado pela fonte, ele poderia ter prestado a 'Vidas Sem Rumo' um serviço inestimável ao fazer alguns reparos. Em vez de começar com os personagens e o cenário social de Hinton e depois preencher os elos perdidos de motivação e causalidade, Coppola se contenta em tratar o material como um texto sagrado, o longa é definitivamente uma adaptação feita ao pé da letra.
'Vidas Sem Rumo' é um filme profundamente estranho que dá aos bandidos dos anos 60 a personalidade de Ursinhos Carinhosos e os coloca sob constante ataque de mauricinhos em suéteres de cor pastel. O grande ponto do filme é humanizar esses estereótipos malvados, mas o longa não entrega densidade e profundidade nos personagens, deixando tudo meio estranho de assistir.
A única fonte de interesse do filme é seu elenco agora mega famoso: os sete Greasers dominaram os filmes dos anos 80. O protagonista é C. Thomas Howell como Ponyboy, seguido em importância por Ralph Macchio, Matt Dillon, Patrick Swayze, Rob Lowe, Emilio Estevez, e em uma quase participação especial, Tom Cruise, que dá uma performance elegante e flexível.
'Vidas Sem Rumo' trata-se de um drama modesto das dificuldades adolescentes de um olhar adolescente. Francis Coppola entrega um filme sem ritmo, apressado e estranhamente editado. Talvez o longa seja levemente agradável para as crianças, mas faltou emoção aqui, o filme poderia simplesmente ter sido adaptado e não levado tão ao pé da letra.